Genios y figuras hasta la sepultura

Jethro Tull

Lobo_aullador — 2009-11-01T21:49:56+01:00

A principio de los 60's la familia de Anderson se muda de Edimburgo (Escocia) a Blackpool, ciudad situada al norte de Inglaterra. Inscriben a Ian en la escuela secundaria, instituto donde cursaban estudios también John Evans y Jeffrey Hammond. Pese a tener un año más cursado que John, el instituto considera que tienen conocimientos equivalentes e integran a ambos en la misma clase. La madre de Evans era profesora de piano; era claro que ya a los cuatro o cinco años John comenzara a tocar ese instrumento. Para él se convertiría en una verdadera tortura dominar el piano así que, cuando anunciaron que había aparecido un nuevo grupo en Liverpool y tenían un registro musical nuevo, no lo duda más y decide aprender a tocar la batería... a la vez que sigue tratando de dominar los teclados. Ian, en cambio, tenía una guitarra española acústica que rasgueaba sacando de ella sonidos fuertes y extraños hasta ese entonces...

Lo cierto es que, muchachos con todas las habilidades intelectuales de volverse abogados o de profesiones similares, decidieron para fortuna del Rock convertirse en músicos. Primero fue John quien se contactó con Ian sabedor que el escocés tenía también como él, ambiciones musicales. Pero la guitarra y la percusión formaban solo un dueto; se requerían más integrantes para formar una banda. Entre las personas que entrevistan se encuentra un muchacho que era un poco mayor y también integraba la clase. Ese era Jeffrey Hammond...

Los padres de Jeffrey poseían un hotel y podían gracias a ese negocio darse el lujo de comprar albumes. Sin pretenderlo quizás, logran influenciar al trío hacia sus propios gustos, registros de blues... Por otra parte, el incipiente grupo se daba el gusto de vestir distinto del resto de las bandas de la ciudad de Blackpool, con plástico negro brillante Macs, pantalones con piel artificial y botas de tacos altos y puntiagudas. Realmente, esta fue la etapa de formar estilos y amistades...

Más adelante se le uniría (en su primera etapa) Barriemore Barlow y Michael Stephens, en guitarra. El grupo base estaba formado. Faltaba solo darle un nombre que los identificara y marcara presencia en el mundo del Rock. La banda se llamaría The Blades. De todas maneras, el grupo no dejaba de ser una banda escolar. Es entonces que Ian decide viajar a Londres junto a Barlow, Hammond y Evan. Una vez allí forman The John Evan Band, grupo con el que tocarían por los bares locales versiones de James Brown. En el año 1966 la banda se ampliaría hasta los siete miembros y se denominaría John Evan's Smash.

En ese momento, Glenn Cornick sustituye a Jeffrey Hammond en el bajo. En noviembre de 1967 cinco de los siete miembros abandonan el grupo y vuelven a sus respectivos hogares. Sólo quedan Anderson y Cornick quienes deciden trasladarse a Luton, ciudad próxima a Londres. Allí tuvieron que reclutar a dos nuevos músicos. Éstos serían el baterista Clive Bunker y el guitarrista Mick Abrahams , ambos procedentes del grupo McGREGOR'S ENGINE. Con estos cuatro componentes comenzó un periplo de dos meses durante los cuales actuaron en diversos locales británicos. Sería esta la primera formación de Jethro Tull, que oficialmente se funda en febrero de 1968:

Ian Anderson (flauta y voz)
Mick Abrahams (guitarra y voz)
Glenn Cornick (bajo)
Clive Bunker (batería)

Comienzos de La Banda

En Abr/68 la nueva banda comienza a actuar cada jueves en el mitico The Marquee de Londres, como teloneros de Fleelwood Mac, Procol Harum y Ten Years After, entre otros. Se cuenta que, como no eran excesivamente buenos, cambiaban a menudo de nombre para poder seguir actuando. Los distintos nombres usados en aquella época fueron: Navy Blue, Bag of Blues, Ian Henderson's Bag of Blues.

El repertorio que tocaban estaba compuesto exclusivamente por temas de lan y Mick. En el mes de mayo graban un single para la MGM, con los temas Aeroplane y Sunshine Day. Debido a la poca publicidad, el disco pasó sin pena ni gloria.

Aunque se ha creído ampliamente que este single fue acreditado a Jethro Toe por equivocación, se ha expresado por más de un miembro de la banda que en verdad era una táctica determinada por su productor, Derek Lawrence, porque detestaba esta alternativa. Mientras tanto, a comienzos de 1968, Chris Wright (mánager de The John Evan Band) y Terry Ellis (mánager de Ten Years After) habían decidido formar una compañía de discos a la que pondrían por nombre CHRYSALIS RECORDS. Dicha compañía sería en un principio subsidiaria de la todopoderosa ISLAND y enfocaría su trabajo a la promoción de grupos con sonidos innovadores. En el mes de junio Terry Ellis y Chris Wright consiguen que el grupo firme por la Chrysalis, fichándolos bajo el ridículo nombre de CANDY COLOURED RAIN. Ello no se produjo, finalmente, gracias a que un empleado de CHRYSALIS que había estudiado historia les sugirió el de Jethro Tull, un agricultor, granjero y escritor inglés nacido en Basildon en 1674, al que se atribuye en 1701 la invención y perfeccionamiento de la máquina de arar y diversos experimentos con los sistemas de sembrados. A partir de este momento, la banda comenzaría a destacar en el panorama musical inglés.

En Jul/68 se meten en los Sound Techniques Studios de Londres y graban los temas que conformarían su primer álbum. En dichos estudios, Anderson y Ellis preguntan si conocen a un ingeniero que podría recomendarse para hacer las orquestaciones de su próximo álbum. La recomendación cayó en David Palmer quien , en corto tiempo, agregaba sonidos de cuerdas a "A Christmas Song" , empezando así una relación con la banda que llevó a Palmer integrarse definitivamente al grupo desde los tiempos de Song From the Wood hasta el año 1980. Volviendo a 1968, el 23 de agosto terminarían las grabaciones y la compañìa, que apuesta fuertemente por ellos, los promocionarían muchisimo. Así, serán presentados en el National Rhytm & Blues Festival celebrado en Kempton Park de Sunburry, compartiendo cartel con John Mayall, Cream, Nice y Ten Years After, donde consiguieron un éxito espectacular.

Jethro Tull en 1968

En septiembre de 1968 se publica su primer LP, This Was, que contiene diez temas. Rápidamente consigue el beneplácito del público y de la crítica y obliga al grupo a realizar numerosos conciertos, entre ellos unas sesiones de radio para la BBC. En Estados Unidos, el disco se vendió poco, pero en lnglaterra los consolida totalmente. La revista Melody Maker los sitúa como la segunda banda más prometedora de toda Inglaterra; atrás de The Beatles y por delante de The Rolling Stones. El single lanzado posteriormente fue "A song for Jeffrey", dedicado a Jeffrey Hamond Hamond. La cara B de dicho single también estaba dedicado a alguien: "One for John Gee", surge como agradecimiento a JOHN GEE, manager del Club Marquee en Londres y primera persona que confió en el éxito del grupo. A pesar de la ansiedad con la que se esperaba el primer disco de JETHRO TULL y de las buenas críticas recibidas por éste, el primer single no tuvo demasiado éxito entre el gran público. Sin embargo, el siguiente sí que alcanzó buenas posiciones en las listas británicas. En Nov/68, en este caso, en los Morgan Studios de Londres, graban los temas que formarían su primer single para la Chrysalis, conteniendo los temas Love Story y Christmas Song.

En Dic/68 Mick Abrahams abandona el grupo para formar su propia banda, Blodwyn Pig. Para sustituir a Abrahams, Anderson llama a Tony lommi, proveniente de Black Sabbath. Su estancia en Jethro Tull solo duró quince dias, ya que su estilo no convenció a Anderson. lo que provocó el retorno de aquel a su grupo de origen.

Igualmente, a pesar de su corta estancia en la banda, llegó a grabar un programa de televisión llamado Rolling Stones' Rock'n 'Roll Circus, donde, además de los Stones, participaban John Lennon, The Who y Eric Clapton.

Para sustituir a lommi, Anderson recurre a Davy O'List, que solamente estaria cuatro dias con la banda y que posteriormente tocaría en el grupo Jet. Entra entonces a formar parte de Jethro Tull el guitarrista que se convertiria en el brazo derecho de Anderson: Martin Lancelot Barre quien, pese a no tener la depurada técnica de Abrahams, se adaptaría mucho mejor a la música del grupo.

Martin Lancelot Barre

Hacia La Cima

Durante Feb/69, Jethro Tull viaja a Estados Unidos para promocionar This Was, teloneando entre otros a Led Zeppelin. Su primer concierto en América fue en el Filmore East de Nueva York, y Anderson lo consideró un desastre, ya que el equipo llegó en pésimas condiciones. Igualmente...tuvieron éxito.

En ese mismo mes de febrero graban un tema en los Estudios Vantone de New Jersey: Living in the Past. Esta canción saldría como cara A de un single. En marzo graban en los estudios Western Records de Los Angeles el tema Diving song, que sería el lado B del single mencionado.

En Abr/69, ya en Londres, graban en los Morgan Studios los temas de su segundo álbum: Stand Up. El disco sale a la venta a finales de mes y llega en pocos dias al numero uno de las listas inglesas y de muchos países de Europa, consiguiendo rápidamente ser Disco de Oro. Recordemos que este LP fue grabado en una época problemática, musicalmente hablando: separación de The Beatles y muerte de Brian Jones, guitarra de The Rolling Stones.

En este disco ya puede apreciarse un estilo más definido que en el primer áilbum, que contenía mucho más blues y jazz. Además, los arreglos musicales corren a cargo de David Palmer. que posteriormente se encargaria de los teclados. El ingeniero de sonido fue Andy Johns. y estaría producido por Anderson y Terry Ellis.

En May/69 son invitados al festival que Island Records organiza en Francia. El éxito allí sería enorme. En Sep/69 vueiven a los Morgan Studios para grabar otros dos temas que, junto a los anteriores singles, aparecerian en el futuro Living in the past. Esos temas son: Swett Dream (que se posicionaría en el Nº 7 de Inglaterra) y Singing All Day.

En Dic/69 volverían a los mismos estudios para grabar dos nuevos temas que aparecerían posteriormente en el mismo áilbum: Teacher y Witches promise. Este sería el primer single estéreo de la historia. En Teacher participa John Evan, miembro de los dos grupos anteriores a Jethro, The John Evan Band y John Evan's Smash. Evan colaborará como miembro eventual de la banda hasta que ingresa definitivamente en junio de 1970.

Jethro Tull en 1970

En Ene/70 comienzan a grabar los temas del tercer álbum, en el cual John Evan solo participará ocasionalmente. Benefit se publicará en febrero y será el disco que los consagrará definitivamente en los EE.UU y en el resto del planeta. Como curiosidad hay que decir, que el álbum logrará ser Disco de Oro en Estados Unidos seis años después de su publicación. Con respecto al álbum, hay que decir que es uno de los discos de Jethro Tull menos influenciados por el folk y, por el contrario, más cercano al rock clásico con apoyo de teclados y, sobre todo, piano. Sin embargo, ahí estaba el genio innovador e inquieto de IAN ANDERSON para dar su toque especial a los temas y conseguir que sonasen nuevamente diferentes a lo que el gran público estaba acostumbrado.

En Jun/70 vuelven a los Morgan Studios y graban dos nuevos temas para el Living in the Past; ellos serían Wond'ring Again y Just Trying To Be. Este ú1timo tema supone la entrada definitiva de Evan en la banda. En Ago/70 parlicipan en el Festival de la isla de Wight, junto a grupos tan importantes como The Doors. Free, Chicago, Ten Years After, The Who, ELP, Taste, y solistas de la talla de Bob Dylan, Jimmy Hendrix, Donovan, etc. El éxito de Jethro es espectacular: llegan a tocar casi tres horas de continuo ante 200.000 personas..

Seguidamente viajan a Estados Unidos para dar una serie de conciertos, y en el mes de Nov/70 grabarán dos temas en vivo en el Carnegie Hall de Nueva York. Estos temas aparecerían posteriormente en el Living in the past y son By Kind Permission y Dharma for one. De vuelta a lnglaterra, Glenn Cornick abandona Jethro para formar su propia banda. Wild Turkey. Para encargarse del bajo, Anderson llama a su viejo amigo Jeffrey Hammond Hammond que grabará durante el mes de diciembre de 1970 en los Island Studios su primera obra maestra y su cuarto Lp: el famosísimo Aqualung.

Ian Anderson, que con sus teatrales solos de flauta se había convertido en uno de los principales actractivos visuales de la formación, se había consolidado, también, como un gran compositor. Esto quedaría demostrado en Ene/71 cuando se pone a la venta este primer disco conceptual de la banda que, además de conseguir el Disco de Oro en Inglaterra, llega a ser número uno de las listas del viejo continente y EEUU, permaneciendo en algunas de ellas durante casi un año seguido. Aunque no es una obra anti-religiosa, como en el momento de su publicación se pretendió hacer creer, el disco fue prohibido en muchos países. En realidad este LP es una visión muy particular de la religión y de la Iglesia como Institución.

Cabe decir que, como obra conceptual, la cara A lleva el título genérico de Aqualung, y la cara B de My God. En Mar/71, Clive Bunker deja el grupo para contraer nupcias y Anderson llama para sustituirlo a Barriemore Barlow, antiguo batería de The John Evan Band. En Mayo, la banda vuelve a los Sound Techniques Studios para grabar cinco temas que irian en Living in the Past y que también aparecerían en un Ep: Life is a long song, Doctor Bogenbroom, Up the Pool, From later y Nursie.

En Nov/71, tras la gira mundial, vuelven a los estudios para grabar el nuevo disco. Será a principios de Feb/72 cuando se pone a la venta Thick As A brick, que rápidamente llega a ser número uno. Estamos delante de otra de las obras cumbre de Jethro Tull. El disco se edita con forma de periódico, y en la portada aparece la fotografía de un niño, Gerald Milton Bostock, ganador de un concurso de poesía organizado por la BBC. Evidentemente, se trata de otra de las bromas de Anderson, que se completa con todos los articulos que llenan este periódico imaginario. Tras la publicación del álbum, Jethro Tull comienza una gira mundial. En Sep/72 se publicará el doble Living in the past, una colección de viejos éxitos, canciones inéditas y un Carnegie Hall Show que empaquetó en un viejo estilo (78 r.p.m)

Tiempo de Críticas

En Ene/73, el grupo se encierra en el Castillo de Heuroville para grabar su nuevo disco, que poco después saldría al mercado. Se trata de A Passion Play. El registro era otra canción extendida, funcionando en toda la longitud del álbum excepto por un cuento intermedio que denominaron The Hare That Lost His Spectacles. Esta obra estaba pensada como un espectáculo músico-teatral, que se estrena en junio en la Wembley Empire Pool Arena, de Londres, delante de 8.000 personas. La crítica y la prensa descargan sus baterías tanto contra la música como del espectáculo en sí, y la banda, desmoralizada por completo, desaparece del mundo artístico por una larga temporada. Se habla del declive y del final del grupo.

En Ago/73 Anderson ataca en unas declaraciones a los críticos ingleses, acusándolos de no hacer valoraciones objetivas. Además, Ian Anderson afirma que Jethro no es un grupo que haga música a gusto de la critica, sino del público. Afirma asimismo que los impuestos ingleses son altisimos (un 80% aproximadamente) y que por ello abandona el Reino Unido para instalarse en los EEUU. A pesar de todos estos hechos y de la crítica hostil, el disco llega a ser número uno de las listas de Francia y EEUU, así como el Nº 13 de Inglaterra.

