Genios y figuras hasta la sepultura

The Smiths

2009-05-30T22:52:23+01:00

The Smiths fue una banda de indie rock formada en Manchester, Inglaterra en 1982 por el cantante Morrissey y el guitarrista Johnny Marr. La banda disfrutó de un éxito considerable hasta su separación en 1987. Su música ha sido de gran influencia en la música indie británica, y en los '90, una gran influencia para el Britpop.Dos de las cosas más notables del grupo fueron su polémico cantante con sus no menos polémicas letras y la música compuesta por Marr, que devolvía la guitarra al frente de la banda en una época en la que el techno pop gozaba de gran salud en las listas de éxitos inglesas. La música de la banda se nutría de influencias de rock de los 60 y 70, especialmente del rockabilly y del glam rock, estilo entre cuyas bandas representativas se hallaban algunos ídolos de Morrissey como los New York Dolls y Marc Bolan.

Miembros principales

Morrissey - Voz y Piano          Johnny Marr - Guitarra



Andy Rourke - Bajo              Mike Joyce - Batería



La banda fue fundada en 1982 por dos jóvenes de Manchester, Johnny Marr y Steven Patrick Morrissey, aunque este último es más conocido por su apellido, Morrissey. Marr estaba buscando gente para formar una banda cuando unos amigos suyos le hablaron acerca de un joven que vivía cerca y que tenía un estilo particular de escribir, aunque le advirtieron que era difícil de tratar. Era Morrissey, un joven cuya vida era difícil y se refugiaba en la literatura (especialmente en Oscar Wilde, al que haría más de un homenaje en muchas de sus canciones), y ya era conocido en algunos círculos de Manchester, habiendo cantado en una banda llamada The Nosebleeds de corte punk y en la cual no encajaba por su estilo vocal y actitud en el escenario. Había intentado hacer periodismo musical pero había desistido. Es entonces cuando Marr se pone en contacto con él, iniciando una historia musical hoy mítica.

Mike Joyce fue reclutado como batería tras una corta audición y Dale Hibbert bajista al comienzo, pronto fue reemplazado por Andy Rourke, amigo de Marr.

El origen del nombre se basa en la historia de David Smith, quien denunciara ante la policía de Manchester la identidad de los asesinos de los páramos (Moors Murders). Sin embargo, en una entrevista en 1984 Morrissey dijo que llamó así a la banda porque era el nombre más común y corriente y pensaba que era hora de que la gente más corriente se mostrara al mundo.

La banda firmó con el sello discográfico Rough Trade Records y editó su primer single, "Hand in Glove", el 13 de mayo de 1983. El single fue promocionado por el DJ John Peel pero aun así no le fue bien en las listas, suerte que mejoraría con los siguientes, "This Charming Man" y "What Difference Does It Make?". La banda comenzó a generar un notable culto de seguidores, en parte debido a la identificación de los seguidores con las letras de Morrissey.

"The Smiths" (el primer álbum)

El homónimo disco debut de la banda fue editado en 1984 y llegó hasta el puesto número 2 de las listas inglesas y resultó ser más calmado y con menos energía que lo que apuntaban sus sencillos. En él existen múltiples referencias a la literatura y cultura pop que admiraba Morrissey. La portada del disco, por ejemplo, está compuesta por una foto de Joe Dallesandro en la película de Paul Morrissey, Flesh. Durante toda su carrera la banda se caracterizaría por utilizar imágenes de películas o fotos de estrellas pop en las portadas de sus sencillos. Entre las incontables referencias literarias se hallaba una canción nombrada con una cita del escritor Jack Kerouac, "Pretty Girls Make Graves".

Este disco generó varias controversias relacionadas sobre todo con "The Hand That Rocks The Cradle" y "Reel Around the Fountain". Ambas provocaron acusaciones del tabloide británico The Sun y la revista The Sounds por promover la pedofilia. "Suffer Little Children", canción que trataba sobre la tortura y asesinato de varios niños cometido por Ian Brady y Myra Hindley en Manchester durante la infancia de Morrissey, causó la ira del abuelo de una de las víctimas que lo escuchó en un pub, a pesar de que la canción no apoyaba los asesinatos ni a los asesinos. Morrisey incluso llegó a trabar amistad con Ann West, madre de la víctima Lesley Ann Downey, mencionada en la canción.

Después de la publicación del álbum, la cantante Sandie Shaw -idolatrada por Morrisey- versionó el tema "Hand in Glove" y un par de temas más, escritos por Morrisey y Marr, y donde participaron éste con Mike Joyce y Andy Rourke. El éxito del sencillo hizo que los Smiths tocaran descalzos -al estilo de Sandie Shaw en los 60- en el show Top of the Pops.

En 1984 también se publicaron dos sencillos que aparecieron en el álbum: "Heaven Knows I'm Miserable Now" (el primer tema de la banda que entro entre los 10 primeros puestos de las listas) y "William, It Was Really Nothing" (que usualmente se considera escrita por Morrisey sobre su amigo Billy Mackenzie, cantante de The Associates), contiene a una de las canciones más conocidas del grupo, "How Soon Is Now?", como cara B. El año concluyó con la recopilación Hatful of Hollow, que incluía singles, caras B, y versiones de los temas que habían sido grabados a lo largo del año anterior para los shows de John Peel y Jensen. Las versiones para estas sesiones de radio fueron considerados por muchos (incluyendo a la banda) como superiores a las de los sencillos y el álbum debut.

"Meat Is Murder"

A principios de 1985 la banda lanzó su segundo álbum, Meat Is Murder. Este álbum fue mucho más estridente y político que su predecesor, e incluía una canción (la pista titular) a favor del vegetarianismo (Morrissey le había prohibido al resto del grupo que fuesen fotografiados comiendo carne), el republicanismo liviano de "Nowhere Fast", y las canciones en contra del castigo corporal "The Headmaster Ritual" y "Barbarism Begins At Home". Musicalmente, la banda se volvió más aventurera, con Marr agregando riffs de rockabilly en "Rusholme Ruffians" y Rourke un solo de Bajo de funk en "Barbarism Begins At Home".

El álbum fue precedido por el relanzamiento de la cara B "How Soon Is Now?" como sencillo, que originalmente no aparecía en el álbum pero fue agregada en ediciones subsiguientes. "Meat Is Murder" fue el único álbum de la banda que llegó al primer puesto de las listas británicas.

Además de que el álbum tenía mayor contenido político, Morrissey introdujo sus posturas políticas en sus entrevistas, causando aún más controversia. Entre sus blancos se encontraban la administración de Margaret Thatcher, la familia real, y el Band Aid, sobre el cual Morrissey afirmó: "uno puede tener gran preocupación por la gente de Etiopía, pero es otra cosa ocasionar una tortura diaria a la gente en Inglaterra".

El siguiente sencillo "Shakespeare's Sister" (que no estaba en el álbum) no tuvo mucho éxito en las listas, al igual que el sencillo que sí estaba en el álbum, "That Joke Isn't Funny Anymore". Muchos lo consideraron una elección extraña para un sencillo, por sus guitarras grabadas al revés y la ausencia de un gancho melódico consistente. Pero el sencillo de septiembre de 1985, "The Boy With the Thorn in His Side", fue un indicador de lo que se vendría.



"The Queen Is Dead"

Durante 1985 la banda completó agotadoras giras por el Reino Unido y los Estados Unidos mientras grababan su siguiente álbum de estudio, The Queen Is Dead, que fue lanzado en junio de 1986, inmediatamente después del sencillo "Bigmouth Strikes Again". Este álbum, con su típica mezcla de lo sombrío ("Never Had No One Ever", que parecía referirse a los estereotipos de la banda), lo humorístico ("Frankly, Mr Shankly", un supuesto mensaje al jefe de Rough Trade Geoff Travis disimulada como una carta de renuncia de un trabajador para su superior) y varias canciones que sintetizaban ambos lados ("There Is a Light That Never Goes Out" y "Cemetary Gates"), llegó al puesto número 2 de las listas de Reino Unido, y suele ser considerado su mejor obra. En 1989, la revista SPIN ubicó a "The Queen Is Dead" en el primer puesto de su lista de "The Greatest Albums Ever Made" ("Los Mejores Álbumes Jamás Grabados"). Muchas otras listas de mejores álbumes de la historia de otras publicaciones ubicaron a este álbum en la cima o cerca de ella, entre los diez mejores, incluyendo NME y Melody Maker.

Sin embargo, no todo estaba bien dentro de la banda. Una disputa legal con Rough Trade retrasó la salida del álbum por casi siete meses (había sido completado en noviembre de 1985) y Marr estaba comenzando a sentir el estrés causado por la agotadora agenda de la banda. Mientras tanto, Rourke fue explusado de la banda a principios de 1986 por sus problemas con la heroína. Se enteró por medio de una nota de Post-it pegada en el parabrisas de su auto, que decía "Andy - you have left The Smiths. Goodbye and good luck, Morrissey." ("Andy - has dejado los Smiths. Adiós y buena suerte, Morrissey"). Fue temporalmente reemplazado por el bajista Craig Gannon pero readmitido después de 2 semanas, por lo que Gannon se convirtió en el guitarrista rítmico. Este quinteto grabó los sencillos "Panic" y "Ask" (con Kirsty McColl en coros), y fue de gira por el Reino Unido; luego de que la gira terminara en octubre de 1986, Gannon fue expulsado.

"Strangeways, Here We Come", y la disolución de la banda

1987 comenzó bien para la banda: el single "Shoplifters of the World Unite" (una de las canciones de los Smiths favoritas de Morrissey) fue lanzado a principios del año y tuvo éxito y causó algo de controversia entre padres, sobre la posibilidad de que incitara a los chicos a robar. Fue seguido por un segundo compilado, The World Won't Listen (el título se refiere al comentario de Morrissey sobre su frustración por la falta de reconocimiento de la banda en el mainstream, aunque irónicamente el álbum llegó al segundo puesto en los charts), y el single "Sheila Take A Bow", el segundo (y último) éxito de la banda que llegó a los primeros diez lugares. Otro compilado, Louder Than Bombs, fue preparado para el mercado norteamericano y contenía gran parte del mismo material que The World Won't Listen, pero con la adición de "Sheila Take A Bow" y de material de Hatful Of Hollow, ya que ese compilado no había sido lanzado aún en los Estados Unidos.

A pesar de su éxito, diferencias personales dentro de la banda - incluyendo un aumento de la tensión en la relación entre Morrissey y Marr - dejó a la banda al borde de la disolución, y cuando Strangeways, Here We Come (llamado así por la prisión Strangeways de Manchester) fue lanzado en septiembre de 1987, la banda ya había dejado de existir. La separación fue atribuida al hecho de que a Morrissey le molestaba el trabajo de Marr con otros artistas, y a que Marr se sentía frustrado por la poca flexibilidad musical de Morrissey. Marr, en particular, odiaba la obsesión que tenía Morrissey por hacer versiones de artistas de pop de los años 1960, como Twinkle y Cilla Black. Refiriéndose a las canciones que la banda grabó en su última sesión juntos (lados B para el single "Girlfriend In A Coma, que salió antes del lanzamiento del álbum, Marr dijo, "Yo escribí "I Keep Mine Hidden", pero odié a "Work Is a Four Letter Word". Eso fue el colmo, realmente. No formé un grupo para tocar canciones de Cilla Black".

Strangeways... también llegó al segundo puesto en Reino Unido pero no alcanzó el mismo éxito en los EE. UU. La canción "Paint A Vulgar Picture" fue algo profética, dado que las canciones del grupo fueron reeditadas en una innumerable cantidad de compilaciones. El infame video de 30 segundos de "Girlfriend In A Coma" logró algo de rotación en MTV en los EE.UU. El álbum fue recibido con indiferencia por parte de los críticos, pero los cuatro miembros lo consideran su álbum favorito de la banda. Un par de sencillos del álbum fueron lanzados con viejas demos y versiones en vivo como lados B, y al año siguiente salió "Rank", un álbum en vivo que fue grabado en 1986, cuando Gannon formaba parte de la banda, que repitió el éxito de sus LPs anteriores.

Discografia

Álbumes de estudio

The Smiths (1984)
Meat Is Murder (1985)
The Queen Is Dead (1986)
Strangeways, Here We Come (1987)

Álbumes en directo

Rank (en vivo, 1988)

Álbumes recopilatorios

Hatful of Hollow (1984)
The World Won't Listen (1987)
Louder Than Bombs (1987)
Best...I (1992)
...Best II (1992)
Singles (1995)
The Very Best of The Smiths (2001
The Sound Of The Smiths (2008)

THE SMITHS - 1984

01- Reel Around The Fountain
02- You’ve Got Everything Now
03- Miserable Lie
04- Pretty Girls Make Graves
05- The Hand That Rocks The Cradle
06- This Charming Man
07- Still Ill
08- Hand In Glove
09- What Difference Does It Make
10- I Don’t Owe You Anything
11- Suffer Little Children

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HATFUL OF HOLLOW - 1984

01 - Williiam, It Was Really Nothing
02 - What Difference Does It Make
03 - These Things Take Time
04 - This Charming Man
05 - How Soon Is Now
06 - Handsome Devil
07 - Hand In Glove
08 - Still Ill
09 - Heaven Knows I’m Miserable Now
10 - This Night Has Opened My Eyes
11 - You’ve Got Everything Now
12 - Accept Yourself
13 - Girl Afraid
14 - Back To The Old House
15 - Reel Around The Fountain
16 - Please, Please, Please, Let Me Get What I Want

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MEAT IS MURDER - 1985

01 - The Headmaster ritual
02 - Rusholme Ruffians
03 - I Want The One I Cant´t Have
04 - What She Said
05 - That Joke Isn´T Funny Anymore
06 - How Soon Is Now
07 - Nowhere Fast
08 - Well I Wonder
09 - Barbarism Begins At Home
10 - Meat Is Murder

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THE QUEEN IS DEAD - 1986

01 - The Queen is dead
02 - Frankly, Mr. Shankly
03 - I know it’s over
04 - Never had no one ever
05 - Cemetry gates
06 - Bigmouth strikes again
07 - The boy with the thorn in his side
08 - Vicar in a tutu
09 - There is a light that never goes out
10 - Some girls are bigger than others

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LOUDER THAN BOMBS - 1987

01- Is It Rally So Strange
02- Sheila Take A Bow
03- Shoplifters Of The World Unite
04- Sweet And Tender Hooligan
05- Half A Person
06- London
07- Panic
08- Girl Afraid
09- Shakespeare’s Sister
10- William, It Was Really Nothing
11- You Just Haven’t Earned It Yet Baby
12- Heaven Knows I’m Miserable Now
13- Ask
14- Golden Lights
15- Oscillate Wildly
16- These Things Take Time
17- Rubber Ring
18- Back To The Old House
19- Hand In Glove
20- Stretch Out And Wait
21- Please Please Please Let Me Get What I Want
22- This Night Has Opened My Eyes
23- Unloveable
24- Asleep

Download parte 1.