Una vez instalados en dicho país, no se volvería a saber nada de Jethro Tull hasta principios de 1974. Es entonces cuando Anderson habla de volver a las actuaciones en vivo. Además, entran en los Morgan Studios de Londres para grabar un nuevo álbum: War Child Lo mejor de "Warchild" lo constituyó, sin duda, sus conciertos en directo, de los cuales se escribió en su momento que fueron los mejores de toda la historia de la banda, llenos de efectos visuales y sonoros, con un sonido impecable y unas actuaciones de los músicos muy dinámicas. En estos conciertos intervenían cuatro chicas formando una sección de cuerda y desnudas de cintura para arriba. Respondían a los nombres de ELIZABETH EDWARDS, RITA EDDOWES y HELEN, todas al violín, y KATHARINE THULBORN al violonchelo. También participarían en el siguiente disco de la banda en estudio. Sin embargo, las actuaciones de JETHRO TULL en España, en 1974, no contaron con el espectáculo de los hermosos senos de las cuatro señoritas debido a problemas de censura. Cabe destacar, como novedad, que Anderson tenia el proyecto de realizar una pelicula inspirada en el concepto del álbum. Finalmente no llegó a realizarse debido al alto costo de su producción. Lo que sí se grabó fue un video de 50 minutos durante un concierto en el Madison Square Garden de Nueva York. Con respecto al disco, el tema dominante pareció ser la violencia, aunque las orquestaciones de David Palmer hicieron que la guitarra de Barre se llevara toda la atención. En todo caso, el público respondió bien al retorno de canciones de longitud convencionales.

La critica, esta vez, fue unánime al calificar la calidad del álbum, que se convertiría en Disco de Platino en EE.UU, con más de un millón de copias vendidas. Durante la gira americana dieron cinco conciertos seguidos en el Forum de Los Angeles, donde los vieron mis de 100.000 personas. Se calcula que solo en Norteamérica los vieron más de un millón de personas.

Jethro Tull - September, 1973 Chicago Stadium - the "Passion Play" tour

El Retorno

Durante este período Anderson se volvió productor de un álbum de Steelye Span, un grupo de folk-rock que firmó también por la Chrysalis y que habían sido teloneros de Tull en una de sus giras americanas. Su música repercutiría en las futuras composiciones de Ian Anderson llevando éste a realizar de futuro, surcos con una clara inclinación a la música folk inglesa. En enero de 1975, Jethro Tull logran inaugurar sus propios estudios de grabación, Maison Rouge, en cuyo estudio móvii se grabarían la mayoría de los siguientes albumes.

Es en marzo cuando sale al mercado Minstrel in the Gallery. En principio, este Lp iba a titularse Tears in the eye of the Minstrel (Lágrimas en los ojos del juglar). Este disco conseguiría ser Disco de Oro. Al acabar la gira mundial, el bajista Jeffrey Hammond Hammond abandona el grupo para dedicarse a la pintura. Para substituirle, Anderson llama a John Glascock, que tocaba en un grupo llamado Carmen. Anderson Io conocía del año anterior, cuando Carmen les teloneó durante la gira americana.

A principios de 1976 aparece un disco recopilatorio: M.U., que son las siglas del sindicato de músicos britanicos, Musicians Union. Este álbum recoge éxitos que van desde el año 68 hasta el 75, e incluye un tema inédito que aparecería como cara B de un single: Rainbow blues. Este disco también conseguiría ser Disco de Oro.

Jethro Tull en 1976

En Feb/76 comienzan la grabación del nuevo disco: Too old to rock'n roll to young to die!, que saldría a la venta en marzo. El album llega a los número uno de las listas y consigue ser Disco de Platino. Es en esta época cuando Jethro Tull vuelve a residir definitivamente en lnglaterra. Las canciones del álbum estaban compuestas con la idea de ser representadas en escena. En el interior dei disco aparece un comic sobre un viejo rockero llamado Ray Lomas (amigo de David Palmer). La prensa relacionó este rockero con Ian Anderson, y a pesar de no ser él, Anderson se identificó con ese personaje; que no quiere cambiar a las nuevas modas y seguir siendo un rockero. Sobre este álbum, lan produjo un ITV, programa especial para la televisión, donde el integrante de Steelye Span Maddy Prior aparece como vocalista invitado.

Luego una nueva gira, Jethro vueive a los estudios, ahora ya con David Palmer como miembro fijo de la banda para ayudar a John Evan en los teclados. En las navidades del 76 aparece un Ep con el tema Ring Out, Solstice Bells que incluye dos surcos inéditos Pan dance y March, the mad scientist, alcanzando la posición Nº 28 del Reino Unido.

En Feb/77 aparece Songs from the Wood, disco que se habia publicado a finales de añio en lnglaterra. Este trabajo representa una sorpresa para muchos, pues representa la integración más obvia de Jethro en el sonido típicamente folk. Es un regreso a las viejas raíces. Una de las muchas novedades que podemos encontrar enSongs From the Wood es la ampliación del grupo, que pasa de tener cinco miembros a seis, con la incorporación de DAVID PALMER como tecladista y arreglador orquestal de forma fija. Su labor instrumental iría encaminada a vérselas con los sintetizadores, un instrumento que JOHN EVAN jamás consiguió dominar adecuadamente. Otra de las sorpresas es la orientación musical del grupo, que se encamina hacia estilos mucho más medievales y folklóricos. Así se demuestra en todos los temas del disco, sobre todo en "The whistler", "Velvet green", "Jack-in-the-green" y "Cup of wonder", todos ellos de una calidad extraordinaria. Por otro lado, se advierte una irrupción mucho más potente de los riffs guitarrísticos orientados hacia el hard rock en muchos de los temas del disco, pero sobre todo en "Hunting girl", "Pibroch (cap in hand)" y "Fire at midnight". En marzo del 77 aparece un segundo álbum recopilatorio: Repeat, The Best of Jethro Tull, Vol. 2, con temas desde el 69 hasta el 76. En este disco se incluye un tema inédito para todo el mundo (excepto España). Se trata de Glory Row.

Jethro Tull - Live BBC 1977

Este nuevo disco resulta ser un fracaso comercial, ya que sólo llegó al Nº 94 en los Estados Unidos y no alcanzó el top 50 de Gran Bretaña. Quizás era demasiado pedir a los fans que respondiesen favorablemente ante la segunda recopilación de temas del grupo en menos de dos años. Tras la gira mundial, en Dic/77 vuelven a grabar un nuevo álbum, que aparecería en Feb/78: Heavy Horses.

El disco está dedicado a las Tierras Altas de Escocia, las montañas de Gales y a los poneys de tiro y labranza de Shetland, Fell, Dales y Cleveland. El álbum será recibido con un éxito mayor que el obtenido por su último disco de estudio. Durante la consiguiente gira, grabarán los temas en vivo que irán en un doble Lp en directo que se editaría posteriormente. En septiembre se emitió por televisión el concierto que ofrecieron en el Madison Square Garden de Nueva York, ante 20.000 personas. En Oct/78 sale a la venta Live, Bursting Out, uno de los mejores discos en vivo jamás publicados.

A comienzos de 1979, tras una gigantesca gira mundial, el grupo vuelve a los estudios para grabar Stormwatch. En este Lp, el bajista John Glascock solo pudo grabar tres temas debido a que sufrió un infarto. Será Ian Anderson el que se encargará del bajo en el resto de los temas del álbum. El disco se estrenará en otoño v cuando el grupo está de gira por EEUU., con Tony Williams como bajista, el 16/Nov les llega la noticia del fallecimiento de Glascock.

Década de Los '80

Una vez acabada la gira, a principios de 1980 la banda experimenta nuevos cambios. Para substituir al fallecido Glascock, Anderson llama a Dave Pegg, un bajista de sólida formación que tocaba en el grupo folk Fairport Convention. Además, Barriemore Barlow abandona Jethro para formar su propia banda. En Ago/80 serán David Palmer y John Evan los que causarán bajas por motivos y proyectos personales. En el grupo entrarán Mark Craney a la batería y Eddie Jobson a los teclados y el violin eléctrico.

A principios de Sep/80, Anderson pretende hacer un disco en solitario, pero poco a poco, el resto de la banda se va involucrando, hasta que se graba "A". En este álbum Anderson realiza un experimento musical muy arriesgado consistente en componer un tema por la mañana, ensayarlo por la tarde y grabarlo por !a noche. Este álbum se presentó oficialmenle al público británico el viernes 21 de noviembre del 80, en el Royal Albert Hall de Londres, ante 10.000 espectadores. Seguidamente, emprenden una gira mundial.

Una vez concluida la gira, en la primavera de 1981, Jobson y Craney abandonan el grupo y son substituidos por Gerry Conway a la batería y Peter John Vettese a los teclados. Será con estos músicos con los que se grabará el siguiente álbum, The Broadsword and the Beast, publicado en Abr/82. Aunque este disco tenía muchas canciones basadas en melodías folklóricas, sus pasajes más duros respondían a rock más pesado, recordando viejos tiempos de la banda pero con un uso del sintetizador más pronunciado que el álbumes previos de Jethro. Finalmente, el tan perseguido álbum en solitario de lan Anderson aparecería en 1983. Walk Into Light marcará un cambio en la música de lan. Parece abandonar los sonidos acústicos para centrarse en un experimento mucho más eléctrico y sintetizado. Sin duda, tiene mucho que ver la ayuda de Peter John Vettese, que colabora intensamente en la elaboración del disco.

Gerry Conway John Vettese

Sin embargo, la aventura en solitario sólo fue un simple paréntesis, y en 1984 se publicó un nuevo capítulo en la historia de Jethro: Under Wraps (alcanzando el Nº 76 en los Estados Unidos y volviéndose el álbum de menor venta del grupo). Sin duda, estamos frente al álbum más flojo de toda la carrera del grupo. El sonido sintetizado domina todas las composiciones, creando un clima que bien poco nos recuerda al verdadero Jethro Tull. Se produce un nuevo cambio en la formación: Doane Perry entra como baterista de la banda. Para paliar el déficit de discos nuevos, Chrysalis lanzó en Oct/85 otra nueva recopilación, Original Masters, una colección destacada del grupo.

Luego aparecería A Classic Case, un registro con la London Symphony Orchestra tocando música de Jethro Tull. En el verano de 1986, la banda realiza una serie de conciertos, participando exclusivamente en festivales folk y suscitando la impresión general de que se trataba de sus últimas apariciones. Pero, evidentemente, esas eran unas opiniones demasiado apresuradas. En 1987. ya sin el inefable Peter John-Vettese, la banda publica Crest Of a Knave, acogido con entusiasmo y sorpresa por parte de la crítica y del púlblico. Este disco marca una vuelta al sonido más verdadero de Jethro Tull, tras dejar de lado los experimentos sintetizados. Curiosamente, el disco fue premiado con un Grammy Award por Mejor Ejecución de Rock Duro/Heavy Metal del año. De repente eran estrellas de nuevo... Este hecho hizo hablar nuevamente a los críticos que se preguntaron primero si merecían tal distinción y luego, atacando aún más al grupo, si la votación realizada fue correcta por la Association of Recording Arts and Sciences.

Con ocasión de !a gira mundial, se publica un doble Lp conmemorativo del 20º aniversario de la banda. Se trata de 20th. Years of Jethro Tull. Contiene las mejores canciones y ejecuciones de radio del grupo. Al final de la década de los 80´s se lanza Rock Island, otro disco duro, que trepó al Nº 18 en Inglaterra y sólo al Nº 56 en EEUU, a pesar de permanecer 6 semanas de gira por dicho país de forma de apoyar este álbum.

Jethro Tull en 1984

Los Años 90

La década de los 90 la inaugura Jethro con la edición, en 1991, de Catfish Rising, un gran álbum que alcanza el Nº 28 en el Reino unido y donde comienzan a colaborar Andrew Giddings y el hijo de Dave Pegg, Mathew. En 1992, la banda realiza una gira acústica por Europa e Israel. Estamos en la fiebre de los Unplugged. Así, no es de extrañar la edición de A Little Light Music, grabación en directo en la que colabora el batería de los Fairport Convention, David Mattacks.

Durante 1993 se celebra el 25º aniversario de la formación de Jethro Tull. Para celebrarlo se pone a la venta una caja con 4 Cd's con curiosidades y temas en directo. Se trata del 25th. Anniversary Boxed Set. Consta de versiones remixadas de sus mejores canciones, muestra parte de su historia y contiene unos surcos nuevos.

También en este año se edita Nightcup. Es un doble CD de material inédito. El primero de ellos, titulado Chateau Disaster , son las sesiones de un disco que nunca llegó a existir y con partes que fueron a montarse en A Paasion Play.En cuanto al segundo CD lo forman temas de 1974 a 1991 que no llegaron a ser incluidos en ningún disco.

En 1995 se edita el disco Roots to Branches, en el cual Dave Pegg solo graba tres canciones, encargándose del bajo en el resto de los temas Steve Bailey. Posteriormente, durante la gira, entrará en el grupo el nuevo bajista, Jonathan Noyce. En ese mismo año, 1995, Anderson publica su segundo álbum como solista. Se trata del instrumental Divinities: Twelve Dances with God. En este disco, Andrew Giddings colabora estrechamente con lan Anderson, tanto en la composición como en la interpretación. Ultimamente no paran de celebrarse aniversarios, cosa, por otro lado, nada extraño en una banda tan longeva.

En 1996 se celebra el 25 aniversario de la edición de Aqualung, y, para celebrarlo, se publica una edición remasterizada del album, con un tema inédito, otras canciones y una entrevista con Anderson. Es el Aqualung: 25th. Anniversary.

Lo mismo sucederia un año después, en 1997, con el Thick as a brick. Se publica el Thick as a brick: 25th. Aniversary, edición remasterizada, con una versión en directo y una entrevista. Para finalizar esta década dedicada a los festejos y reminiscencias, Jethro Tull nos asombra con un espledido CD: J-Tull Dot.com.

El disco es de una belleza infalible: va desde los ritmos entre árabes y flamencos de "El Niño" al danzable de "The dog-ear years", con una gradación que pasa por todas las glorias e infiernos de la banda. Sin embargo, la joya del disco es el último corte, "A gift of roses", una especie de marcha juglaresca con unos riffs de guitarra de Martin Barre espléndidos. Sobre ella, el acordeón de Giddins y la voz de Anderson planean como águilas. Y para colmo, una sorpresa: justo al final se encuentra de propina una de las canciones del próximo disco en solitario de Anderson: THE SECRET LANGUAGE OF BIRDS.

Discografia

-This Was - 1968
-Stand Up - 1969
-Benefit - 1970
-Aqualung - 1971
-Thick as a Brick - 1972
-Living in the Past - 1972
-A Passion Play - 1973
-Warchild - 1974
-Minstrel in the Gallery - 1975
-Too Old to Rock & Roll : Too Young to Die ! - 1976
-Songs from the wood - 1977
-Heavy Horses - 1978
-Bursting out - Live - 1978
-Stormwatch - 1979
-A - 1980
-Broadsword and the Beast - 1982
-Under Wraps - 1984
-Crest Of a Knave - 1987
-Rock Island - 1989
-Catfish Rising - 1991
-Nightcap - 1993
-Roots to Branches - 1995
-J-tull Dot Com - 1999

Construyendo:

Deep Purple

Lobo_aullador — 2009-09-22T23:54:11+01:00

Formado en 1968, en Inglaterra, Deep Purple estuvo integrado primeramente por: Rod Evans en voz, Nick Simper en bajo, Jon Lord en teclados, Ritchie Blackmore en guitarra y Ian Paice en batería. En septiembre de ese mismo año editaron su placa debut titulada "Shades of Deep Purple", que fue muy bien recibida. Su primer gran éxito llegó de la mano de dos covers: "Hush" de Joe South y "Kentucky Woman" de Neil Diamond que le permitieron ingresar al mercado estadounidense, trepar a los cinco primeros puestos y firmar un contrato con la empresa discográfica Tetragrammaton.

En diciembre de aquel mismo año editaron su primera producción estadounidense titulada "The Book of Taliesyn", que se publicó en Inglaterra a mediados de 1969. Este disco trepó a los primeros veinte puestos de los hits en los Estados Unidos e incluía covers y temas originales compuestos por la banda que por aquel entonces tenía como líder indiscutido a Jon Lord.

El siguiente álbum titulado simplemente "Deep Purple" fue editado y producido en los Estados Unidos en junio de 1969 y fue el disco que logró, especialmente gracias al tema "Hallelujah (I am the Preader)", que el término heavy comenzara a incluirse en el léxico musical. Era la fundación de un nuevo estilo que no era rock y tampoco era pop. Los riff pesados y la percusión muy marcada dieron espacio al formato heavy.

Deep Purple 1969

Deep Purple sería, entonces, uno de los grupos "fundadores". Los músicos de la banda eran de formación clásica, hecho que se vio plasmado en la grabación de un álbum en vivo junto a la Royal Philharmonic Orchestra en el Royal Albert Hall. Este disco fue todo un suceso, y una experiencia de similares características que dio pie al año siguiente a una nueva placa en vivo titulada "Deep Purple in Concerto" grabada en el Hollywood Bowl.