Download parte 2.

THE WORLD WON’T LISTEN - 1987

01 - Panic
02 - Ask
03 - London
04 - Bigmouth Strikes Again
05 - Shakespeare’s Sister
06 - There Is a Light That Never Goes Out
07 - Shoplifters of the World Unite
08 - The Boy With the Thorn in His Side
09 - Money Changes Everything
10 - Asleep
11 - Unloveable
12 - Half a Person
13 - Stretch Out and Wait
14 - That Joke Isn’t Funny Anymore
15 - Oscillate Wildly
16 - You Just Haven’t Earned It Yet, Baby
17 - Rubber Ring
18 - Golden Lights

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STRANGEWAYS, HERE WE COME - 1987

01 - A Rush and a Push and the Land Is Ours
02 - I Started Something I Couldn’t Finish
03 - Death of a Disco Dancer
04 - Girlfriend in a Coma
05 - Stop Me if You Think You’ve Heard This One Before
06 - Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me
07 - Unhappy Birthday
08 - Paint a Vulgar Picture
09 - Death at One’s Elbow
10 - I Won’t Share You

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RANK - 1988

01- The Queen Is Dead
02- Panic
03- Vicar In A Tutu
04- Ask
05- Rusholme Ruffians
06- The Boy With The Thorn In His Side
07- What She Said-Rubber Ring
08- Is It Really So Strange
09- Cemetry Gates
10- London
11- I Know It’s Over
12- The Draize Train
13- Still Ill
14- Bigmouth Strikes Again

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Led Zepperlin

2009-05-17T23:41:49+01:00

Led Zeppelin fue un grupo inglés de rock, considerado uno de los más importantes de ese género y uno de los más populares durante la década de los setenta. Fue fundado en 1968 por el guitarrista Jimmy Page, quien había pertenecido a The Yardbirds, al incluir en su formación a John Paul Jones como bajista y teclista (al que Page conocía de trabajos anteriores con The Yardbirds), al vocalista Robert Plant y a John Bonham a la batería (que coincidió con Plant en The Band of Joy).

Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, rock and roll, el soul, la música celta, la música india, la árabe, el folk, el country e incluso el reggae. Aparte de esta marcada versatilidad en cuanto a influencias musicales se refiere, Led Zeppelin demostró en su repertorio una musicalidad tal, que bien puede representar el valor de la dinámica musical en el género de la música clásica, que corresponde con formas y composiciones muy estructuradas, y que dejan en evidencia la capacidad de adaptar conceptos compositivos como el contrapunto, característico en la música desde el periodo barroco.

Más de veinticinco años después de la disgregación de la banda en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo, incluidos 109 millones sólo en los Estados Unidos, y es la banda con más discos de diamante (otorgados cada 10 millones de ventas) de la historia de la música, junto a The Beatles. Los discos con esta certificación son: Box Set (10 millones), Led Zeppelin II (12 millones), Led Zeppelin IV (23 millones), Houses of the Holy (11 millones) y Physical Graffiti (15 millones).

Formación de la banda y primeros trabajos (1968-1969)

Led Zeppelin se formó a finales de 1968 cuando Jimmy Page, que ya tenía cierta reputación en Inglaterra por su labor como músico de estudio y por ser el último guitarrista de la banda The Yardbirds, buscaba nuevos músicos para su nuevo proyecto, The New Yardbirds (nombre que provocaba ciertos problemas legales), constituido a partir de la disolución de The Yardbirds. El nombre de la banda surgió a raíz de un mal chiste de Keith Moon, batería de The Who (en una sesión de grabación de un tema de Jeff Beck en el que participaban Jimmy Page, John Paul Jones, John Entwistle y el propio Keith Moon), cuando dijo que la banda fracasaría y caería "como un Zeppelin de Plomo". El nombre surgió en un principio como Lead Zeppelin, pero a recomendación de Peter Grant, el mánager de la banda, se suprimió la a de Lead (plomo, en inglés) para evitar problemas de pronunciación por parte de los hablantes norteamericanos, ya que las vocales ea se pronuncian como una i en el inglés de Norteamérica. Sin embargo, el bajista de The Who, John Entwistle, posee su propia versión de los hechos: "Después de cuatro años empecé a estar harto de los Who, así que hablé con un tío que ahora es jefe de producción de Led Zeppelin. Estaba hablando con él en un club, en Nueva York, y le dije 'Sí, estoy pensando en dejar el grupo y formar el mío. Lo voy a llamar 'Led Zeppelin'. Y como portada del disco voy a poner el Hindenburg en llamas, ya sabes, todo este negocio...' Y unos dos meses después, empezó a trabajar con Jimmy Page, y como estaban buscando un nombre, él sugirió 'Led Zeppelin', a Page le gustó y salieron con la misma portada de disco que yo había planeado". El jefe de producción al que se refiere Entwistle es Richard Cole, futuro "road manager" de la banda.

The Yardbirds se separó en 1968, y Page y el bajista de la banda, Chris Dreja, comenzaron a buscar miembros para una nueva formación. El primer candidato para el puesto de vocalista fue Terry Reid, quien se negó a ser parte de la banda, pero recomendó a un amigo suyo llamado Robert Plant. En agosto de 1968, Page, Dreja y Peter Grant viajaron a Birmingham para ver la banda de Plant, Hobbstweedle. Plant aceptó la oferta de Page para entrar en la banda en una reunión en la casa de Page. Plant tenía un amigo que tocaba la batería, John Bonham, que también se uniría al grupo. Poco después de la llegada de Bonham, Dreja abandonó la música para convertirse en fotógrafo, por lo que los tres componentes de la banda se ven obligados a buscar un nuevo bajista. John Paul Jones, un amigo de Page y conocido músico de sesión, se enteró de la noticia y le propuso a su amigo su entrada en la formación, quedando cerrada la banda. Lo primero que hicieron fue ensayar un blues normal de 12 compases. En ese momento se vio la "química" que había entre los cuatro miembros. Su primer cometido fue acabar una gira pendiente en Escandinavia bajo el nombre de The New Yardbirds, en la que tocaron muchos de los temas que forman parte de su álbum debut.

Después de la gira, y ya bajo el nombre de "Led Zeppelin", Peter Grant, mánager de la banda, otorgó a la banda 200.000 dólares a cambio de producirse su primer álbum. Tal suma de dinero provenía del sello Atlantic Records, que estaba interesada en fichar el mayor número posible de grupos que surgían durante aquella época amparados bajo el estilo blues y hard rock, algo que Led Zeppelin cumplía a la perfección, por lo que Atlantic contrató a la banda sin siquiera haberlos visto, sólo bajo la recomendación de Dusty Springfield.