Hacia fines de 1969, ingresó a la banda quien sería considerado como "la voz" del grupo y no es otro que Ian Gillan quien reemplazó a Rod Evans. La agrupación conformada en esa época por Blackmore, Lord, Paice, Gillan y Glover ingresó en la etapa de oro, tanto por sus composiciones como por el éxito y fama cosechados. De este nuevo capítulo de su historia, el mejor álbum fue "Deep Purple in Rock", el primero con esta nueva formación, editado en junio de 1970 en Inglaterra y tres meses después en los Estados Unidos. Este disco contiene muchos de los clásicos que actualmente se asocian con Deep Purple. Fue un verdadero éxito en ambas costas del Atlántico y estuvo en el top 30 de Inglaterra por más de un año.

El siguiente disco fue "Fireball", tan exitoso como el anterior y considerado el punto de inflexión de esta etapa de la banda. Contiene importantes temas como "Slow Train" y "Demons Eye". Sin embargo el mayor éxito todavía no llegaba. Considerado el álbum más grande de la historia de la banda y por muchos el mejor de toda su carrera, en 1972 se editó "Machine Head". Este disco fue número uno en Inglaterra y vendió más de dos millones de copias en los Estados Unidos. Contiene uno de los clásicos, "Smoke on the Water", tema que se instaló en el Top NÂº5 y que surgió de una particular historia. La banda había tomado la decisión de grabar "Machine Head" en vivo en el casino de Montreaux en Suiza. Pero el día anterior, al comienzo de la grabación se presentaron en el mismo lugar Frank Zappa y The Mothers of Invention. Durante el set de estos últimos estalló un incendio y entre la confusión y las corridas una norme llamarada explotó contra el techo. El casino se incendió completamente y desde el lugar donde estaban alojados los Deep Purple se podía ver "el humo sobre el agua y el fuego en el cielo" (letra de Smoke on the Water) que fue la base e inspiración para aquel tema.

Deep Purple 1972

Un año después se editó "Who Do We Think We Are!" que se transformó en el último disco de estudio de esta etapa, dado que luego la banda sufrió modificaciones y durante 12 años el Deep Purple tal como se lo conoció en este período no se volvería a reunir: en 1973 se alejaron Gillan y Glover. El primero formó su propia banda y Glover se dedicó a trabajar como productor. Fueron reemplazados por David Coverdale y Glenn Hughes respectivamente. La despedida de la etapa Gillan/Glover se vio registrada en la edición de un disco doble en vivo llamado "Made in Japan", producto de una gira realizada en ese país durante 1972.

El primer álbum de la nueva formación fue "Burn", editado en febrero de 1974, fue todo un suceso. Hacia fines de ese mismo año editaron "Stormbringer". Ritchie Blackmore tomó la decisión de alejarse del grupo y formar la famosa agrupación Rainbow. El resto de los integrantes de Deep Purple recibieron el golpe, pero para sorpresa de muchos anunciaron que el eximio guitarrista sería reemplazado. Así ingresó Tommy Bolin, el primer estadounidense en la historia de la banda. El resultado fue "Come Taste the Band" editado en noviembre de 1975. La presencia de Bolin le dio a la banda un sonido nuevo. Proveniente del jazz y del funk, el guitarrista incorporó parte de esa experiencia provocando una verdadera transformación en el estilo musical. Sin embargo no todos los integrantes estaban de acuerdo con su presencia en la banda y con la nueva propuesta. A esta situación se le sumó la adicción a las drogas del guitarrista, lo cual al cabo de unos meses provocó la disolución de Deep Purple.

A fines de 1976, la tragedia llegó a la vida del guitarrista. El 4 de diciembre de ese mismo año, durante un tour en el cual Bolin era soporte de Jeff Beck, el músico fue encontrado en un hotel de Miami junto a su novia semi inconsciente. Todos los esfuerzos de losparamédicos fueron inútiles y murió a causa de una sobredosis a los 25 años de edad. Esa noche Ritchie Blackmore, que se encontraba en Japón haciendo una gira con Rainbow, dedicó una canción en su memoria. Aunque todo parecía indicarlo, la historia no terminó aquí.

Tommy Bolin Ritchie Blackmore

A mediados de la década del '80, cuando Van Halen, Matley Crue y Iron Maiden estaban en el candelero del movimiento heavy, los Deep Purple eran considerados parte de la historia; sin embargo en abril de 1984 la noticia de que el histórico grupo, aquel de Blackmore, Paice, Lord, Gillan y Glover, volvería a reunirse fue una agradable sorpresa.

Durante aquellos años Gillan había formado su propia banda y había sido la voz de la banda de sonido de la ópera rock Jesus Christ Superstar. Posteriormente había realizado una gira junto a Black Sabbath. Blackmore, había hecho su carrera con Rainbow y Glover, trabajado como productor junto a Rory Gallagher, Judas Priest, Nazareth y había colaborado en álbumes de Rainbow y Whitesnake .

La reunión llegó, y con ella un álbum para respaldarla que se tituló "Perfect Strangers" y con él volvieron a los primeros puestos del chart estadounidense. La grabación de este disco estuvo cargada de nervios entre otras razones porque hacía mucho tiempo que no trabajaban juntos. Corría 1984 cuando el éxito volvió a visitarlos. La reunión continuó y tres años después editaron una nueva producción titulada "The House of Blue Light", que incluyó dos temas que fueron éxito de la temporada: "Bad Attitude" y "Call of the Wild". Lamentablemente en las filas de la banda no reinaba la armonía y durante la producción del álbum "Nobody's Perfect" grabado en vivo durante el verano de 1988, Gillan anunció, una vez más, su alejamiento. En 1990 grabaron "Slaves and Masters", que resultó bueno, pero no brillante.

Sin embargo los fans clamaban por el regreso de Gillan a la banda, cosa que finalmente ocurrió en 1993, momento en el que se editó nuevo material. Se llamó "The Battle Rages on..." y permitió una vez más explotar el sello inconfundible de la banda.

Los '90 estuvieron marcados por un nuevo alejamiento; esta vez se iba Ritchie Blackmore y el resto de la banda decidía reemplazarlo con Dixie Dregs. Editaron dos discos, "Purpendicular" en 1996 y en 1998 "Abandon" que tuvieron una moderada repercusión y aceptación del público. En septiembre de 1999, para algunos países, y en febrero del 2000, para otros, la banda formada por Ian Gillan en voz, Steve Morse en guitarra, Roger Glover en bajo, Jon Lord en teclados y Ian Paice en batería junto al director de orquesta Paul Mann, editó la placa "Live at the Royal Albert Hall". Un disco donde participa la Sinfónica de Londres y grandes invitados de la talla de Ronnie James Dio y muchos más. Deep Purple presentó en la Argentina su álbum "Deep Purple in concert with The London Symphony Orchestra", con dos shows los días 1 y 2 de septiembre en el Luna Park junto a la Orquesta Sinfónica de Buenos Aires y con la participación, como músico invitado en algunos temas, de Ronnie James Dio (ex Black Sabbath).

La historia de Deep Purple nunca acaba, sigue demostrándole al mundo que su música siempre renace de las cenizas. Cuando se habla de rock pesado y hay que remontarse a sus orígenes, nadie duda en mencionar a Deep Purple, que fue y será modelo de calidad musical, un grupo que a lo largo de los últimos 30 años marcaron una importante huella en el camino.

Deep Purple 2002, de derecha a izquierda: Ian Gillan, Roger Glover, Jon Lord, Steve Morse and Ian Paice

Miembros de la banda

Miembros actuales

Ian Gillan - Voz
Steve Morse - Guitarra
Roger Glover - Bajo
Don Airey - Teclado
Ian Paice - Batería

Miembros Anteriores

Rod Evans - Voz
David Coverdale - Voz
Joe Lynn Turner - Voz
Ritchie Blackmore - Guitarra
Joe Satriani - Guitarra
Tommy Bolin - Guitarra
Nick Simper - Bajo
Glenn Hughes - Bajo y Voz
Jon Lord - Teclado

Discografia

De estudio

The Book of Taliesyn - 1968 (Blackmore-Evans-Paice-Simper-Lord)
Deep Purple - 1969 (Blackmore-Evans-Paice-Simper-Lord)
In Rock - 1970 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
Fireball - 1971 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
Machine Head - 1972 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
Who Do We Think We Are? - 1973 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
Burn - 1974 (Blackmore-Coverdale-Paice-Hughes-Lord)
Stormbringer - 1974 (Blackmore-Coverdale-Paice-Hughes-Lord)
Come Taste the Band - 1975 (Bolin-Coverdale-Paice-Hughes-Lord)
Perfect Strangers - 1984 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
The House of Blue Light - 1987 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
Slaves & Masters - 1990 (Blackmore-Turner-Paice-Glover-Lord)
The Battle Rages on ... - 1993 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
Purpendicular - 1996 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Lord)
Abandon - 1998 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Lord)
Bananas - 2003 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Airey
Rapture of the Deep - 2005 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Airey)

En vivo

Gemini Suite Live'''
Scandinavian Nights (Live & Rare)
Made in Japan
Deep Purple In Concert
Space Vols 1 & 2
Live in Japan
California Jamming (Live in the California Jam)
Live in London
Made in Europe
The Final Concerts
Days May Come & Days May Go (Rehearsal Tapes)
Last Concert in Japan
This Time Around
On the Wings of a Russian Foxbat
In the Absence of Pink (Knebworth 85)
Nobody's Perfect
Come Hell or High Water
Live In Europe 1993
Live In Stuttgart 1993
Deep Purple NEC 1993 - Live In Birmingham
Live in the Olympia
Total Abandon
Live in the Royal Albert Hall
Live at the Rotterdam Ahoy
They All Came Down To Montreux. Live In Montreux 2006

Shades Of Deep Purple – 1968

01. And The Address
02. Hush
03. One More Rainy Day
04. Prelude:Happiness I’m So Glad
05. Mandrake Root
06. Help
07. Love Help Me
08. Hey Joe
09. Shadows [Album Out Take]
10. Love Help Me [Instrumental Version]
11. Help [Alternate Take]
12. Hey Joe [BBC Top Gear Session]
13. Hush [Live US TV]

The Book Of Taliesyn – 1969

01. Listen, Learn, Read On
02. Hard Road (Wring That Neck)
03. Kentucky Woman
04. Exposition/We Can Work It Out
05. Shield
06. Anthem
07. River Deep, Mountain High
08. Oh No No No
09. It’s All Over
10. Hey Bop a Re Bop
11. Hard Road (Wring That Neck)
12. Playground

Deep Purple – 1969

01. Chasing Shadows
02. Blind
03. Lalena
04. Medley
05. Why Didn’t Rosemary?
06. Bird Has Flown
07. April

Concerto For Group And Orchestra – 1969

01. Intro
02. Hush – Deep Purple
03. Wring That Neck – Deep Purple
04. Child In Time – Deep Purple
05. First Movement Moderno Allegro
06. Second Movement Andante
07. Third Movement Vivace Presto
08. Encore Third Movement Vivace Presto

Deep Purple in Rock – 1970

01. Speed King
02. Bloodsucker
03. Child in Time
04. Flight Of The Rat
05. Into the Fire
06. Living Wreck
07. Hard Lovin’ Man

Fireball – 1971

01. Fireball
02. No No No
03. Strange Kind Of Women
04. Anyone’s Daughter
05. Mule
06. Fools
07. No One Came

Machine Head – 1972

01. Highway Star
02. Maybe I’m a Leo
03. Pictures of Home
04. Never Before
05. Smoke on the Water
06. Lazy
07. Space Truckin’

In Concert - 1970/1972

CD1

1. Speed King
2. Child in Time
3. Wring That Neck
4. Mandrake Root

CD2

1. Highway Star
2. Strange Kind of Woman
3. Maybe I’m a Leo
4. Never Before
5. Lazy
6. Space Truckin’
7. Smoke on the Water
8. Lucille

Made in Japan – 1972

01. Highway Star
02. Child in Time
03. Smoke on the Water
04. Mule [Drum Solo]
05. Strange Kind of Woman
06. Lazy
07. Space Truckin’

Who Do We Think We Are – 1973

01. Woman From Tokyo
02. Mary Long
03. Super Trouper
04. Smooth Dancer
05. Rat Bat Blue
06. Place in Line
07. Our Lady

Burn – 1974

01. Burn
02. Might Just Take Your Life
03. Lay Down, Stay Down
04. Sail Away
05. You Fool No One
06. What’s Goin’ On Here
07. Mistreated
08. “A” 200

Jimmy Hendrix

Lobo_aullador — 2009-09-12T22:04:12+01:00

James Marshall Hendrix (Seattle, Washington, 27 de noviembre de 1942 – Londres, 18 de septiembre de 1970) fue un guitarrista, cantante y compositor estadounidense. Es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia de la música, además de ser uno de los mayores innovadores en el ámbito de la guitarra eléctrica: durante su carrera artística, tan breve como intensa, fue el precursor de muchas estructuras y del sonido de aquellas que serían las futuras evoluciones del rock (como por ejemplo el hard rock), creando una fusión inédita de blues, rhythm and blues, rock and roll y funk.

Su exhibición durante el cierre del festival de Woodstock en 1969 se transformó en un verdadero y propio símbolo: la imagen del guitarrista que con una irónica y desafiante visión del arte, toca el himno nacional estadounidense con una distorsión visiblemente provocada, y sin embargo brillante. Ésta entró prepotentemente en el imaginario colectivo musical como uno de los puntos de inflexión en la historia del rock.

Hendrix fue introducido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992.

En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos. y en 2004 lo consagro #6 en su lista de los mejores artistas de toda la historia.

Nacido en el King County Hospital de Seattle en el estado de Washington, Estados Unidos, de madre de orígenes nativo americana y padre afroamericano, con el nombre de Johny Allen Hendrix. Le cambiaron el nombre por el de James Marshall Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre Leon Marshall Hendrix.

El pequeño Jimi pasó sus primeros años en un barrio muy humilde y tuvo una infancia marcada por el divorcio de sus padres avenido cuando éste tenía apenas 9 años; como consecuencia, fue otorgado en tutela a su abuela paterna Nora Rose Moore, en ese entonces la única persona en grado de garantizarle un mínimo de estabilidad.

Obtuvo su primera guitarra acústica a los 14 años por cinco dólares a un conocido de su padre, reemplazando el ukelele de una sola cuerda que su padre había encontrado limpiando un garaje. Aprendió practicando constantemente, mirando cómo tocaban otros músicos más experimentados y escuchando discos. En 1958, el año en que muere su madre, su padre le compró su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark blanca, aunque sin amplificador, con la que tocó en varias bandas locales. Ese mismo año su única calificación baja en la escuela fue una F en clase de música. Poco interesado en la escuela, que dejaría antes de graduarse, Jimi comenzó a dedicarse tempestivamente a la música: sus puntos de referencia fueron guitarristas de la escena del blues de Chicago como Elmore James, Muddy Waters o Albert King, por no hablar de leyendas del más sobresaliente delta blues, como Robert Johnson y Leadbelly, y del rock and roll como Chuck Berry.

En los inicios de la década del 60, a causa de algunos problemas con la ley, se vio obligado a elegir entre un periodo de reclusión o el alistamiento militar; elegida la segunda opción, Jimi viene alistado el 31 de mayo de 1961 en la 101st Airborne Division y enviado a Fort Campbell, en Kentucky, después de un breve adiestramiento. Su aventura en los rangos militares duró muy poco; frustrado por la rigidez del ambiente e intencionado a dedicarse a la música, Jimi decide poner punto final a su periodo bajo las armas, visitando varias veces al psicólogo del ejército declarando ser homosexual. Tomando en cuenta algunas entrevistas dejadas por Hendrix a propósito, en cambio, parece que con el fin de obtener la baja adujo problemas en la espalda producto de un salto en paracaídas.

Hendrix era musicalmente empírico, esto significa que no tenia estudios clásicos serios sobre teoría musical. Sin embargo, esto no fue impedimento para lograr generar una musicalidad muy alegórica llena de expresiones orgánicas; él pretendía lograr sonidos naturales y crear secuencias más allá de lo que parecía dar la guitarra eléctrica en aquella época gloriosa de auge y expansión del género, fue un usuario innovador de técnicas auditivas ejemplificando el poderío del feedback y el trémolo, logrando “riffs” hipnóticos llenos de poder y fuerza, “la guitarra parecía parte de su cuerpo” dice la mayoría que lo admira, sin duda puede sepultarse su imagen en la misma rotonda de los virtuosos, ya que mostró un genio incomparable para lograr elevar a la guitarra como un instrumento ácido, fuerte y pintor de muchas sensaciones anímicas, táctiles y auditivas.