Led Zeppelin en 1968

Su primer disco fue publicado el 12 de enero de 1969, bajo el nombre de Led Zeppelin. Fue grabado en apenas una semana (grabado, mezclado y editado) en los estudios Olympic de Londres en octubre de 1968, empleando apenas 30 horas de estudio y sin casi horas de ensayo. Al principio, el público británico no respondía muy efusivamente al lanzamiento del álbum, producido por Page, lo que se convertiría en una constante a lo largo de la historia del grupo, un hecho que provocó que la banda no publicase sencillos en Inglaterra. Tras embarcarse en su primera gira norteamericana y gracias a las explosivas actuaciones de la banda, el álbum tuvo un éxito inmenso en crítica y público, sobre todo en Estados Unidos. La prensa calificó al álbum como heavy metal, algo con lo que la banda no estaba de acuerdo. Robert Plant declaró que "es injusto calificar a la banda como heavy metal, ya que un tercio de nuestra música es acústica". Poco después de la edición de este álbum debut, la banda decidió no publicar ningún single en Inglaterra, deteriorando la promoción del disco y de los trabajos posteriores.

Como curiosidad cabe destacar que, durante la gira de apoyo al disco Led Zeppelin I en Dinamarca, el grupo actuó bajo el nombre de The Nobs por prohibición de la baronesa Eva von Zeppelin (familiar del inventor del dirigible) a utilizar su nombre real, quien arguyó que eran unos "monos gritones", además de criticar la portada del disco, foto cortesía del ex-bajista de la banda, Chris Dreja. Además, las autoridades de Singapur impidieron a la banda entrar en el país para dar un concierto debido a que tenían el pelo demasiado largo.

Durante 1969, la banda se las arregló para terminar las giras europea y americana y grabar durante las mismas su segundo trabajo, que fue publicado el 22 de octubre de dicho año bajo el nombre de Led Zeppelin II. Este álbum los consagró definitivamente, llegando al número 1 en las listas británica y estadounidense (destronando al Abbey Road de The Beatles) y permaneciendo allí durante siete semanas, probablemente gracias al éxito de temas como "Whole Lotta Love" y "Heartbreaker".

Como apoyo al disco, la banda dio un par de giras más por Estados Unidos cada vez ante audiencias más grandes debido al aumento de popularidad que supuso la publicación del segundo álbum del grupo, alargando los conciertos durante más de tres horas.

Roger Plant y Jimmy Page en el 1968

Led Zeppelin III y el álbum sin título (1970-1972)

El 5 de octubre de 1970 se publica su tercer disco, Led Zeppelin III, tras el cual algunos acusaron al grupo de ser un montaje comercial, debido al carácter íntimo y acústico de las canciones contenidas en dicho álbum, que a pesar de no ser muy bien recibido tanto por la crítica como por sus admiradores, contenía composiciones que con el tiempo se convirtieron en clásicos, como "Immigrant Song", el primer single de la carrera del grupo a pesar de sus negativas a que fuese publicado, o "Since I've Been Loving You". La banda entera y sobre todo Jimmy Page se tomó personalmente estas críticas, lo que provocó que su cuarto trabajo, en su edición original, no tuviera título ni nada que permitiera identificarlo, a excepción de cuatro extraños símbolos, o runas uno para cada miembro de la banda. Este álbum, reconocido comúnmente como Untitled y principalmente como Led Zeppelin IV por inercia, publicado el 8 de noviembre de 1971, fue el LP más vendido de la banda (actualmente está en la ubicación nº4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA), en el que destaca su mayor éxito, "Stairway to Heaven", además de clásicos de la banda como "Black Dog", Rock and Roll", "Going to California" y "When The Levee Breaks", de la cual destaca el imponente sonido atronador y pesado de la batería de John Bonham. El solo de guitarra de Stairway To Heaven fue elegido por los lectores de la revista Guitar World Magazine como "el mejor solo de todos los tiempos".

El disco vino acompañado de un ligero cambio de imagen de los integrantes del grupo, quienes comenzaron a vestir vistosas ropas y extravagantes collares y joyas al estilo de las grandes estrellas de la época. Es también durante este tiempo cuando se popularizaron los excesos de Led Zeppelin, ya que empezaron a viajar en un jet privado (llamado "The Starship"alquilando plantas enteras de los hoteles en sus estancias durante las giras.

Hasta julio de 2006, el cuarto disco de Led Zeppelin ha vendido 23 millones de copias en Estados Unidos, convirtiéndose en el cuarto álbum más vendido de la historia.

Led Zeppelin 1969 Led Zeppelin 1972

Houses of the Holy, Swan Song y Physical Graffiti (1973-1975)

Su siguiente disco, Houses of the Holy, publicado el 28 de marzo de 1973, supuso una nueva idea en el grupo, mezclando diversos estilos musicales, blues, rock, folk, e incluso matices reggae. Como siempre, el álbum causó controversia entre los críticos a pesar de tener excelentes ventas. La canción "Houses of the Holy" fue grabada inicialmente para incluirse en su álbum homónimo, aunque finalmente aparece en su siguiente trabajo.

La portada del disco también tuvo su polémica, ya que en ella aparecen varios niños desnudos escalando una especie de cuesta empedrada, por lo que fue prohibido en algunos países, entre ellos España.

La gira de presentación del disco fue multitudinaria, consiguiendo en un concierto en Florida la cifra de 56.800 espectadores, superando el récord anterior ostentado por The Beatles, ingresando ese día 309.000 dólares.

Para sentirse más cómodos en la grabación de sus álbumes, Led Zeppelin crearon en 1974 su propio sello discográfico, Swan Song, aunque dependiendo todavía de su compañía discográfica Atlantic Records. El nombre de la compañía viene de una de las pocas canciones inéditas del grupo. A partir de ese momento, la banda hizo todas sus grabaciones bajo este sello. El logotipo de la compañía, que reproduce al dios griego Apolo, se convirtió en el símbolo de Led Zeppelin, incluyéndose en muchos objetos de merchandising de la banda a partir de entonces. Dicha compañía fue rentable durante la vida de Led Zeppelin, aunque tres años después de la separación de la banda, el sello tuvo que cerrar.

Entre 1973 y 1974 la banda se tomó un descanso de su frenética combinación de grabaciones y espectaculares giras, dedicándose a realizar colaboraciones, componer canciones y a otros muchos asuntos no tan relacionados con la música. El 24 de febrero de 1975 se publicó Physical Graffiti, el primer trabajo concebido desde Swan Song. Se trataba de un álbum doble que además de contener piezas nuevas como "Kashmir", que más adelante Puff Daddy usaría como base en la BSO de la película Godzilla, incluía material descartado de álbumes anteriores. Este álbum es considerado uno de los mejores de la banda, probablemente por la cantidad y diversidad de temas. 1975 supuso la coronación de Led Zeppelin como una de las mejores bandas de rock de la historia, tanto por la crítica como por las actuaciones en directo de ese año, que fueron apoteósicas y multitudinarias. Sin embargo, el acelerado ritmo de trabajo de Led Zeppelin se vio interrumpido cuando en el verano de ese mismo año Robert Plant sufrió un grave accidente automovilístico en la isla griega de Rodas, dejando a su mujer Maureen al borde de la muerte. El accidente fue seguido por una difícil y larga recuperación que se extendió aproximadamente un año hasta finales de 1976.

Led Zeppelin en 1975

Presence y In Through the Out Door (1976-1979)

Led Zeppelin en Chicago, 1975.Fue en este año en el que se preparó a toda velocidad el siguiente trabajo de la banda, Presence, publicado el 31 de marzo de 1976 y grabado entre la ciudad alemana de Múnich y Malibu, en California, caracterizado por no tener ninguna canción acústica y no hacer uso de ningún teclado. Es un álbum marcado por el estado convaleciente de Robert Plant, quien grabó sus tomas vocales sentado en una silla de ruedas o en muletas. El álbum fue recibido con diversidad de opiniones por crítica y público debido a su carácter más suave y lento. Jimmy Page siempre dijo que éste es su disco preferido, y el tema que da inicio al disco, "Achilles Last Stand", su tema favorito con sus más de 10 minutos.