Su primera oportunidad de saborear el éxito llegó en 1964, cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la banda de los Isley Brothers para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin’ Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, single que poco después se convertiría en un éxito radiófonico.

Isley Brothers y Jimmy Hendrix

Entre 1964 y 1965 comenzó para Hendrix una interminable serie de idas y vueltas desde una banda a la otra: en Nashville dejó a los Isley Brothers para sumarse como guitarrista al grupo de Gorgeous George Odell; llegado a Atlanta formó parte de los Upsetters, entonces grupo soporte de Little Richard donde también militaba el célebre baterista Earl Palmer quien se anticipó al estilo funk. No obstante Little Richard fuese por aquellos tiempos uno de los ídolos de Jimi, ambos entraron en diferentes conflictos durante el tour por las razones más disparatadas; la mayoría se debía a la escasa tolerancia del cantante hacia la teatralidad escénica de Hendrix. Por un breve periodo, Hendrix se separó del grupo de soporte de Richard para seguir en tour a Ike y Tina Turner: pero poco alcanzó, alimentada de las usuales acaloradas actuaciones del guitarrista, para inducir a los dos artistas a reenviarlo a su anterior grupo. De todos modos, la aventura con la banda a la espalda de Little Richard concluiría a los pocos meses, cuando Hendrix fue despedido por haber perdido el tour bus a Washington D. C..

En 1965 Hendrix se unió a la banda neoyorquina Curtis Knight and the Squires, después de haber conocido a Knight en el hall de un hotel -clase media- en el cuál ambos habían encontrado hospedaje. Siguió un tour de dos meses con Joey Dee and the Starliters antes de regresar nuevamente con los Squires en Nueva York. Finalmente el 15 de octubre de 1965 Jimi obtiene un contrato discográfico de tres años de duración con Ed Chaplin, un empresario al que se comprometió a darle 1 dólar y el 1% de royalty sobre las grabaciones con Curtis Knight. No obstante 13 años más tarde la colaboración con Chaplin fue concluida, el contrato fue apelado con éxito por parte del empresario causando no pocos problemas a Hendrix hasta su resolución. Durante una breve estadía en Vancouver, parece ser que Hendrix tocó con Bobby Taylor & the Vancouvers, bajo contrato con Motown y con Taylor y Tommy Chong (de los Cheech and Chong fame). Chong, de todos modos, afirma que tal episodio nunca existió y sostiene que el hecho viene atribuido a la tendencia de Taylor a agrandar las cosas.

No obstante la inestabilidad del periodo, todas las errabundas experiencias que le vieron protagonista le sirvieron de aprendizaje, permitiéndole enriquecer ulteriormente su considerable bagaje guitarrístico.

En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluidos diversos conocidos suyos reclutados en el Manny’s Music Shop; entre ellos un intrépido californiano de 15 años llamado Randy Wolfe. Habiendo dos Randy en el grupo, Hendrix resolvió la cuestión rebautizando Wolfe Randy California a uno y al otro Randy Texas. Randy California se seria convertido más tarde en co-fundador de Spirit junto a Ed Cassidy.

Durante esas épocas comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento.

Hendrix y su nuevo grupo llamaron fácilmente la atención de una Nueva York todavía distante de los sonidos y humores de la revolución cultural y musical que estaba por explotar sobre la costa opuesta del país. Fue durante las exhibiciones en el Cafe Wha? ubicado sobre la MacDougal Street en el Greenwich Village, que Hendrix conoció a la cantante y guitarrista Ellen McIlwaine y al guitarrista Jeff “Skunk” Baxter. Fundamental, en el mismo periodo, fue el conocimiento de Frank Zappa; la leyenda quiso que fuera justamente Zappa a instruir a Hendrix sobre las prospectivas que ofrecía un efecto para guitarra de un nuevo producto destinado a ser famoso: el wah-wah. El 18 de septiembre de 1970, en Londres (Inglaterra), James Marshall Hendrix falleció bajo circunstancias que aún no han podido ser completamente explicadas. Esa noche estuvo hasta tarde en una fiesta y su novia, Monika Dannemann, fue a recogerle y le dejó en su apartamento en el Hotel Samarkand. Las estimaciones médicas dicen que murió al poco tiempo. La causa de la muerte fue por asfixia causada por su própio vómito, al haber mezclado pastillas para dormir con alcohol. Monika Dannemann asegura en el testimonio original que Hendrix cogió nueve pastillas que le recetaba su médico para dormir, y los médicos atestiguan que el vómito fue provocado por la ingesta excesiva de alcohol. Dannemann acusó incluso que Jimi Hendrix aún estaba vivo cuando le subieron a la ambulancia, y que fue la negligencia médica causada en la ambulancia la que provocó que se ahogase con su propio vómito. No obstante, los agentes de policía y servicios sanitarios que lo encontraron en el apartamento, declararon que encontraron el cuerpo de Hendrix sin vida, e incluso que llevaba varias horas fallecido.

Actualmente se tiene una nueva teoría sobre la muerte de Jimi Hendrix, proporcionada por uno de los asistentes (roadies) del músico llamado James Wright , el cual redacta en su libro Rock Roadie (2009) que el deceso del guitarrista se debió a que su representante, Michael Jeffery, lo asesinó haciéndole tomar pastillas y vino, ya que el guitarrista iba a despedirlo. Ya muerto el músico, Michael Jeffery podría cobrar el seguro de vida del artista, seguro cuyo beneficiario sería el mismo mánager. James Wright explica que todo lo que sabe se lo confesó Michael en una noche de copas, poco antes de que morir en un accidente aéreo.

Jimi Hendrix muere a los 27 años (edad a la que fallecieron también: Jim Morrison, Robert Johnson, Janis Joplin, Kurt Cobain y Brian Jones).

En 2000, se inauguró en Seattle el Experience Music Project (EMP), diseñado por el arquitecto estadounidense Frank Gehry, un museo construido en honor de Jimi Hendrix y de otros grupos estadounidenses de rock de la costa noroeste del Pacífico. El edificio contiene, además de un archivo histórico, varias salas de exposiciones, un laboratorio de música rock, una tienda y un restaurante en el que se celebran actuaciones en directo.

DISCOGRAFÍA OFICIAL

Antes de morir:

“Are you experienced?” (1967)
“Axis: Bold as love” (1967)
“Smash hits” (1968)
“Electric ladyland” (1969)
“Band of gypsys” (1970)

Después de su muerte:

“The cry of love” (1971) tenía que ser el siguiente disco, que fue rescatado por Eddie Kramer. En cuanto a grabaciones encontradas o no editadas en vida hay para perderse, aquí van solo algunas de las más recomendables:

“Woodstock” (1970)
“Monterrey international pop festival” (1970)
“Isle of Wight” (1971)
“Hendrix in the west” (1972)
“Loose ends” (1974)
“Midnight lightning” (1975)
“Rare tracks” (1976)
“The essential Jimi Hendrix” (1978)
“Nine to the universe” (1980)
“The Jimi Hendrix concerts” (1982)
“Kiss the sky” (1984)“Band of Gypsys 2” (1986)
“Live & unreleased (5 box set)” (1989)
“The ultimate experience” (1993)
“Jimi Hendrix: Blues” (1994)
“South Saturn delta” (1997)
“The Jimi Hendrix BBC recording sessions” (1998)

Are You Experienced – 1967

01. Purple Haze
02. Manic Depression
03. Hey Joe
04. Love Or Confusion
05. May This Be Love
06. I Don’t Live Today
07. The Wind Cries Mary
08. Fire
09. Third Stone From The Sun
10. Foxey Lady
11. Are You Experienced?
12. Stone Free
13. 51st Aniversary
14. Highway Chile
15. Can You See Me
16. Remember
17. Red House

Axis- Bold As Love – 1968

01. EXP
02. Up From The Skies
03. Spanish Castle Magic
04. Wait Until Tomorrow
05. Ain’t No Telling
06. Little Wing
07. If 6 Was 9
08. You Got Me Floatin’
09. Castles Made Of Sand
10. She’s So Fine
11. One Rainy Wish
12. Little Miss Lover
13. Bold As Love

Electric Ladyland – 1968

01. … And The Gods Made Love
02. Have You Ever Been (To Electric Ladyland)
03. Crosstown Traffic
04. Voodoo Chile
05. Little Miss Strange
06. Long Hot Summer Night
07. Come On (Let The Good Times Roll)
08. Gypsy Eyes
09. Burning Of The Midnight Lamp
10. Rainy Day, Dream Away
11. 1983 … (A Merman I Should Turn To Be)
12. Moon, Turn The Tides … Gently Gently Away
13. Still Raining, Still Dreaming
14. House Burning Down
15. All Along The Watchtower
16. Voodoo Child (Slight Return)

Live At The Royal Albert Hall – 1969

01. Sunshine Of Your Love
02. Bleeding Heart
03. Fire
04. Little Wing
05. Voodoo Chile (Slight Return)
06. Room Full Of Mirrors
07. Purple Haze
08. Wild Thing
09. Smashing Of The Amps

Live at Woodstock – 1969

01.Message to Love
02.Hear my train a’coming
03.Spanish Castle Magic
04.Red House
05.Call me Mastermind
06.Lover Man
07.Foxy Lady
08.Jam Back at the House
09.Izabella
10.Gypsy Woman
11.Fire
12.Voodoo Child
13.Star Spangled Banner
14.Purple Haze
15.Woodstock Flamenco Improvisation
16.Villanova Junction Blues (Gorgeous beyond belief)
17.Hey Joe

Smash Hits – 1969

01. Purple Haze
02. Fire
03. The Wind Cries Mary
04. Can You See Me
05. Hey Joe
06. All Along the Watchtower
07. Stone Free
08. Crosstown Traffic
09. Manic Depression
10. Remember
11. Red House
12. Foxey Lady

Band Of Gypsys – 1970

01. Who Knows
02. Machine Gun
03. Changes
04. Power To Love
05. Message of Love
06. We Gotta Live Together

The Cry Of Love -1971

01. Freedom
02. Drifting
03. Ezy Ryder
04. Night Bird Flying
05. My Friend
06. Straight Ahead
07. Astro Man
08. Angel
09. In from the Storm
10. Belly Button Window

The Rainbow Bridge Concert
The Early Show – 1971

01. Disque 1
02. Lover Man
03. Hey Baby
04. In From The Storm
05. Message To Love
06. Foxy Lady
07. Hear My Train A Comin
08. Voodoo Chile (Slight Return)
09. Fire
10. Purple Haze
11. Disque 2
12. Dolly Dagger
13. Instrumental
14. Eze Ryder
15. Red House
16. Freedom
17. Jam Back At The House
18. Land Of The New Rising Sun

War Heroes – 1973

01. Bleeding Heart
02. Highway Chile
03. Tax Free
04. Peter Gun Catastrophe
05. Stepping Stone
06. Midnight
07. 3 Little Bears
08. Beginning
09. Izabella

Midnight Lightning Revisited – 1975

01. Trash Man
02. Midnight Lightning
03. Hear My Train
04. Gypsy Boy
05. Blue Suede Shoes
06. Machine Gun
07. Once I Had a Woman
08. Beginnings

Crash Landing – 1975

01. Message to Love
02. Over the Rainbow
03. Crash Landing
04. Come Down Hard on Me
05. Peace in Mississippi
06. With the Power
07. Stone Free Again
08. Captain Coconut

Live At Winterland – 1986

01. Prologue
02. Fire
03. Manic Depression
04. Sunshine of Your Love
05. Spanish Castle Magic
06. Red House
07. Killing Floor
08. Tax Free
09. Foxey Lady
10. Hey Joe
11. Purple Haze
12. Wild Thing
13. Epilogue

The Doors

Lobo_aullador — 2009-08-29T23:11:35+01:00

The Doors fue un grupo de Rock, formado en Los Ángeles (California, Estados Unidos) en julio de 1965 y disuelto en 1973, que junto con bandas como Jefferson Airplane y Grateful Dead, se convirtió en los máximos exponentes de la psicodelia de los años 60.

Miembros

Jim Morrison — voz
Ray Manzarek — teclados, coros, bajo
Robby Krieger — guitarra, armónica
John Densmore — batería, percusión

Orígenes: 1965–1966

En 1964, en la playa de Venice, Jim Morrison encontró a un viejo compañero de la Universidad de UCLA, Ray Manzarek, cuatro años mayor que él. Ahí mismo comenzaron una casual conversación, y Morrison le dio a leer a Manzarek la letra de Moonlight Drive, un poema que Jim acababa de escribir, entonces Ray le pidió a Jim que le cantara el tema, con el cual Manzarek quedó fascinado, y decidió unirse a su banda.

Ray Manzarek ya estaba en una banda, llamada Rick And The Ravens con su hermano Rick, mientras que Robby Krieger y John Densmore tocaban en The Psychedelic Rangers y conocían a Manzarek de unas clases de meditación. En agosto, Densmore se unió al grupo y con algunos miembros de los Ravens y un bajista no identificado, grabaron el 2 de septiembre una demo de 5 temas. Esta demo fue parcialmente pirateada, y esa fue la única manera de conseguirla hasta su aparición en el Box Set de The Doors, publicado en 1997.

Ese mismo mes, el grupo reclutó al talentoso Robby Krieger y la alineación final —Morrison, Manzarek, Krieger y Densmore— estaba completa. La banda tomó su nombre de un verso del poeta William Blake: "If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite." (Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito), que también daba título al libro de Aldous Huxley, The Doors of Perception.

Morrison Manzarek Krieger Densmore

The Doors se diferenciaba de muchos grupos de rock de la época, porque no usaban un bajo en concierto. En vez de esto, Manzarek tocaba las melodías del bajo con la mano izquierda en su novedoso bajo Fender Rhodes, una nueva versión del ya conocido piano Fender Rhodes, y las melodías del órgano con la mano derecha. Sin embargo, el grupo usó algunos bajistas en sus grabaciones de estudio, entre ellos Jerry Scheff, quien tocó luego en más de 1,100 conciertos para Elvis Presley (de 1969 hasta su muerte en 1977), así como Doug Lubahn, Harvey Brooks, Kerry Magness, Lonnie Mack y Ray Neapolitan.

Muchas de las canciones originales se hicieron en conjunto. Morrison aportaba las letras y parte de la melodía, y el resto contribuía con el ritmo y el sentimiento de la canción. Mientras Morrison y Manzarek caminaban por la playa en California, vieron pasar a una mujer negra, y Morrison escribió la letra de "Hello, I Love You" esa misma noche, refiriéndose a ella como la "joya oscura" (dusky jewel). Algunos criticaron la canción por su parecido con el hit de The Kinks "All Day and All of the Night" (1965), y el vocalista de este grupo, Ray Davies demandó a The Doors.

Para 1966, el grupo tocaba en el club The London Fog, y ese mismo año se cambió al prestigioso Whisky a Go Go. El 10 de agosto el presidente de Elektra Records, Jac Holzman, los vio debido a la insistencia del vocalista de Love, Arthur Lee, cuyo grupo también estaba en Elektra. El 18 de agosto, después de que Holzman, y el productor Paul A. Rothchild vieran dos actuaciones de la banda en el Whisky A Go Go, la primera algo irregular, pero la siguiente simplemente hipnotizante, The Doors firmó con Elektra. Así empezó lo que sería una significativa relación entre la banda, Rothchild y el ingeniero Bruce Botnick. El 21 de agosto del mismo año, el club despidió a la banda por un incidente en una presentación de "The End", que vendría a anunciar toda la controversia que seguiría al grupo en sus años de historia. Morrison, gritó, en la parte "edípica" de la canción, "Father? Yes son?, I want to kill you", "Mother? I want to fuck you".

1966–67: The Doors

El LP homónimo de The Doors, lanzado en enero de 1967, causó sensación en los círculos musicales. En este disco aparecían muchas de las grandes canciones de su repertorio, incluyendo el drama musical, "The End". La banda, habiendo tocado las canciones durante los dos años anteriores y teniendo sistematizada las mismas, grabó el álbum en un par de días, a finales de agosto y principios de septiembre de 1966, casi enteramente en vivo en el estudio y muchas canciones en una sola toma. Morrison y Manzarek también dirigieron una innovadora forma de promocionar su primer single, "Break On Through", filmando un video promocional, un significativo avance en el género de los vídeos musicales.

Su segundo single, "Light My Fire", puso al grupo junto con Jefferson Airplane y The Grateful Dead entre los mejores nuevos grupos estadounidenses de 1967. La versión sin el largo solo de teclado y guitarra se lanzó en abril, pero no alcanzó la cima sino hasta julio.

En mayo de 1967, el grupo hizo su debut nacional grabando una brillante versión de "The End" para la CBC en los Yorkville Studios, en Toronto (Yorkville era la versión canadiense del Haight-Ashbury). Esta versión permaneció inédita hasta la salida del DVD "The Doors Soundstage Performances" a principios de los años 2000.

Rápidamente la banda ganó reputación con un estimulante, revoltoso y entretenido acto. Con su buena pinta, presencia magnética y sus pantalones de cuero, Jim Morrison se volvió un ídolo rock y un "sex symbol", aunque se veía limitado con las restricciones morales del estrellato. Antes de su presentación en el "Show de Ed Sullivan" los censores de la CBS exigieron a Morrison que cambiara la letra de Light My Fire, en la línea "Girl, we couldn't get much higher" (Nena, no podríamos habernos elevado más), por la posible referencia a las drogas, 15 minutos antes de que la banda se presentara el 17 de septiembre de 1967. Morrison les preguntó qué es lo que debería decir en vez de "higher", y de respuesta recibió que él era el poeta y algo se le tenía que ocurrir. Robby Krieger presa del nerviosismo preguntó a Morrison de qué forma cambiaría la letra y Jim decidió no hacer cambio alguno. Morrison cantó la línea original y se presentó en la televisión en vivo, con una CBS sin capacidad de pararlo. Ed Sullivan, furioso, se negó a estrecharle las manos a los miembros de la banda, y nunca más fueron invitados. Al escuchar que no volvería, Morrison respondió, "We just did the Ed Sullivan Show" (Simplemente hicimos el Show de Ed Sullivan)- para la época, una aparición de ese estilo generaba toda una gama de sucesos. Morrison insistió que el nerviosismo causó que olvidara cambiar la línea como excusa. También presentaron un nuevo single, "People Are Strange", el cual repitieron para el Show del DJ "Murray The K" el 22 de septiembre.

Morrison fomentó su fama de rebelde cuando, el 10 de diciembre fue arrestado en New Haven, por hablar mal sobre la policía al público. Morrison dijo que un celoso oficial le había lanzado gas lacrimógeno al sorprenderlo con una chica en los bastidores. El grupo terminó un exitoso año. El 24 de diciembre la banda grabó "Light My Fire" y "Moonlight Drive" en vivo para el Show de Jonathan Winters. Del 26 al 28 de diciembre, el grupo tocó en The Winterland San Francisco. Tocaron sus dos últimas fechas del año en Denver, el 30 y 31 de diciembre, coronando un año de giras casi constantes.

1967: Strange Days

Strange Days fue el segundo LP de The Doors, lanzado en septiembre de 1967. Recibió un disco de oro y llegó al #3 del Billboard. Sin embargo Paul Rothchild, el productor, lo consideró un fracaso comercial, por más que hubiese significado un triunfo artístico:Todos pensamos que era el mejor álbum. Significativamente, también fue el que tuvo las ventas más débiles. Confiábamos en que iba a ser más grande que cualquier cosa que The Beatles habían hecho. Pero no había single. El disco se nos murió.

"Strange Days" consiste parcialmente de canciones que no se incluyeron en el trabajo debut. Este álbum impone un sentimiento extraño y bizarro, conteniendo algunas de las canciones más psicodélicas de The Doors. Incluye canciones como "Strange Days", "People Are Strange", "Love Me Two Times" y "When the Music's Over", siendo ésta un poema épico comparable a la famosa "The End".

El álbum también incluye "Moonlight Drive", que fue una de las primeras canciones escritas por Jim Morrison para The Doors. Había sido grabada en 1965 (demo) y en 1966 (con la intención de incluirla en el primer álbum). En 1967 la versión final fue grabada y lanzada en "Strange Days".

El álbum fue #3 en Estados Unidos en 1967 y es el número #407 en los Mejores 500 Albums de Todos los Tiempos de la Rolling Stone. "People Are Strange" llegó al #12 en el chart de los Estados Unidos y "Love Me Two Times" la siguió, consiguiendo un respetable #25, probando la consistencia de The Doors luego del suceso de su álbum debut.

1968: Waiting for the Sun

Las sesiones de grabación para el tercer álbum que tuvieron lugar en abril fueron muy tensas como consecuencia de la creciente dependencia del alcohol por parte de Morrison. Acercándose al clímax de su popularidad, The Doors tocó en una serie de eventos a la intemperie, lo que condujo a frenéticos enfrentamientos entre los fans y la policía, particularmente en el Chicago Coliseum el 10 de mayo.

La banda empezó a variar su material a partir de su tercer LP, Waiting for the Sun, cansados de su repertorio original, y empezaron a escribir material nuevo. Se volvió su primer LP #1, y el single "Hello, I Love You" fue su segundo y último single #1 en los Estados Unidos.También incluye la canción "The Unknown Soldier", del cual dirigieron otro videoclip, y "Not to Touch the Earth", extraído de su legendaria pieza conceptual, Celebration of the Lizard, aunque fueron incapaces de grabar una versión satisfactoria de la pieza entera para el LP. Fue puesta a la venta años más tarde en una compilación de Grandes Éxitos, y en su disco Absolutely Live.

Después de un mes de escandalosas actuaciones en el Singer Bowl en New York, realizaron su primera gira fuera de Estados Unidos, una minigira por Europa. La banda celebró una conferencia de prensa en el Institute of Contemporary Arts en Londres y tocó en el Teatro The Roundhouse. Los resultados del viaje fueron televisados en la cadena británica Granada Television, en un show llamado The Doors Are Open y luego sacado en video a la venta. La banda toco algunos conciertos mas en Europa, incluyendo un show en Ámsterdam sin Jim Morrison, después de que tuviera un colapso por el uso de drogas. Morrison volvió a Londres el 20 de septiembre y se quedó allí por un mes.

El grupo tocó nueve conciertos más en Estados Unidos, y se puso a trabajar en su cuarto LP. 1969 será un año difícil para The Doors, pero empieza con un show a estadio lleno en el Madison Square Garden en Nueva York el 24 de enero y un exitoso single, "Touch Me" (lanzado en diciembre de 1968), que alcanzó el nº 3 en los Estados Unidos.

Ese mes Morrison asistió a una producción de teatro que cambió el rumbo de su vida, y la del grupo. En el Bovard Auditorium The Living Theatre de la University of Southern California, se toma el escenario con un show que invitó a la gente a dejar a un lado sus inhibiciones y abrirse paso a al la libertad. Esto atrajo la búsqueda de libertad de Morrison, resultando en una sesión improvisada la tarde siguiente, el 25 de febrero, la legendaria sesión "Rock is Dead", a la venta en el Box set de 1997, dando paso a uno de los episodios más controvertidos de la vida de Morrison.

El incidente ocurrió el 1 de marzo de 1969, en el Dinner Key Auditorium en Miami, Florida. El auditorio de 6.900 asientos había sido sobrevendido hasta doblar la capacidad del salón, y los fans estaban sofocados y sin aire acondicionado. Desde el momento en que la banda caminó por el escenario, Morrison empezó a gritar al micrófono:

Ahora escuchadme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse." Estoy hablando de pasarlo bien, Estoy hablando de pasarlo bien este verano. Todos, venid a L.A., salid de aquí, vamos a acostarnos en la arena y a enterrar nuestros dedos en el océano, y vamos a pasarlo bien. ¿Estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos?

¡Ahora escuchadme! Yo solía pensar que todo esto era una gran broma. Solía pensar que era algo para reirse. Entonces estas últimas noches conocí a algunas personas que estaban haciendo algo ¡Estaban tratando de cambiar el mundo! ¡Yo quiero unirme a ese viaje! Quiero cambiar el mundo. Cambiarlo. Siiiiií... cambiarlo.

Después de unos minutos Morrison cambió el tono:

Ahora escuchadme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse. ¡Estoy hablando de divertirse! ¡Estoy hablando de bailar! ¡Quiero ver a todos de pie y bailando! ¡Quiero veros bailando en la calle este verano! Quiero veros divertiendoos. Quiero veros correr por ahí. Quiero veros pintando la ciudad. Quiero veros haciendo ruido. Quiero veros gritar. Quiero ver diversión. ¡¡¡Quiero ver vuestra diversión !!!.

La grabación se acerca su final con las siguientes palabras:

¡CUALQUIER COSA QUE QUERÁIS HACER! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO!

El incidente queda inconcluso. Morrison dijo: "Gasté mucho tiempo en el juicio de Miami. Casi un año y medio. Pero supongo que fue una valiosa experiencia porque antes del juicio tenía una mirada infantil y poco realista acerca del sistema judicial Americano. Mis ojos se han abierto un poco."

Aunque el incidente de Miami dañó la reputación de la banda, Morrison quedó algo tranquilizado con sus resultados. Luego dijo: "Pienso que fue sólo alimentar la imagen que se estaba creando alrededor mío.. y a eso le puse fin en una gloriosa tarde".

1969: The Soft Parade

Su cuarto álbum, The Soft Parade, estrenado en Julio, distanció aún más al grupo del "undergound", con canciones extremadamente pop, y con arreglos en el bronce muy al estilo de Las Vegas (en el single "Touch Me" participó el saxofonista Curtis Amy). Los excesos con el alcohol de Morrison lo hacían por aquel entonces una persona muy difícil y muy informal en el estudio, y las sesiones de grabación se estiraban por semanas, cuando antiguamente duraban un par de días. Los costos del estudio se empezaron a acumular, y el grupo estuvo a punto de desintegrarse.

Los detractores de este álbum ven en él a una banda esforzándose por mantenerse en la ola y tratando de expandir su sonido con instrumentos de bronce y cuerdas, resultando en un sonido débil y sobreproducido.

En su defensa, The Soft Parade fue un exitoso experimento en "quasi-prog-pop", a pesar del errado comportamiento de Morrison y las numerosas dificultades técnicas. Las canciones orientadas más hacia lo comercial, como "Touch Me" o "Tell All The People", resultaron todo un éxito; y pistas como "Wild Child" o "Shaman's Blues" son reveladoras e imaginativas como siempre, con excelentes guitarras y líricas.

Durante la grabación de su siguiente álbum, en noviembre de 1969, Morrison se vio en problemas con la ley nuevamente, después de quedar ebrio y comportarse agresivamente con el personal de una aerolínea mientras viajaban a Phoenix para ver a The Rolling Stones en concierto. Fue absuelto en abril, después de que un auxiliar de vuelo identificara erróneamente a Morrison como su compañero de viaje, el actor norteamericano Tom Baker.

1970: Morrison Hotel

El grupo remontó fuertemente de nuevo con su LP Morrison Hotel. Este se distingue por un sonido consistente y pesado, el álbum abre con el memorable "Roadhouse Blues", caracterizando el alto espíritu de seguridad del álbum entero. También tiene temas como "Indian Summer" muy tranquilos y suaves que nos recuerda al famoso "The End" de su primer álbum y piezas tan destacadas como "Peace Frog" que The Doors nos muestran que todavía saben sonar duro en el rock clásico de los 60. Morrison Hotel tenía un optimismo que la banda nunca había visto, presentando un par de canciones de celebración y algunas baladas de amor. Alcanzó el nº 4 en los Estados Unidos.

Aunque Morrison enfrentaba procesos en Miami en agosto, el grupo se las arregló para ir al Festival de la Isla de Wight el 29 de agosto de 1970. En el festival, la banda tocó al lado de artistas legendarios, como Jethro Tull, Jimi Hendrix, The Who, Joni Mitchell, Miles Davis y Sly & The Family Stone. Dos canciones del show fueron presentadas en el documental de 1995 Message to Love.

El 16 de septiembre, Morrison fue a los tribunales, y el jurado lo declaró culpable por obscenidades y escándalo público el 20 de septiembre. Fue sentenciado a ocho meses de custodia, pero obtuvo la libertad mediante una apelación.

El 8 de diciembre de 1970, en su vigésimo séptimo cumpleaños, Morrison grabó una sesión de poesía, que se editaría más tarde como el disco An American Prayer.

1971: L.A. Woman

Durante la última actuación pública de the Doors, en el "Warehouse" en Nueva Orleans, Louisiana, el 12 de diciembre de 1970, Jim Morrison tuvo una aparente crisis nerviosa, tirando el micrófono al piso repetidas veces. No obstante, el grupo volvió a tener un último gran éxito con el magnífico L.A. Woman en 1971. La idea de este álbum era volver a las raíces del Blues y el R&B, aunque durante los ensayos el grupo tuvo serios percances con Rothchild, que denominando al nuevo repertorio "música de cóctel" renunció a la producción del álbum y dejo el control a Bruce Botnick. El resultado fue considerado un verdadero clásico, presentando uno de los materiales más fuertes desde su debut en 1967. Otros sin embargo consideran que cerca de la mitad del álbum es un blues apagado, sin brillo, que le resta calidad al resultado final. Tal vez por esto, la canción "Changeling" es considerada la más subestimada de la banda. "Riders On The Storm", se convirtió en una pieza clave de la programación de cualquier radio de rock durante décadas.

Grabacion de L.A

La muerte de Morrison y sus secuelas: 1971–1989

En 1971, después de la grabación de L.A. Woman, Morrison decidió tomarse un tiempo libre y se mudó a París con su novia, Pamela Courson, en marzo. Lo había visitado el verano pasado y, por un tiempo, pareció contento con escribir y explorar la ciudad. Pero luego volvió al alcohol y cayó de un segundo piso en mayo. El 16 de junio grabó sus últimas grabaciones conocidas, cuando conoció a dos músicos callejeros y los invitó a un estudio. Los resultados fueron estrenados en 1994 en el LP pirata, The Lost Paris Tapes.

La tumba de Jim Morrison en el cementerio Père-Lachaise (París), lugar de peregrinación para fans de todo el mundoMorrison falleció en confusas circunstancias el 3 de julio; su cuerpo fue encontrado en la bañera. La conclusión fue que murió por un ataque al corazón, aunque se reveló que no se le había hecho la autopsia antes de ser enterrado en el Cementerio Père-Lachaise el 7 de julio. Una versión bastante difundida menciona que el deceso de Morrison se produjo por sobredosis en un bar Parisino llamado "Rock n' Roll circus", más precisamente en los baños del lugar donde el vocalista habría fallecido después de encerrarse para ingerir cocaína, siendo su cuerpo trasladado por conocidos a la bañera de su casa. Supuestamente se le habría intentado reanimar allí con agua fría sin éxito. El forense, en su informe oficial, describió el cadáver del cantante como el de "alguien de más de 50 años y 1.90 m. de altura" (Jim en realidad tenía 27 años y su talla oscilaba entre 1.75 m. y 1.78 m., sin sus botas tejanas puestas), lo que nos brinda clara muestra de una negligencia médica que, probablemente, incrementó el mito que rodea la muerte de Morrison. Pamela Courson mantuvo el cuerpo de Morrison durante más de 4 días en el apartamento que compartían, depositando hielo alrededor del mismo para detener parcialmente el proceso de descomposición.

Durante los años siguientes a su muerte, persistían algunos rumores de que Morrison había fingido su muerte para escapar del estrellato, o que había muerto una noche en un bar, y su cuerpo fue llevado furtivamente a su apartamento. Sin embargo, el antiguo socio de Morrison, Danny Sugerman, en su libro Wonderland Avenue, asegura que en su último encuentro con Courson, que tuvo lugar poco antes que su muerte por sobredosis, ella le confesó que introdujo a Morrison la droga, porque el sufría de miedo a las agujas, y ella le habría inyectado la dosis que lo mató.

Los miembros restantes continuaron por algún tiempo. Inicialmente se había pensado reemplazar a Morrison con un nuevo cantante, y se reportó que podría ser Iggy Pop. Al final, Krieger y Manzarek tomaron el lugar de Morrison cantando y lanzaron dos álbumes, Other Voices y Full Circle, y se fueron a gira.