Posteriormente editaron su primer disco en vivo, The Song Remains The Same, banda sonora de la película del mismo nombre, la cual muestra unas actuaciones de 1973 en Nueva York que finalizaron una gira estadounidense, mezcladas con unas escenas de fantasía ideadas por la propia banda. Sin embargo, el disco caló negativamente en el Reino Unido debido al potente auge de las nuevas bandas de punk británicas, considerándose a la banda como "obsoleta".

Tras volver a los escenarios en 1977, de nuevo Robert Plant volvió a verse afectado por la desgracia, esta vez por la muerte de su hijo Karac Pendra de seis años, a causa de una infección estomacal. Este hecho marcó profundamente a Plant, llegando a plantearse su continuidad dentro de la banda. Sin embargo, Robert recapacitó y en 1978 la banda volvió al estudio, concretamente al del grupo ABBA en Estocolmo, para grabar el que sería inesperadamente su último álbum de estudio, In Through the Out Door publicado el 15 de agosto de 1979. Desgraciadamente, de nuevo encontrarán problemas para terminar el álbum ya que por aquel entonces, Jimmy Page y John Bonham se encontraban en un estado de adicción a las drogas (heroína) y al alcohol respectivamente, un hecho que hace de In Through the Out Door el único álbum de Led Zeppelin que contiene los primeros y únicos temas de la banda en los que no figura Page como autor.

En la gira de 1979 se vio por primera vez a unos Zepp no tan concentrados en la improvisación (era un rasgo bastante característico de su compenetración como banda en directo), y más centrados en las canciones en sí. A pesar de ello, una audiencia de cerca de 120.000 personas respaldó a la banda en un concierto en Copenhague. La banda había llegado a un estado de madurez, tanto a nivel compositivo como a nivel personal habiendo apartado ya la mayoría de sus excesos y reemplazándolos por profesionalidad. Por aquel entonces eran de las únicas bandas capaces de llenar un estadio frente al fracaso comercial de las bandas punk rock surgidas entonces. Durante esta época, Robert Plant había estado pensando en abandonar la banda debido al cansancio ocasionado por la gira de 1979, aunque Peter Grant consiguió convencerlo para continuar. Dicha gira se extendió hasta 1980, cuando Bonham tuvo que ser ingresado en un hospital de Núremberg, Alemania, debido a una indigestión, aunque la prensa especuló con las drogas y el alcohol como posibles causas. La banda acabó la gira en Berlín el 7 de julio del mismo año.

Frankfurt, Alemania 30 de Junio de 1980

Disolución de la banda (1980-1982)

Con la llegada de 1980 Led Zeppelin volvió a las grandes giras europeas, anunciando un nuevo gran tour por Norteamérica ese año, que nunca pudo ser realizado ya que el día 25 de septiembre fue la fecha más trágica en la historia del grupo: John Bonham murió en la mansión de Page asfixiado por la ingestión accidental de su propio vómito provocado por el consumo excesivo de alcohol. No se encontraron drogas en el cuerpo del baterista, como se había especulado.

La idea de continuar nunca se cruzó por la mente de los restantes integrantes de la banda a pesar de los rumores de la incorporación de nuevos bateristas. Elaboraron un comunicado oficial en el que explicaron que ya nada era lo mismo sin Bonham, y que era inútil continuar sin él.

Al tener firmado un contrato que los obligaba a sacar un nuevo álbum, y ante la negativa de grabar nuevas canciones sin Bonham, se optó por buscar material inédito hasta entonces que conformó el LP Coda (1982), disco que presenta canciones que se descartaron en la realización de discos anteriores y alguna toma en directo de canciones ya grabadas.

En los años siguientes los integrantes de Zeppelin mantuvieron su decisión de no reunirse. Sólo en esporádicas ocasiones se los vio juntos en un escenario. Últimamente Page y Plant decidieron encontrarse para hacer algo juntos, grabando algún disco conjunto algunos años después de la separación de la banda.

Discografia Oficial

Led Zeppelin (1969)
Led Zeppelin II (1969)
Led Zeppelin III (1970)
Led Zeppelin IV (1971)
Houses Of The Holy (1973)
Physical Graffiti (1975)
Presence (1976)
The Song Remains The Same (1976)
In Throught The Out Door (1979)
Coda (1982)
BBC Session (1997)
How the West Was Won (2003)
The Song Remains The Same (Remasterizado) (2007)

Led Zeppelin - 1969

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Led Zeppelin II - 1969

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Led Zeppelin III - 1970

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Led Zeppelin IV - 1971

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Houses Of The Holy - 1973

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Physical Graffiti - 1975

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Presence - 1976

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The Song Remains The Same - 1976

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In Throught The Out Door - 1979

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Coda - 1982

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Roxy Music

2009-05-09T15:41:24+01:00

Roxy Music es un grupo de rock surgido en la primera mitad de los años 1970 que representa el movimiento glam rock en todo su caótico y ambiguo poder. La música de Roxy Music constituye una bizarra mezcla entre un pop irónico y la rebeldía tradicional del rock 'n' roll que se vio enriquecida por la teatral actividad de su vocalista Bryan Ferry, así como por las originales texturas del sintetizador de quien sería uno de los más rigurosos e innovadores pilares de la música actual: Brian Eno.

La combinación de experimentación, energía rockera, elementos futuristas y la personalidad de Ferry hizo que Roxy Music fuera muy influyente en una gran cantidad de artistas y géneros, especialmente el Disco, punk, New wave, New Romantic, synth pop y uno de los pioneros indiscutibles del Dance con la canción "Angel Eyes" del año 1979.

En el año 2004 la revista Rolling Stone los coloco en el puesto 98 de su lista 100 Greatest Artists of All Time

Como resultado del movimiento rock arte de finales de los años sesenta, Roxy Music tuvo una fascinación con la moda, el glamur, el cine, el arte pop y el avant garde , lo que los hacía diferentes de otras bandas de la época.

Envueltos en atuendos extravagantes y tremendamente estilizados, el grupo se dedicó a interpretar una variación del rock vanguardista que incluía algunos elementos enriquecidos del pop.

A inicios de los setenta, el grupo se movía al compás de las tensiones creativas de Bryan Ferry y Brian Eno, cuyas tendencias y preferencias apuntaban hacia lados opuestos: Ferry estaba apasionado por la profundidad del soul y el arte pop de influido por los Beatles. Eno, por su parte, estaba más interesado en deconstruir el rock, experimentando con un estilo parecido al de Velvet Underground.

Bryan Ferry Brian Eno

Esta formación y estilo de Roxy Music grabó únicamente dos discos, pero provocó una avalancha de imitadores que iban desde lo glamoroso, pasando por lo artístico, hasta llegar al new wave de finales de los años setenta.

Luego de la salida de Eno, Roxy Music continuó desarrollando un estilo más artístico, pero gradualmente se fue volcando al disco y al soul. En cuestión de unos años el grupo construyó un estilo de soul-pop sofisticado y seductor que venía directamente de la vena creativa de Ferry.