Ambos álbumes vendieron bien, pero no como en la época de Morrison, y the Doors dejó de tocar y grabar a finales de 1972. Mientras que el primer álbum es indudablemente del estilo de The Doors, el segundo se expandió al territorio del jazz. Mientras que ningún álbum fue vuelto a editar en CD en los Estados Unidos, han sido estrenados en 2-en-1 en Alemania y Rusia.

Los Doors restantes grabaron un tercer álbum post Morrison, An American Prayer, en 1978, que proveía de música de respaldo a algunas grabaciones de Morrison recitando su poesía. El álbum fue un éxito, y se vio seguido por un mini-álbum de material en vivo no estrenado. Su perfil se mantuvo alto en los años 1980 gracias a que había una considerable cantidad de grabaciones en color de sus conciertos y actuaciones en TV, y el advenimiento de MTV y el género de los videoclips introdujo a las audiencias jóvenes a la música de The Doors, ya fuera mediante los vídeos grabados en sus conciertos, o los originales producidos por la misma banda en los 60.

En 1979, Francis Ford Coppola estrenó Apocalypse Now con "The End" usada en la banda sonora, llevando a nuevos fans a descubrir The Doors. En 1983 se estrenó Alive, She Cried que incluía una versión cover de Gloria de la banda Them.

Álbumes de estudio

The Doors 1967
Strange Days 1967
Waiting for the Sun 1968
The Soft Parade 1969
Morrison Hotel 1970
L.A. Woman 1971
Other Voices 1971
Full Circle 1972

Álbumes en vivo y compilaciones

Absolutely Live 1970
13 1970
Live In Boston 1970
Weird Scenes Inside The Gold Mine 1972
An American Prayer 1978
Alive, She Cried 1983
The Best of the Doors 1985
Live At The Hollywood Bowl 1987
The Doors (soundtrack) 1991
In Concert 1991
Box Set 1997
Bright Midnight: Live in America 2002
Live in Hollywood 2002
Legacy: the Absolute Best 2003
The Very Best of The Doors 2003

The Doors

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Strange Days

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Waiting For The Sun

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The Soft Parade

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Morrison Hotel

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L.A. Woman

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An American Prayer

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The Best Of The Door
Limited Edition of 1985

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In Concert. Limited Edition of 1991

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Greatest Hits. Only USA. 1996

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BOX.SET

DISC 1 - WITHOUT A SAFETY NET

DISC 2 - LIVE IN NEW YORK

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Bright Midnight Sampler

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Janis Joplin

Lobo_aullador — 2009-08-25T22:58:01+01:00

Janis Joplin (19 de enero de 1943 - 4 de octubre de 1970), fue una cantante de rock and roll y blues caracterizada por su voz y su espíritu rebelde. Su nombre completo es Janis Lyn Joplin. Fue un símbolo femenino de la contracultura de los 60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del Rock and Roll. En 1995 ingreso al Salón de la Fama del Rock. En el 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas más grandes de todos los tiempos.

En el 2008 la colocó en el lugar 28 de los mejores 100 cantantes de todos los tiempos.

Infancia

Nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, localidad industrial de Texas. Sus padres, Seth (quien trabajaba en una refinería) y Doroty (que había destacado cantando en su instituto) hubieran querido que Janis fuera maestra. Tenía dos hermanos menores, Michael y Laura.

Janis, en el primer año de instituto, se unió a una pandilla de jóvenes intelectuales (beats o beatniks), por lo que se convirtió en una marginada por sus compañeros de clase, siendo durante esta etapa una persona muy impopular, acusándosela de "amiga de los negros" por rechazar el racismo. A los dieciséis años comenzó a manifestar su amor por la música, frecuentando los bares de Louisiana, donde escuchaba música negra, de blues y jazz y a los diecisiete comenzó a cantar.

Cuando estudiaba Bellas Artes en la Universidad de Texas, comenzó a cantar de forma habitual en bares. Participaba frecuentemente con la Waller Creek Boys. Allí es dónde empezó a ganarse su reputación como fuerte bebedora. En 1963, se trasladó a la ciudad de San Francisco dónde empezó a ser conocida. Estando allí conoció a muchos músicos con los que más tarde se reencontraría, como su amante Ron "Pigpen" McKernan" (después, miembro de The Grateful Dead) y grabó un disco casero con Jorma Kaukonen (futuro guitarrista de Jefferson Airplane) y Margareta Kaukonen en la máquina de escribir (como instrumento de percusión). Fue en este periodo cuando comenzó el contacto con la droga y se sumió en un estado de abandono, llegando a pesar 35 kilos. En el 1965 anunció entonces a su familia que volvería a sus estudios universitarios, y que se casaría con un hombre que había conocido en San Francisco, conocido como Peter LeBlanc, pero el enlace no tuvo lugar, ya que Peter LeBlanc la abandonó y esto marcaría aún más su inseguridad afectiva y su sentimiento de soledad.

Big Brother and the Holding Company

Cansada de esperar a LeBlanc y de ser una chica buena, se fue a San Francisco con Chet Helms, un productor que conoció en Texas. Se unió a la banda Big Brother and the Holding Company el 4 de julio de 1966, logrando una combinación perfecta. Fue Chet Helms el que la llevó a San Francisco con la oferta de que se uniese a ella, ya que Chet Helms era el mánager de la banda, con la que grabaría su primer álbum con discográfica, Big Brother and the Holding Company, que no pasó desapercibido. Joplin amaba la libertad creativa de la escena musical en San Francisco. Solían actuar junto con otros grupos psicodélicos cómo The Grateful Dead, Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service y The Charlatans en las famosas salas de danzas Avalon Ballroom, Fillmore East y Fillmore West, o con festivales al aire libre en el Golden Gate Park y en Haight-Ashbury.

Actuó con su banda en el Festival de Monterey de 1967 junto con algunos grandes artistas del momento cómo Jimi Hendrix, The Mamas and The Papas, Jefferson Airplane, Otis Redding y The Who entre otros. La primera actuación de los Big Brother no fue filmada y les pidieron que tocasen al día siguiente, así que tocaron Combination Of The Two, y Janis dejó a la audiencia boquiabierta con una versión del emblemático blues de Big Mama Thornton, «Ball And Chain».

A partir de entonces fueron contratados por el productor de Bob Dylan, Albert Grossman. Joplin eclipsaba a los Big Brother. En la primavera de 1968, se trasladaron a Nueva York para grabar su primer disco. Aquella combinación de música repetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la imponente voz de Joplin, era prodigiosa y Cheap Thrills salió en agosto de 1968. Lanzando a Janis al éxito, a los tres días se hizo disco de oro y en el primer mes se vendieron más de un millón de copias. En el 2003, Cheap Thrills se colocó en el lugar 338 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Las críticas sobre ella fueron muy buenas, y la prensa se empezó a centrar más en ella que en el grupo, todos le decían que ella era demasiado buena para el grupo, había tensión entre ellos a causa del protagonismo de Janis y la fama, y ella quería hacer un estilo más blues y soul, cómo las cantantes que veneraba, entre ellas Bessie Smith, Billie Holiday o Aretha Franklin, así que después de mucha presión por parte de su manáger, Albert Grossman, se marchó de Big Brother and the Holding Company.

Big Brother and the Holding Company

Kosmic Blues Band

Juntos se pusieron a buscar los mejores músicos del país para crear el nuevo grupo. A principios del 1969 ya estaba creado, aunque los músicos variarían a lo largo del año. Se llevó con ella al guitarrista Sam Andrew de Big Brother and the Holding Company. Con su nueva banda, "Kozmic Blues Band", salió su segundo disco, I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!, que sonaba distinto a lo que sus oyentes estaban acostumbrados: era una mezcla de rock, soul y blues, y recibió malas críticas, la revista Rolling Stone la denominó la "Judy Garland del rock".

En abril, Janis y la Kozmic Blues Band fueron de gira por Europa, pasando por Frankfurt, Estocolmo, París, Londres, y algunos lugares más, donde el público la acogió muy calurosamente y ella regresó a E.E.U.U. muy contenta, diciendo que el mejor concierto que había dado en su vida fue en Londres, donde la audiencia se volvió loca.

En ese año, a causa de la presión, se enganchó a la heroína y comenzó a prodigarse en entrevistas, en las que terminaba hablando de su vida y de sus sentimientos. Decía que "hacía el amor con 25000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola..." Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína pero sin embargo se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.

El 16 de agosto de 1969 actuó con enorme éxito en el festival de Woodstock, dónde realizó dos repeticiones de, «Ball And Chain» y Piece of My Heart.

Pero los músicos de la banda eran sólo profesionales, y Janis quería que su banda fuese como una familia, como en Big Brother, y con el único que acabó conectando fue con el saxofonista Cornelius "Snooky" Flowers. A finales del 1969 Janis estaba ya destrozada y demasiado enganchada a la heroína y al alcohol, así que decidió tomarse un descanso y abandonar la banda. A finales de 1969 la banda se separó. Su último concierto fue en el Madison Square Garden en Nueva York en la noche del 19 y 20 de diciembre de 1969.

En febrero de 1970, se fue de viaje con una amiga a Río de Janeiro por carnaval, a desintoxicarse, por lo menos, de la heroína. Una vez allí conoció a David Niehouse y se enamoraron, estuvieron unos meses por la selva de Brasil viajando como dos viejos beatniks en la carretera y al volver a San Francisco, David se instaló en casa de Janis.

Kosmic Blues Band

Full Tilt Boogie Band

Una vez allí, Albert Grossman, le propuso a Janis una nueva banda, la Full Tilt Boogie Band, y Janis, ya desenganchada de la heroína, pero no del alcohol, aceptó. David Niehouse quería seguir viajando por el mundo y le ofreció irse con ella, pero Janis prefirió quedarse con su audiencia y su música. Así, Janis congenió muy bien con todos los miembros de la banda, ellos la querían y ella los quería.

En verano de ese año, Janis y su banda participaron en el Festival Express, junto otros artistas importantes de la época cómo The Grateful Dead, Buddy Guy y The Band.

En una fiesta de los Hell's Angels de San Francisco, ese mismo verano, conoció a Seth Morgan y se enamoró de él. En septiembre de 1970, se trasladó a Los Ángeles a grabar Pearl. El 4 de octubre de 1970 había sido un buen día en el estudio, y para celebrarlo salió de copas con sus compañeros y se emborrachó. Según el estudio forense, murió a la 1:40 por sobredosis de heroína. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla y su cuerpo fue descubierto unas 18 horas después. Todos quedaron sorprendidos, pues pensaron que Janis ya no consumía, y estaba en la mejor época de su vida.

Algunas circunstancias en torno a su muerte permanecen sin explicar. La droga que la mató era de una pureza extrema (tenía el 40% de pureza, mientras que lo común es que sea de sólo el 2%), las jeringuillas que usó desaparecieron de su habitación horas después de su muerte y se especula que pudo haber alguien más allí. De esta forma, los medios de comunicación rodearon su muerte de misterio, al igual que con las de Jimi Hendrix, Jim Morrison y Brian Jones.

A las seis semanas de su muerte, salió el disco Pearl, en 1971, que fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. Como homenaje, se dejó el tema «Mercedes Benz» a capella, sin música, ya que fue la última canción que Janis grabó; asimismo, se incluyó la canción «Buried Alive in the Blues» sólo con música, sin la voz de Janis que habría debido cantarla. En el 2003, Pearl se colocó en el lugar 122 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

El cuerpo de Janis Joplin fue incinerado en Westwood, California, y se arrojaron sus cenizas al Océano Pacífico en la playa de Stinson. Dejó en testamento 10000 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje. Fue una artista siempre polémica que ha sido inspiración para otros grandes de la música.

Discografía

Janis Joplin & Jorma Kaukonen

The Typewriter Tape (1964, Grabación sin disquera)
Big Brother and the Holding Company

Big Brother & the Holding Company (1967, Mainstream Records)
Cheap Thrills (1968, Columbia Records)
Kozmic Blues Band

I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama! (1969, Columbia Records)
Full Tilt Boogie Band

Pearl (Póstumo 1971, Columbia Records)
Big Brother & the Holding Company / Full Tilt Boogie

In Concert (1972, Columbia Records)
Colecciones Posteriores

Janis Joplin's Greatest Hits (1972, Columbia Records)
Janis (2 Discos, 1975, Columbia Legacy)
Anthology (1980)
Farewell Song (1982)
Cheaper Thrills (1984)
Janis (3 Discos, 1993)
Essential Songs (1995, Columbia Legacy)
The Collection (1995)
Live at Woodstock: August 19, 1969 (1999)
Box of Pearls (1999, Sony Legacy)
Super Hits (2000)

Películas sobre el tema

La película La rosa (1979), protagonizada por Bette Midler, está inspirada en la vida real de Janis Joplin.

En 1994, se realizó un documental (Janis Joplin Slept Here) que trataba de investigar los mitos y leyendas en torno a su figura.

En 2003, se estrenó la película Janis y John, en la que el protagonista tenía que hacer creer a su primo que sus ídolos de los sesenta (Janis Joplin y John Lennon) habían venido a visitarle.

En el 2007, se lanzó Buried Alive In The Black, un tributo a Janis Joplin de vocalistas femeninas de metal, que incluye a Angela Sin, Liv Kristine y a Sarah Jezebel Deva de Cradle of Filth, entre otras.

Desde finales de los noventa se ha estado considerando la idea de realizar un biopic sobre Janis Joplin, con la cantante Melissa Etheridge. En 2006, se acordó producir una película sobre la vida de Janis Joplin, llamada Gospel According to Janis, protagonizada por Zooey Deschanel.

Click en la tapa del CD para descargarlo

1967
Big Brother & The Holding Company

1968
Cheap Thrills

1969
I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!

1971
Pearl

1973
Greatest hits

1983
Farewell Song

1995
18 Essential Song

2001
Love, Janis

Contraseña:http://tangled--heart.blogspot.com

Bee Gees

Lobo_aullador — 2009-08-22T22:54:10+01:00

Los Bee Gees fue un grupo musical de pop rock, soft rock, R&B y balada.

Formado por el trío de hermanos Barry, Robin y Maurice Gibb en los años 1960, se encuentra entre los más importantes del género, con más de 40 años de actividad musical ininterrumpida. Supieron lograr sus primeros éxitos en Australia, y en Inglaterra —su país de origen— lanzaron su primer álbum oficial de forma internacional.

En las décadas de los 60' y 70' fueron parte inseparable de la escena musical mundial, en especial con la fiebre disco, de la mano del productor Robert Stigwood.

En los años 80' se dedicaron a colaborar con otros artistas y tiempo después volvieron a los estudios.

La banda cesó su actividad en 2003 con la muerte del menor de los hermanos, Maurice Gibb. Los sobrevivientes Barry y Robin anunciaron entonces que el nombre de Bee Gees ya no sería usado más en presentaciones; sin embargo, en junio de 2008 declararon que no descartan la vuelta a los escenarios bajo el nombre de la banda.

Fue uno de los grupos más exitosos en la historia de la música, vendiendo más de 200 millones de copias entre álbumes y singles.

Los inicios

Barry Gibb nació el 1º de septiembre de 1946 en Douglas, Isla de Man segundo hijo del matrimonio compuesto por Hugh y Barbara Gibb, el primero un prominente baterista de su época. Barry no tuvo que esperar mucho para recibir a los que serían los demás miembros de su grupo, pasaron 3 años y nacieron el 22 de diciembre de 1949 los gemelos Robin Gibb y Maurice Gibb con 38 minutos de diferencia, lo que hizo de Maurice el menor de los tres hermanos Gibb. En los años 50 comenzaron actuando en el teatro local de Manchester, Inglaterra como parte de los intermezzos. A fines de la década, en 1958, nace el hermano menor de los Gibb, Andy.

La familia se mudó a Australia en 1958 y se establecen en Redcliffe, Queensland, en donde también realizan presentaciones en teatros y otros escenarios. En un principio se llamaron «The Rattlesnakes», luego «Wee Johnny Hayes & the Bluecats». Fueron presentados al DJ de una radioestación —llamado Bill Gates— por el promotor de carreras de autos Bill Goode, quien los vio actuar en el circuito de carreras de Brisbane. Gates los renombró como «Bee Gees» gracias a una coincidencia que ocurrió luego de la carrera de Brisbane. Bill Gates se juntó con Goode en la casa de los Gibb, donde se encontraban la señora Barbara Gibb y los hermanos Gibb (the Brothers Gibb) junto con Barry. Gates frente a ésta situación dijo que habían tantos «BG» en la habitación que deberían llamarse así.