A inicios de los años ochenta, el grupo se había convertido en una especie de vehículo de expresión para Ferry. Por eso no debe sorprender que se hayan separado luego de que el líder del grupo decidiera seguir como solista.

Hijo de un minero de carbón, Bryan Ferry estudió arte (canto y teclado) con Richard Hamilton en la Universidad de Newcastle en Inglaterra antes de formar Roxy Music en 1971. Estando en la universidad, Ferry cantó en bandas rockeras y de R&B donde conoció al bajista Graham Simpson. Juntos decidieron formar su propia agrupación a finales de 1970. Entonces llamaron a Andy Mackay (saxofón) quien antes había tocado el oboe con la Orquesta Sinfónica de Londres. A través de él Brian Eno se unió al grupo. También llegaron Dexter Lloyd como baterista y Roger Bunn en la guitarra, pero apenas alcanzaron a grabar los demos del grupo.

Luego de colocar un anuncio clasificado en la revista Melody Maker, consiguieron un baterista como el que buscaban en Paul Thompson y un guitarrista en Davy O´List quien haía tocado con “Nice”

A mediados del 71 ya el grupo se llamaba Roxy, pero debieron rebautizarlo como Roxy Music luego de que se dieran cuenta de que en Estados Unidos existía un grupo con el mismo nombre.

O'List dejó el grupo en 1972 y fue reemplazado por Phil Manzanera, ex integrante de Quiet Sun. Justo antes de la grabación del primer disco Simpson dejó el grupo y Roxy Music nunca lo reemplazó de forma definitva. Siempre se llamó a un bajista diferente.

“Virginia Play” su primer sencillo llegó a estar entre las 10 canciones más importantes de Inglaterra durante el verano de 1972. Un año después pasaría lo mismo con "Pyjamarama". Mientras Roxy Music era un éxito en Inglaterra y Europa debido lo inteligente de su estilo kitsch, su entrada a los Estados Unidos se hacía muy difícil.

Su segundo álbum “For Your Pleasure” de 1973 fue recibido con entusiasmo en el Reino Unido, pero en los Estados Unidos pasó desapercibido. Frustrado porque sus composiciones no se grababan debido al rechazo de Ferry, Eno dejó el grupo cuando se terminó de grabar el disco.

Lanzado en diciembre del 73 “Stranded” se convirtió en el primer disco de Roxy Music en llegar a ser número uno en Inglaterra. En los créditos del disco aparecieron Eddie Jobson un músico polifuncional, Manzanera y Mackay. En Estados Unidos las cosas fueron mejor y abonaron el terreno para “Country Life” de 1974.

El cuarto LP venía con una portada controversial en la que dos modelos aparecían vestidas con lencería transparente. Por esa razón muchas tiendas se negaron a vender el disco, lo que obligó a reimprimir el cartón con la foto de un bosque de los Estados Unidos. El disco entró a la lista de los 40 discos más calientes en EE.UU. y fue el cuarto LP consecutivo en entrar a la lista de los 10 más importantes en Inglaterra.

El siguiente disco fue titulado “Siren”. En él se incluyó “Love Is the Drug”, un tema con tintes disco que logró colarse entre el Top 40 de Estados Unidos. Después de la gira de apoyo al disco los integrantes del grupo se dedicaron a proyectos personales que luego se convirtieron en actividades tan absorbentes que llevaron al grupo a anunciar a mediados del 76 que se separaban temporalmente. El espacio fue aprovechado para lanzar el disco en vivo “Viva Roxy Music!”

En otoño de 1978 el grupo se rearmó luego de año y medio de pausa. Ferry, Manzanera, Mackay, Thompson además de Paul Carrack como tecladista se convirtieron en el centro del grupo y contrataron a Gary Tibbs y Alan Spenner como bajista. A Jobson y Wetton se los dejó de lado.

Roxy Music volvió a salir a la calle con “Manifesto”, un proyecto que caía más dentro del gusto popular con un estilo depurado que mezclaba el disco con el soul y el pop.

“Manifesto” sirvió para confirmar que seguían siendo reconocidos en Inglaterra al llegar a los 10 álbumes más importantes. En los Estados Unidos llegó a la casilla 23 empujado por el sencillo “Dance Away”. El grupo se fue de gira con Carrack y Tibbs, mientras que Thompson se no pudo viajar debido a que se quebró un dedo en un accidente de motocicleta.

Su siguiente disco fue “Flesh + Blood” fue grabado únicamente por Ferry, Manzanera y Mackay, apoyados por un grupo de músicos de estudio. El fisco fue número uno en Inglaterra y entró a los 40 álbumes más importantes en Estados Unidos.

Su único sencillo número uno en Inglaterra fue su versión de “Jealus Guy” original de John Lennon, que grabaron como homenaje póstumo al ex beatle.

Sin embargo, el momento más importante del grupo estaba por venir. “Avalon” su siguiente LP marcó la diferencia en la forma en que el grupo venía produciendo su material.

El disco pasó tres semanas en el número uno de las listas inglesas y 27 semanas dentro de las listas norteamericanas. En Inglaterra y Estados Unidos “More Than This” y “Take a Chance With Me” empujaron al disco hasta llegar al status de platino.

La gira que le siguio al disco además de imponente fue el último trabajo de Roxy Music como grupo. Ferry decidió dedicarse a su carrera como solista lanzando “Boys and Girls” en 1985, mientras que Manzanera y Mackay formaron “Explorers” ese mismo año que fue el lanzamiento de un trabajo en equipo y como solistas de casi 15 años.

En 1989 se lanzó una recopilación de éxitos llamados “Street Life: 20 Great Hits” en el que se incluyeron algunos éxitos de Ferry.

1972
Roxy Music

1. Re-Make/Re-Model
2. Ladytron
3. If There Is Something
4. Virginia Plain
5. 2HB
6. The Bob (Medley)
7. Chance Meeting
8. Would You Believe?
9. Sea Breezes
10. Bitters End

Parte 1//Parte 2

Pass: tristan

1973
For Your Pleasure

1. Do the Strand – 4:04
2. Beauty Queen – 4:41
3. Strictly Confidential – 3:48
4. Editions of You – 3:51
5. In Every Dream Home a Heartache – 5:29
6. The Bogus Man – 9:20
7. Grey Lagoons – 4:13
8. For Your Pleasure – 6:51

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1973
Stranded

1. Street Life – 3:29
2. Just Like You – 3:36
3. Amazona – 4:16
4. Psalm – 8:04
5. Serenade – 2:59
6. A Song for Europe – 5:46
7. Mother of Pearl – 6:52
8. Sunset – 6:04

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1974
Country Life

1. The Thrill of it All – 6:24
2. Three and Nine – 4:04
3. All I Want Is You – 2:53
4. Out of the Blue – 4:46
5. If it Takes All Night – 3:12
6. Bitter-Sweet – 4:50
7. Triptych – 3:09
8. Casanova – 3:27
9. A Really Good Time – 3:45
10. Prairie Rose – 5:12

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Pass:
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1975
Siren

Love Is the Drug
End of the Line
Sentimental Fool
Whirlwind
She Sells
Could It Happen to Me?
Both Ends Burning
Nightingale
Just Another High

http://www.mediafire.com/download.php?3oaotxtqobb

1979
Manifesto

1. Manifesto
2. Trash
3. Angel Eyes
4. Still Falls The Rain
5. Stronger Through The Years
6. Ain't That So
7. My Little Girl
8. Dance Away
9. Cry, Cry, Cry

Parte 1//Parte 2

Pass: tristan

1983
Avalon

1.More Than This
2.The Space Between
3.Avalon
4.India
5.While My Heart Is Still Beating
6.The Main Thing
7.Take A Chance With Me
8.To Turn You On
9.True To Life
10.Tara

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Yes

2009-04-26T00:02:18+01:00

Yes es una de las bandas pioneras del rock progresivo, formada en 1968. Influidos en sus inicios por bandas precursoras del rock más experimental como The Beatles; The Who y The Moody Blues; más el estilo melódico Everly Brothers; y los multifaceticos Crosby, Stills & Nash (and Young). Rápidamente evolucionarían a un estilo propio, caracterizado por complejas y recargadas armonías, tomando diversos elementos del Jazz, de la música clásica, junto con sus melódicas canciones y un enigmático contenido onírico y poético.