Los años 1960 y la fama internacional

Por 1960, los Bee Gees estaban actuando en espectáculos televisivos, y en los próximos años empezarían a trabajar regularmente en resorts en la costa de Queensland. Barry le robó la atención a la estrella australiana Col Joye gracias a su capacidad de escribir canciones, así Joye ayudó a los jóvenes Bee Gees a tener un acuerdo de grabación con Festival Records en 1963 bajo el nombre Bee Gees. Los tres hermanos lanzaron dos o tres sencillos en un año, mientras Barry ayudaba con canciones a otros artistas australianos.

Un éxito menor en 1965,«Wine and Women», impulsó a los hermanos para hacer en ese mismo año su primer álbum como banda: The Bee Gees Sing and Play 14 Barry Gibb Songs. A fines de 1966, la familia Gibb decide volver a Inglaterra, y buscar fortuna con la música allí. Mientras venían de viaje, los hermanos escucharon que «Spicks and Specks», la canción que habían grabado en 1966, había llegado al #1 en Australia.

Antes del traslado desde Australia hasta la nativa Inglaterra, Hugh Gibb envió unos demos a Brian Epstein quien era representante de The Beatles y era director de NEMS, una tienda británica de música. Epstein le había dado los demos a Robert Stigwood quien recientemente se había unido a NEMS. Después de una audición con Stigwood en febrero de 1967, los Bee Gees firmaron un contrato de cinco años donde Polydor Records podría ser la discográfica del grupo en el Reino Unido y Atco Records lo sería por su parte en los Estados Unidos. Rápidamente comienzan a trabajar en el primer álbum internacional y Robert Stigwood lanzó una gran promoción que fuera coincidente con el lanzamiento.

Stigwood proclamó que los Bee Gees eran «el talento más significativo de 1967», e inmediatamente comenzaron las comparaciones con The Beatles. Su primer single británico, New York Mining Disaster 1941, fue puesto en las estaciones de radio con una etiqueta blanca que simplemente indicaba el título de la canción. Muchos DJ's inmediatamente asumieron que este era un nuevo single de los Beatles y lo pusieron al aire. Esto ayudó a que la canción llegara al Top 20 tanto en el Reino Unido como en EE. UU.. Solo después estos se dieron cuenta de que no eran los Beatles, sino los Bee Gees, cuando lanzaron su segundo sencillo «To Love Somebody» que también llegó al Top 20 en EE. UU.. Originalmente escrita para Otis Redding, «To Love Somebody» fue una balada llena de soul cantada por Barry, quien se había convertido ahora en un estándar de ídolo pop imitado por cientos de artistas como Rod Stewart, Janis Joplin, The Animals, Nina Simone, y Michael Bolton solo por nombrar algunos. Otro single, «Holiday», fue lanzado en EE. UU. y llegó al puesto #16. El álbum del sencillo —el erróneamente llamado «Bee Gees' 1st»— fue #7 en EE. UU. y #8 en el Reino Unido.

Bee Gees' 1st Bee Gees en 1967

Seguido del éxito de «Bee Gees' 1st», la banda —que ahora está compuesta por Barry en la guitarra rítmica, Maurice en el bajo, Vince Melouney en la guitarra principal y Colin Petersen en la batería— empezó el trabajo en su segundo álbum, lanzado a fines de 1967. «Horizontal» repitió el éxito del álbum anterior, llegando al #1 en el Reino Unido (#11 EE. UU.) el single «Massachusetts» y #7 también en Inglaterra el single «World». El sonido de «Horizontal» estaba más influenciado del rock que su álbum antecesor, aunque baladas como «And The Sun Will Shine» y «Really And Sincerely» son sobresalientes. «Horizontal» llegó al Top 20 en ambos lados del Océano Atlántico —puesto #12 en EE. UU. y #16 en Inglaterra—. Para promocionar el álbum, los Bee Gees hicieron sus primeras apariciones en EE. UU. tocando en conciertos en vivo y espectáculos de televisión como «The Ed Sullivan Show» y «Laugh In».

Dos sencillos siguieron a principios de 1968, la balada «Words» (#15 EE. UU., #8 en el Reino Unido) y el single de doble Lado A «Jumbo/The Singer Sang His Song». «Jumbo» fue el single menos exitoso llegando solo al puesto #57 en EE. UU., pero alcanzando el puesto #25 en Inglaterra. Los Bee Gees sintieron que «The Singer Sang His Song» era el tema más fuerte de los dos, y de hecho alcanzaron con éste el #3 en los Países Bajos. El año 1968 vio a los Bee Gees alcanzar el Top Ten estadounidense con los singles «I've Gotta Get a Message to You» (#8 EE. UU., #1 Reino Unido) y «I Started A Joke» (#6 EE. UU.) que fueron incluidos en el tercer álbum de la banda: «Idea», que fue otro álbum Top 20 en EE. UU. (#17) y en Inglaterra (#4). Seguido del especial de TV y el tour para promocionar «Idea», Vince Melouney dejó el grupo sintiendo que él quería tocar más temas blues que los que los Gibb escribían. Melouney sí contribuyó a la banda con la canción «Such A Shame» (de «Idea», la única canción de cualquier álbum de Bee Gees que no está escrita por un hermano Gibb.

Por 1969, las figuras empiezan a aparecer dentro del grupo, así también como Robin empieza a sentir que Stigwood había estado posicionando a Barry como el líder. Empezaron a grabar el nuevo álbum —que iba a ser conceptual— llamado «Masterpeace», que evolucionó en el álbum doble «Odessa». Los críticos de rock opinan que éste es el mejor álbum de los '60s, con influencia del rock progresivo en la pista que lleva el nombre del álbum y a lo largo del mismo, donde aparecen otros géneros musicales como en las canciones «Marley Purt Drive» y «Give Your Best» —dos temas con sabor nacionalista— y baladas reconocidas como «Melody Fair» y «First Of May», que fue el único single del álbum. Robin, pensando que el tema «Lamplight» debería haber sido el lado A del single, se separó del grupo a mediados de 1969 y lanzó su carrera como solista, la cual tuvo un breve éxito en Europa con el hit #2 «Saved By The Bell» y el álbum «Robin's Reign». Barry y Maurice continuaron bajo el nombre de The Bee Gees, incluso recurriendo a su hermana Leslie para que apareciera con ellos en el escenario.

La primera de muchas recopilaciones de Bee Gees, Best of Bee Gees fue lanzada incluyendo a los singles «Words» y al nuevo «Tomorrow, Tomorrow» que fue un relativo éxito, llegando al puesto #23 en el Reino Unido y a un pobre #54 en EE. UU.. El álbum en sí tuvo una buena acogida llegando al Top Ten en ambos países.

Mientras Robin estaba en lo suyo, Barry, Maurice y Colin siguieron adelante como The Bee Gees grabando el próximo álbum Cucumber Castle. Hubo también un especial de TV filmado para acompañar el álbum, lanzado al aire por la BBC en 1971. Colin Petersen tocó la batería en las grabaciones de las canciones para el álbum, pero fue despedido del grupo después de que comenzaron las filmaciones —las partes donde él aparecía fueron editadas y sacadas de la película final—. El single principal, «Don't Forget to Remember» fue un gran éxito en el Reino Unido alcanzando la posición #2, pero fue una decepción en Norteamérica, alcanzando solamente el lugar #73. Los próximos dos singles — «I.O.I.O.» y «If I Only Had My Mind On Something Else» — apenas rozaron las listas y seguido al lanzamiento del álbum, Barry y Maurice separaron caminos y se creía que los Bee Gees como grupo habían terminado. Barry grabó un álbum como solista que nunca fue lanzado oficialmente, aunque el single «I'll Kiss Your Memory» fue lanzado sin obtener mucho interés. Maurice también grabó durante este tiempo, lanzando el single «Railroad». Además participó en la comedia musical Sing a Rude Song.

Década de los 70: Nuevos aires

Los tres hermanos estaban nuevamente unidos en la última parte de 1970, con muchas canciones acerca de sufrimientos y soledad. Aunque habían perdido la atracción de las listas británicas, los Bee Gees llegaron al puesto #3 con el tema "Lonely Days" (del LP que los vio reunirse 2 Years On) y tuvieron su primero número 1 con "How Can You Mend a Broken Heart?" (de álbum Trafalgar). El talento del trío fue incluido en la banda sonora del fílme de 1971 Melody donde grabaron varias canciones para la película. En 1972, llegaron al lugar #16 con "Run to Me" del LP To Whom It May Concern; este single marcó la vuelta de los Bee Gees al Top Ten británico por primera vez en tres años.

Por 1973 los Bee Gees se hallaban en una rutina. El álbum, Life in a Tin Can, y su single principal, "Saw a New Morning," vendieron de una pobre forma, llegando al puesto #94. Éste fue seguido de un álbum que no fue lanzado (conocido como A Kick in the Head Is Worth Eight in the Pants). Un segundo álbum compilatorio, Best of Bee Gees, Volume 2 fue lanzado en 1973, aunque no repitiendo el suceso del Volumen 1.

Con el aviso de Ahmet Ertegün de su nuevo sello discográfico estadounidense Atlantic Records, Stigwood ordenó al grupo que grabara como el afamado productor musical y de soul Arif Mardin. El LP resultante, Mr. Natural, incluyó algunas baladas y un presagio de la dirección hacia el R&B que la banda tomaría por el resto de la carrera. Pero cuando el álbum no convenció a la audiencia, Mardin los animó para que trabajaran con el estilo musical del soul.

Los hermanos intentaron intentaron montar un estudio en vivo que pudiera replicar el sonido del estudio. El guitarrista principal Alan Kendall había llegado al grupo en 1971, pero no tenía muchas tareas desde Mr. Natural. Para ese álbum, agregaron al baterista Dennis Bryon, y posteriormente agregaron al ex-Strawbs, el teclista Blue Weaver, completando así la "Banda de los Bee Gees" de la década de los 70. Maurice,que había previamente actuado con el piano, guitarra, órgano, mellotron y bajo, así también como un mandolín "exótico" y el moog (Sintetizador), ahora estaba reducida su atera al bajo en el escenario.

Gracias a la sugerencia de Eric Clapton, los hermanos se relocalizaron en Miami, Florida, para grabar a principios de 1975. Después de comenzar con baladas, ellos habían eventualmente atentido la opinión de Mardin y Stigwood y empezaron a desarrollar un disco más rítmico, en canciones como "Jive Talkin'" y "Nights on Broadway." Este último muestra los primeros intentos de Barry Gibb por cantar en falsetto, en las voces de fondo y casi al final del tema. A la banda le gustó el nuevo sonido resultante, y esta vez al público le gustó, mandando así el LP Main Course, que se volvió el primer álbum de R&B por parte de ellos en las listas. El falsete de Barry se volvería un elemento básico de las siguientes grabaciones. Mardin ya no podía trabajar con el grupo después, pero los Bee Gees llamaron a Albhy Galuten y Karl Richardson quien había trabajado con Mardin durante las sesiones de Main Course. este equipo de producción llevaría a los Bee Gees por el resto de los años 70.

El siguiente álbum, Children of the World, estuvo empapado en el recién hallado falsetto de Barry y el sintetizador de Blue Weaver con aires disco. Liderado por el sinlgle "You Should Be Dancing," empujó a los Bee Gees a un nivel de estrellato que ellos no habían tenido anteriormente en EUA, aunque su nuevo sonido R&B/Disco no era tan popular con algunos duros fans de los 60's. La banda de los Bee Gees estaba ahora más cerca de un acto de rock, con guitarra rítmica y batería verdadera detrás del falsete.

Fines de los 70's: La cima de la carrera

Seguido del exitoso álbum en vivo, Here at Last... Bee Gees... Live, los Bee Gees coincidieron con la película "Saturday Night Fever", en la cual las letras de su nuevo album cuyo nombre era "Night Fever" fueron coincidencia, perfectas para el filme ya que ellos aseguran que escribian su nuevo disco sin saber de la existencia de la nueva película soundtrack de Fiebre de Sábado Por La Noche. Sería el punto decisivo de su carrera. El impacto cultural de la película y el soundtrack fue tremendo, no solo en EUA, sino también en el resto del mundo, trayendo la naciente escena disco a la escena dominante de la época.

Tres sencillos de Bee Gees ("How Deep Is Your Love", "Stayin' Alive", y "Night Fever") alcanzaron el #1 en Estados Unidos y en la mayoría de los países alrededor del mundo, lanzando el período más popular de la éra disco. Además escribieron "If I Can't Have You" que se volvió un hit #1 interpretado por Yvonne Elliman, mientras que la propia versión de Bee Gees fue el Lado B de Stayin' Alive. Tanta fue la popularidad de Saturday Night Fever que dos versiones diferentes del tema "More Than a Woman" fueron puestos al aire, una por los Bee Gees, que fue regalada a ser un track del álbum, y otra por Tavares, la cual fue el hit. El sonido de los Gibb era inevitable. Durante un período de ocho meses, desde el comienzo de la temporada navideña de 1977, los hermanos escribieron seis canciones que se mantuvieron enel puesto #1 en los Estados Unidos por 25 de 32 semanas consecutivas: tres canciones bajo el nombre de la banda, dos del hermano de los Gibb, Andy Gibb y el single de Yvonne Elliman.

Impulsada por el éxito de la película, el álbum rompió records múltiples volviéndose el álbum más vendido en la historia hasta ese punto. SNF ha vendido cerca de 40 millones de copias alrededor del mundo, haciéndolo el soundtrack más vendido de todos los tiempos.

Durante esta era, Barry y Robin escribieron "Emotion" para Samantha Sang, quien la llevó al Top Ten hit (los Bee Gees cantaron las voces de apoyo). Un año después, Barry escribió la canción del título de la película Grease, basada en el musical de Broadway del mismo nombre. Ésta versión la cantó Frankie Valli, llegando al número #1. De una vez, cinco canciones escritas por los hermanos Gibb estaban en el U.S. Top Ten al mismo tiempo. Fue la primera vez que esta situación de dominancia en las listas se repetía desde 1964, cuando los Beatles lideraron con 5 sencillos en el top 5 americano.

En 1978, Barry Gibb se volvió en el único compositor de letras en tener cuatro números uno consecutivos en Estados Unidos, quebrando el record de John Lennon y Paul McCartney impuesto en 1964. Éstas canciones fueron "Stayin' Alive", "Love Is Thicker Than Water", "Night Fever", e "If I Can't Have You".

En 1976, los Bee Gees grabaron tres covers de los Beatles —"Golden Slumbers/Carry That Weight", "She Came in Through the Bathroom Window" y "Sun King" —para el documental histórico All This and World War II. Los tres Bee Gees también coestelarizaron éste trabajo con Peter Frampton en la película Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1978) .El filme había sido fuertemente promocionado previo al lanzamiento, y fue esperado como un éxito para disfrutar de un gran éxito comercial. Finalmente la desilución provocada por el filme provocaron duras palabras de los críticos, y la indiferencia del público.

Durante este tiempo, el hermano más joven de los Bee Gees, Andy, siguió a sus hermanos mayores en la carrera musical, disfrutando de un considerable éxito. Producido por Barry, los tres primeros sencillos de Andy Gibb tocaron todos el tope de las listas de Estados Unidos. Lo que vino después de Saturday Night Fever por parte de los Bee Gees fue el álbum Spirits Having Flown. Produjo tres sencillos mas en el #1: "Too Much Heaven", "Tragedy", and "Love You Inside Out." Esto les dio a los Gibb seis sencillos en el #1 en Norteamérica dentro de un año y medio (una marca sobrepasada solo por Whitney Houston). "Too Much Heaven" terminó como la contribución musical de los Bee Gees al Music for UNICEF Concert en la Asamblea General de las Naciones Unidas en enero de 1979, una función benéfica por parte de los Bee Gees, Robert Stigwood, y David Frost para la UNICEF que fue transmitido mundialmente. Los hermanos donaron las ganancias de la canción a la caridad.

Los Bee Gees incluso tuvieron un hit country en 1979 con "Rest Your Love On Me", el lado contrario del single "Too Much Heaven", escrito por Barry llegó al Top 40 en las listas de música country. En 1981, Conway Twitty llevó "Rest Your Love On Me" al tope de dicha lista musical.