Más duros y menos dramáticos que Genesis y menos electrónicos que los entonces psicodélicos Pink Floyd, el rock de Yes marcaría la historia de tales clásicos como Fragile, Close to the Edge y Tales from Topographic Oceans.

Los primeros días: 1969-1971

Después de cantar para grupo Warriors, y de editar un single como solista con el seudónimo de Hans Christian en 1968 Jon Anderson (voz), conoce a Chris Squire (bajo), en La Chasse, Club del softbell londinense, quien ya había tenido una activa participación en los Syn, banda pionera en la vanguardia electrónica y psicodélica. Se gesta así la primera alineación del grupo, junto a Peter Banks en guitarras, Bill Bruford en la batería y finalmente Tony Kaye en teclados.

Es así como en 1969 graban su debut simplemente como Yes, un trabajo que si bien no tuvo buena acogida en ventas, supo contar con el apoyo de la crítica especializada, al punto que la banda fue calificada como la revelación de ese año por Melody Maker. Este trabajo no sólo contenía exquisitas versiones de temas de las bandas que los inspiraron e iniciaron en la música, sino además composiciones originales que si bien estaban orientadas hacia un estilo comercial y melódico, sus arreglos y cambios de ritmos delataban su clara influencia del jazz y la música clásica.

Su segundo trabajo se titula Time and a Word, y sale a la venta en 1970, un álbum que seguía el corte melódico e instrumental del anterior, aunque esta vez con la incorporación de una orquesta de cámara, con una clara influencia del compositor ruso-norteamericano Igor Stravinsky. La inclusión de esta orquesta vino a reemplazar gran parte del protagonismo de las guitarras eléctricas, lo cual pareció enfadar al guitarrista Peter Banks, que sumado al descontento del resto de la banda con su trabajo, cada vez más auto indulgente, terminó finalmente con la salida de éste.

Luego de muchas ofertas tales como en The Nice o Jethro Tull, el ex-guitarrista de Tomorrow, Steve Howe, acepta la oferta de unirse a Yes, quien por un error de edición es fotografiado junto al resto de la banda para la edición americana del álbum anterior Time and A Word, para el cual tan sólo colaboró en la gira de promoción y algunos shows televisivos.

Guitarra Eléctrica Gibson ES-175D, similar a la usada y popularizada por Steve Howe a principios de los setentaSu esperado estreno en el set de grabación con la banda no sería sino hasta el año siguiente con The Yes Album en 1971. Un álbum en donde el genio lírico y la brillante voz de contra-tenor de Jon Anderson, más el cuidado en la ejecución en los complejos y brillantes arreglos por el resto de la banda, alcanzan un nivel rara vez visto en el género de la música rock. Definitivamente, la inclusión del talento creativo y ejecución del guitarrista Steve Howe dio toda una nueva dimensión cromática en el colorido musical de la banda. Con el formato de la música rock, la banda se pasea por cada uno de los diversos estilos que dan forma a su particular enfoque de la música dando textura y forma a lo que más tarde sería llamado por los críticos, el sonido progresivo clásico de Yes. Con temas como el épico "Starship Trooper", el festivo "I've Seen Good People", junto con los complejos y progresivos temas "Your is no Disgrace" y "Perpetual Change", este álbum catapultó la carrera de la banda a nivel internacional comenzando por el mercado americano, y los temas para este álbum serían solicitados en cada uno de sus conciertos a partir de ese momento.

The Yes Album llegó al número 7 en los charts en el Reino Unido, y al número 40 en Estados Unidos. En la primavera Yes comienza su tour por Europa, acompañados por Iron Butterfly (Yes compraría su propio equipo de sonido después de terminada esa gira). En junio Yes toca su primer concierto en América en Edmonton, Alberta, Canadá, y dos días después en Seattle, EE. UU. En noviembre la banda empieza su segunda gira americana en el Whisky A Go Go en Los Angeles.

Yes 1970

La alineación clásica: 1971-1973

Durante las presentaciones en vivo de The Yes Album, las tensiones entre Tony Kaye y el resto de la banda fueron en aumento, ya que Jon Anderson y Chris Squire deseaban dar un paso más adelante en el desarrollo musical de la banda, Kaye no sólo no parecía tener ni la actitud ni la habilidad requerida para la ejecución de las complejas piezas compuestas en el estudio de grabación sino además mantuvo una actitud defensiva y hostil hacia las críticas por parte de sus compañeros. Kaye junto con manifestar su rechazo hacia toda posibilidad de una música más pretenciosa hizo manifiesto su rechazo al uso de los entonces modernos sintetizadores aferrándose al sonido ya clásico del Hammond, pese a la insistencia de sus compañeros. Esto sumado finalmente a su desinterés por el trabajo con la banda hizo que fuera despedido del grupo. Entre tanto Anderson y Squire habían intentado acercarse durante meses al eximio teclista de formación clásica Rick Wakeman, asistiendo a algunas de sus presentaciones en vivo junto a los The Strawbs banda en donde participaba. Éste fue convencido finalmente, tras oír sus primeros tres discos, ante lo sugerente del sonido y la gran posibilidad que significaría para su talento musical. Tiempo después Wakeman explicaba su ingreso a la banda con esta frase "quedé entusiasmado con lo que se podría hacer".

Es así como a principios de 1972 Rick Wakeman se une a la banda, con un estilo ostentosamente diferente al modesto rol de Tony Kaye, fue en definitiva el último elemento que permitió la creación del clásico sonido de Yes. Sonido que debutaría con el álbum Fragile, a mediados de ese mismo año. Álbum que seria un manifiesto de principios del talento individual de cada uno de sus integrantes, que incluyendo los temas Roundabout, Long Distance Runaround, South Of The Sky y Heart Of The Sunrise (este último fuertemente influido por la suite orquestal The Planets del compositor clásico inglés Gustav Holst). Además de incluir temas de composición colectiva, el álbum además incluye pequeñas composiciones personales de cada uno de sus integrantes, ostentando no sólo el virtuosismo individual, sino además la creatividad y la inspiración en la composición de cada uno de sus integrantes al fusionar diversos estilos y motivos musicales. El álbum alcanzará el número 4 en EE.UU, así como el número 7 en el Reino Unido, y el tema de apertura del álbum "Roundabout", co-escrito por Steve y Jon, llegará al número 13 en los charts americanos.