El infrenable éxito de los Bee Gees tuvo su auge y caída con la burbuja del disco. A fines de 1979, la música disco fue decayendo en popularidad, y la reacción violenta contra el disco puso a la carrera americana de los Bee Gees se fue en picada. Las estaciones de radio de todo Estados Unidos empezaron a promocionar el "Bee Gee Free Weekends" (Fines de semanas libres de Bee Gees). Con su increíble despegue de 1975 a 1979, los Bee Gees solo lograron un Top Ten mas en Estados Unidos, y nada más hasta 1989. La popularidad internacional de la banda tuvo un pequeño daño.

Los 80's y los 90's

En 1981, los Bee Gees lanzan el álbum Living Eyes, pero como el odio contra la música disco seguía latente, el álbum falló en llegar a EUA al Top 40. En 1983 la banda tuvo un éxito mayor que el fracaso de "Living Eyes" con el soundtrack de Staying Alive, la secuela de Saturday Night Fever. El soundtrack fue platino en EUA, incluyendo a la canción top 30 "Woman In You".

Robin y Barry Gibb lanzaron varios álbumes como solistas en los 80' pero sólo con un esporádico y moderado éxito. De todas formas los hermanos continuaron con éxitos pero detrás de los escenarios, produciendo y escribiendo para artistas como Barbra Streisand, Dionne Warwick, Diana Ross y Kenny Rogers, incluyendo el hit de ventas multimillonarias en Estados Unidos y el #1 en las listas, con Dolly Parton y el propio Kenny Rogers: "Islands in the Stream".

Los Bee Gees lanzaron el álbum E.S.P. en 1987, que vendió por sobre las 3 millones de copias. El sencillo "You Win Again" llegó al número #1 en numerosos países, incluyendo Reino Unido pero fue una desilución en los Estados Unidos, llegando solo a un #75.

En 1983, el compositor de la banda Chicago, Ronald Selle, demandó a los Bee Gees. Ronald reclamaba que los hermanos Gibb habían robado material musical de una de sus canciones hits "Let It End", y la usaron en "How Deep Is Your Love". Al principio los Bee Gees perdieron el caso; un jurado dijo que el factor clave en la decisión del jurado fue la falla de los Gibb para presenter testimonio de expertos que refutaran el testimonio contrario, que sí contaba cun un testimonio evaluado por expertos que decía que era "imposible" que las dos canciones hubieran sido escritas independientemente. De todas formas el veredicto fue revocado unos meses después.

El 10 de marzo de 1988, el hermano más joven de los Gibb, Andy murió a la edad de 30 años como resultado de una miocarditis, una inflamación al músculo cardíaco debido a una reciente infección viral. Sus hermanos reconocieron que el pasado de Andy con el alcohol y las drogas probablemente hizo a su corazón mas suceptible a la infección. Justo antes de la muerte de Andy, se había decidido que se uniera a la banda, llegando a ser un grupo conformado por 4 integrantes. El álbum siguiente de Bee Gees, One es lanzado en 1989, figurando la canción dedicada a Andy, "Wish You Were Here". El álbum además contiene el primer hit en entrar al Top Ten de EUA (#7) "One". Después del lanzamiento del álbum, se embarcaron en su primer tour mundial en 10 años.

Seguido del álbum siguiente de 1991, High Civilization, que contenía el hit Top Five de UK "Secret Love," los Bee Gees hicieron un tour europeo. Después del tour, Barry Gibb empezó a pelear contra un serio problema de espalda, que requirió cirugía. A principios de los 90's, Barry no era el único Bee Gee que vivía con dolor. Maurice padeció de un serio problema de alcoholismo, con el cual peleó por muchos años, y finalmente ganó la batalla con la ayuda de Alcohólicos Anónimos.

En 1993, lanzaron el álbum Size Isn't Everything, que tenía el hit Top Five de UK "For Whom the Bell Tolls". Cuatro años después, lanzaron el álbum Still Waters, que vendió más de cuatro millones de copias, debutando en el lugar #11 en los Estados Unidos, el primer single de éste álbum, "Alone", les dio otro Top Five en Reino Unido y un Top 30 en norteamérica.

Discografia

Nov 1965 The Bee Gees Sing and Play 14 Barry Gibb Songs
Nov 1966 Spicks and Specks
Jul 1967 Bee Gees' 1st
Feb 1968 Horizontal
Ago 1968 Idea
Mar 1969 Odessa
Abr 1970 Cucumber Castle
Nov 1970 2 Years On
Nov 1971 Trafalgar
Oct 1972 To Whom It May Concern
Mar 1973 Life in a Tin Can
Jul 1974 Mr. Natural
Jun 1975 Main Course
Sep 1976 Children of the World
May 1977 Here at Last... Bee Gees... Live
Ene 1979 Spirits Having Flown
Oct 1981 Living Eyes
Abr 1989 One
Abr 1991 High Civilization
Sep 1993 Size Isn't Everything
Mar 1997 Still Waters
Nov 1998 One Night Only
Abr 2001 This Is Where I Came In

Álbumes de Recopilaciones

Jul 1969 Best of Bee Gees
Ago 1973 Best of Bee Gees, Volume 2
Nov 1979 Bee Gees Greatest
Nov 1990 The Very Best of The Bee Gees
Nov 2001 Their Greatest Hits
Nov 2004 Number Ones
2005 Love Songs

Sing and Play 14 Barry Gibb Songs – 1965

01. I Was A Lover, A Leader Of Men
02. I Don’t Think It’s Funny
03. How Love Was True
04. To Be Or Not To Be
05. Timber
06. Claustrophobia
07. Could It Be
08. And The Children Laughing
09. Wine And Women
10. Don’t Say Goodbye
11. Peace Of Mind
12. Take Hold Of That Star
13. You Wouldn’t Know
14. Follow The Wind

Spicks & Specks – 1966

01. Spicks And Specks
02. Everyday I Have To Cry
03. I Don’t Know Why I Brother Whit Myself
04. Second Hand People
05. I Am The World
06. Claustrofobia
07. Follow The Wind
08. And The Children Laughing
09. Playdown
10. I Want Home
11. How Many Birds
12. Monday’s Rain
13. Glasshouse
14. Turn Around, Look At Me
15. Wine & Women
16. Take Hold Of That Star
17. Big Chance
18. I Was A Lover, A Leader Of Men

First – 1967

01. Turn Of The Century
02. Holiday
03. Red Chair Fade Away
04. New York Mining Disaster 1941
05. One Minute Women
06. In My Own Time
07. Every Christian Lion Hearted Man Will Show You
08. Craise Finton Kirk Royal Academy Of Arts
09. Cucumber Castle
10. To Love Somebody
11. I Close My Eyes
12. I Can’t See Nobody
13. Please Read Me
14. Close Another Door

Horizontal – 1968

01. Word
02. And The Sun Will Shine
03. Lemons Never Do Forget
04. Really And Sincerely
05. Birdie Told Me
06. With The Sun In My Eyes
07. Massachussetts
08. Harry Braff
09. Daytime Girl
10. The Earnest Of Being George
11. The Change Is Made
12. Horizontal

Idea – 1968

01. Let There Be Love
02. Kitty Can
03. In The Summer Of His Years
04. Indian Gin And Whiskey Dry
05. Down To Earth
06. Such A Shame
07. Idea
08. When The Swallows Fly
09. I’ve Decided To Join The Air Force
10. I Started The Joke
11. Kilburn Towers
12. Swang Song

Cucumber Castle – 1970

01. If Only Had My Mind On Something Else
02. I.O.I.O
03. Then You Left Me
04. The Lord
05. I Was The Child
06. I Lay Down And Die
07. Sweetheart
08. Bury Me Down By The Rider
09. My Thing
10. The Chance Of Love
11. Turning Tide
12. Don’t Forget To Remember

Kansas

Lobo_aullador — 2009-08-20T23:02:46+01:00

Kansas es una banda estadounidense de rock progresivo que alcanzó la popularidad en la década de los años 70 al encuadrarse dentro del arena rock, con éxitos como "Carry On Wayward Son" y "Dust in the Wind". Gracias a esto, Kansas se ha convertido en un fijo de las radioemisoras de rock clásico, y suele dar giras por Europa y los Estados Unidos.

Fue fundada en 1970 por el bajista Dave Hope, el baterista Phil Ehart y el guitarrista Kerry Livgren, a quienes se unieron el vocalista Lynn Meredith, los teclistas Don Montre y Dan Wright, y el saxofonista Larry Baker. Después de una serie de cambios en su formación, el grupo se asienta con Hope, Ehart, el violinista Robby Steinhardt, el teclista y vocalista Steve Walsh y el guitarrista Rich Williams. Esta alineación grabó los mayores éxitos de la discografía de Kansas, que constituyeron además los mayores éxitos de público que incluyeronlas canciones: "Carry On Wayward Son" o "Dust in the Wind".

Después de una serie de tensiones entre los miembros del grupo, éste se disolvió en 1984, pero volvería a escena en 1985.

Kansas en 1970

Historia

Esta Banda durante los años 70 consiguió una enorme popularidad gracias a su inmortal clásico "Dust in the wind", un tema publicado con gran éxito en 1978, cuatro años después de sus inicios como grupo, cuando tres muchachos de Kansas decidieron rebautizarse con el nombre de su estado y abandonar su antiguo apelativo de White Clover.

El terceto original, residente en Topeka, estaba compuesto por el guitarrista Kerry Livgren, el bajista David Hope y el batería Phil Ehart. A ellos y justo antes de cambiar de nombre se les unió el cantante y teclista Steve Walsh, el violinista Robert Steinhardt y el guitarra Richard Williams.

Su primer LP homónimo publicado en 1974 recibía la influencia de grupos de rock progresivo británico como Genesis, ejecutados desde el sentimiento del rock clásico americano.

Este trazo progresivo continuo en su segundo disco grande titulado "Song for America" (1974), que aunque no vendió demasiado si consiguió popularizar su nombre y llenar sus conciertos.

Song for America Kansas en 1974

Más exitosos fueron "Masque" (1975) y sobre todo, "Leftoverture" (1976), disco que contenía su single "Carry on wayward son", y "Point of no return" (1977), álbum con sonidos AOR en el cual incluían el magnífico sencillo "Dust in the wind", canción mítica para la banda que llegó al número 1 en todo el mundo, convirtiendo a Kansas en uno de los grupos rock de mayor éxito de su época reflejado en sus multitudinarias actuaciones en directo. Tras llegar a la cima de su popularidad y la adopción de un sonido más comercial (ya lejos de sus principios progresivos), Kansas publicó el directo "Two for the show" (1978), y los irregulares discos en estudio "Monolith" (1979) y "Audio-visions" (1981), antes de que Steve Walsh decidiera iniciar una carrera en solitario que no le reportó demasiados triunfos.

Su sustituto en la banda fue John Elefante, quien debutó con "Vinyl Confessions" (1982), álbum que como el siguiente, titulado "Drastic Measures" (1983), no alcanzó las ventas de sus trabajos anteriores y que proseguía con la senda poco imaginativa de "Monolith" y "Audio-visions".

Poco después de la publicación de "Drastic Measures", la banda de Topeka se separaría, retomando Kerry Livgren su carrera en solitario iniciada en 1980 con "Seeds of change" y marcada por una elevada religiosidad y un sonido más acerado. Junto al bajista David Hope formaría AD, un grupo hard que practicaba rock con temática cristiana.

Con posterioridad diversos componentes recuperarían el nombre Kansas grabando discos de mediana calidad, entre ellos "Somewhere to elsewhere" (2000), un disco realizado por el sexteto original tras veinte años sin trabajar juntos.

Discografía

Álbumes de estudio

1974 Kansas #174 EE.UU.
1974 Song for America #57 EE.UU. Oro
1975 Masque #70 EE.UU. Oro
1976 Leftoverture #5 EE.UU. 4x Platino
1977 Point of Know Return #4 EE.UU. 4x Platino
1979 Monolith #10 EE.UU. Oro
1980 Audio-Visions #26 EE.UU. Oro
1982 Vinyl Confessions #16 EE.UU.
1983 Drastic Measures #41 EE.UU.
1986 Power #35 EE.UU.
1988 In the Spirit of Things #114 EE.UU.
1995 Freaks of Nature
1998 Always Never the Same
2000 Somewhere to Elsewhere

En directo

1978 Two for the Show #32 EE.UU. Platino
1992 Live at the Whisky
1998 King Biscuit Flower Hour Presents Kansas [grabado en 1988]
2001 Dust in the Wind
2002 Device, Voice, Drum [CD/DVD]
2003 Greatest Hits Live

Recopilatorios

1984 The Best of Kansas 4x Platino
1992 Carry On
1994 The Kansas Boxed Set
1999 The Best of Kansas [expandida]
2002 The Ultimate Kansas
2004 Sail On: The 30th Anniversary Collection [2CD/1DVD]
2005 On the Other Side [reedición de Carry On]
2006 Works in Progress

Kansas - 1974

01. Can I Tell You
02. Bringing It Back
03. Lonely Wind
04. Belexes
05. Journey From Marianbronn
06. The Pilgrimage
07. Apercu
08. Death Of Mother Nature Suite

Masque - 1975

01. It Takes A Woman’s Love ( To Make A Man )
02. Two Cents Worth
03. Icarus -Borne On The Wings Of Steel
04. All Over The World
05. Child Of Innocence
06. It’s You
07. Mysteries And Mayhem
08. The Pinnacle

Song for America - 1975

01. Down The Road
02. Song For America
03. Lamplight Sympony
04. Lonely Street
05. The Devil Game
06. Incomudro - Hymn To The Atman

Leftoverture - 1976

01. Carry On Wayward Son
02. The Wall
03. What’s On My Mind
04. Miracles Out Of Nowhere
05. Opus Insert
06. Questions Of My Childhood
07. Cheyenne Anthem
08. Magnus Opus

Point of Know Return - 1977

01. Point Of Know Return
02. Paradox
03. The Spider
04. Portrait ( He Knew )
05. Closet Chronicles
06. Lightnings Hands
07. Dust In Te Wind
08. Sparks Of The Tempest
09. Nobody’s Home
10. Hopelessly Human

Two for the Show - 1978

01. Song For America
02. Point Of Know Return
03. Paradox
04. Icarus- Borne On Wings Of Steel
05. Portrait ( He Knew )
06. Carry On Wayward Son
07. Journey From Mariabrownn
08. Dust In The Wind ( Acoustic Guitar Solo )
09. Lonely Wind ( Piano Solo )
10. Mysteries And Mayhem
11. Experpt From Lamplight Symphony
12. The Wall
13. Magnus Opus

Monolith - 1979

01. On The Other Side
02. People Of The South Wind
03. Angels Have Fallen
04. How My Soul Cries Out For You
05. A Glimpse Of Home
06. Away From You
07. Stay Out Of Trouble
08. Reason To Be

Audio Visions - 1980

01. Relentless
02. Anything For You
03. Hold On
04. Loner
05. Curtain Of Iron
06. Got To Rock On
07. Don’t Open Your Eyes
09. No One Together
10. Back Door

Vinyl Confessions - 1982

01. Play The Game Tonight
02. Right Away
03. Fair Exchange
04. Chasing Shadows
05. Diamonds And Pearls
06. Face It
07. Windows
08. Bordeline
09. Play On
10. Crossfire

Drastic Measures - 1983

01. Fight Fire With Fire
02. Everybody’s My Friend
03. Mainstream
04. Andi
05. Going Through The Motions
06. Don’t Take Your Love Away
07. End Of The Age
08. Incident On A Bridge

Power - 1986

01.Silhouettes In Disguise
02. Power
03.All I Wanted
04. Secret Service
05. We’re Not Alone Anymore
06. Musicatto
07. Taking In The View
08. Three Pretenders
09. Tomb 19
10. Can’t Cry Anymore

In the Spirit of Things - 1988

01. Ghosts
02. One Big Sky
03. Inside Of Me
04. One Man One Heart
05. House On Fire
06. Once In A Lifetime
07. Stand Beside Me
08. I Counter On Love
09. The Preacher
10. Rainmaker
11. T.O. Witcher
12.Bells Of Saint James

Freaks Of Nature - 1995

01. I Can Fly
02. Desparate Times
03. Hope Once Again
04. Black Fathom 4
05. Under The Knife
06. Need
07. Freaks Of Nature
08. Cold Grey Morning
09. Peaceful And War

Somewhere to Elsewhere - 2000

01. Icarus II
02. When The World Was Young
03. Grand Fun Alley
04. The Coming Dawn ( Thanatosis )
05. Myriad
06. Look At The Time
07. Disappearing Skin Tight Blues
08. Distant Vision
09. Byzantium
10. Not Man Big
11. Geodesic Dome