La misma alineación se mantuvo para el siguiente disco del mismo año: Close to the Edge, inspirado en la Obra del escritor alemán y premio Nobel Herman Hesse y el arte gráfico del joven arquitecto y diseñador británico Roger Dean, es considerado una obra maestra del Rock Progresivo de todos los tiempos. El disco incluiría tres temas que pasarían a convertirse en piezas claves en el fenómeno del rock británico de los 70s y clásicos para la banda, entre los cuales se encuentra una pieza homónima de 20 minutos de duración, dividida en 4 secciones, un single promocional llamado "And You And I" de un aspecto más melódico y accesible para la difusión radial y "Siberian Khatru" infaltable en el setlist en vivo hasta 1979.

Yes 1971

Después de grabar Close to the Edge, Bill Bruford, cansado de sus roces con Squire (al parecer la impuntualidad de éste irritaba al baterista), la presión y las exigencias autoritarias de Jon Anderson y motivado por su inclinación al Jazz y a la música más experimental, decidió abandonar Yes para unirse a Robert Fripp y a John Wetton en King Crimson.

Luego de eso, Atlantic Record descargó el primer disco en vivo de la banda, Yessongs, un set de tres LPs (Actualmente está disponible en dos CD), con diferentes tomas a lo largo de las giras promocionales de "Fragile" y "Close to the Edge". Es así cómo Bill Bruford se escucha en dos temas del disco, pertenecientes al tour de Fragile, pero en el resto de las canciones toca la batería Alan White quien había participado acompañando en la batería a connotados músicos como John Lennon, George Harrison y Frank Zappa, percusionista quien sigue como miembro de la banda hasta el día de hoy.

Después de cinco discos de estudio y una antología de tracks en vivo, Yes lanzó un nuevo trabajo en estudio, esta vez un disco doble conceptual llamado Tales From Topographic Oceans, en 1973, compuesto principalmente por Jon Anderson y Steve Howe, con variados arreglos por el resto de la banda, también inspirado en la literatura, sólo que esta vez en la Autobiografía de un Yogi de Yogananda Paramahansa. El disco incluía 4 temas, cada uno de alrededor de 20 minutos de duración, en las cuales se alternan melódicas canciones con complejas piezas instrumentales, donde sobre sale el virtuosismo de cada uno de sus músicos. Sin embargo es recibido de muy mala manera por la critica, tildándole de pretencioso y auto-indulgente. Es así como "Tales" representa para estos críticos la culminación de un fenómeno en la música progresiva británica que había evolucionado desde el alero de la influencia melódico y experimental de los The Beatles y The Moody Blues, a sonidos cada vez más complejos y alejados de la inocencia y sencillez primigenia del rock and roll.

Además de las criticas de los medios especializados, se agrega un quiebre importante al interior de la banda por el hecho de Rick Wakeman no estuvo para nada satisfecho con la música minimalista contenida en el disco, ni con el set-list para la gira así como tampoco con el carácter místico y excéntrico que para entonces había adoptado el resto de sus compañeros, "no puedes tocar lo que no entiendes y yo no entendía nada de ese disco" señalaba. Celebre es el episodio en donde Rick Wakeman a mitad de una presentación hace un pedido de comida china la cual se sirve desenfadadamente en el escenario frente a las risas del público y el desconcierto de sus compañeros. Por lo que poco después de concluida la gira abandonó la banda, para dedicarse a su carrera de solista y descargar el álbum Journey To The Center Of The Earth, con la participación de una orquesta sinfónica y un selecto elenco de músicos, además de colaborar tanto en el estudio de grabación y en la eventual gira con los emergentes Black Sabbath en su disco Sabbath Bloody Sabbath de (1973).

Yes 1973

La experimentación y la fusión 1974-1976

Es así como Wakeman es reemplazado por el suizo Patrick Moraz, quien colaboró estrechamente en la creación del siguiente disco de la banda llamado Relayer en 1974, imprimiendo en él su particular estilo libre y dinámico propio del jazz y la fusión. La llegada de Moraz se produjo en medio de rumores que ligaban al teclista griego Vangelis con la banda, lo que no se concretó por oposición de los sellos. Sin embargo Moraz supo ganarse el respeto y la admiración de los fans y del público en general, por su particular versatilidad en los teclados en concordancia y química perfecta con el desempeño del resto de la banda.

Relayer es el último disco de los setenta en contar con el arte gráfico del inglés Roger Dean, siguiendo la línea conceptual de sus dos álbumes anteriores. Un Disco con tres temas entre ellos la suite de veinte minutos llamada "Gates of The Delirium", una pieza épica acerca de la estupidez de una cultura basada en la exclusión y el permanente enfrentamiento, que comienza con las alegres y optimistas acordes, representando la fe confrontación, ya sea frente a los enemigos ideológicos, políticos o de los intereses de la patria, seguida del subsecuente caos, muerte y destrucción de un enfrentamiento bélico, expresado en pesadas y caóticas melodías y acordes rayando casi en los psicodelico, para culminar finalmente en el conmovedor y apacible movimiento final, un llamado conmovedor entre entre las ruinas y la destrucción a todo aquello que representa la luz y la esperanza. Relayer llega a convertirse en el disco más eclíptico dentro de la carrera de Yes, debido en gran parte a equilibrio y la compenetración en la composición de cada uno de los miembros de la banda. A diferencia de "Tales", Relayer, plantea un concepto más directo y pesado, encontrándose de este modo más cercano a "Close To The Edge" que a cualquiera de los otros trabajos de la banda.

Yes 1974

Luego de la exitosa gira de Relayer, la banda decide darse un receso de un año, en la cual se abocan por entero a desarrollar cada uno de sus integrantes sus carreras en solitario. Es así como en 1975 Jon Anderson lanza su debut como solista con el álbum Olias Of Sunhillow, un disco de tipo conceptual fantástico, con elementos propios de la música étnica y anticipando el auge de la New Age. Por Otra parte Chris Squire, con la colaboración de diferentes artistas (entre ellos algunos músicos Yes como Bill Bruford y Patrick Moraz, entre otros), lanza Fish out of Water, un disco que explora un rock más melódico y orquestal, con influencias del Jazz y del Pop más reflexivo, del mismo modo Steve Howe, también se lanza a la aventura del que seria el primer disco de su extensa carrera como solista con el álbum Beginnings, con una propuesta en el que no sólo exhibe su virtuosismo con las guitarras eléctricas y acústicas, sino que además da a conocer una amalgama fuente de influencias en el Blues, la Música Clásica, y un poco del rock más experimental que ya había desarrollado junto a Yes. Patrick Moraz por su parte haría lo propio en "The Story of I", donde combina lo progresivo y sinfónico con la música brasileña, echando mano de músicos pertenecientes a la escena del jazz-fusión como Jeff Berlin, el grupo carioca The Percussionists of Rio de Janeiro y otros provenientes del mundo clásico y el progresivo como la connotada cantante Annie Haslam de Renaissance y Jon Anderson, creando una historia fantástica y filosófica. Alan White sorprendería a todos con Ramshackled, con elementos del pop, el soul, el reagge, el jazz-fusión, y rhythm and blues, hecho junto a amigos y compañeros en Yes, como la participación de Jon Anderson y Steve Howe en Song of Innocence, el cual sería interpretado en la subsecuente gira de Yes Solos en 1976.

Ya para 1976, la banda se vuelve a reunir para una extensa gira a través de Estados Unidos y Europa, para presentar con la banda parte del trabajo desarrollado de forma independiente por sus integrantes como solistas alternando este material con el ya clásico repertorio de la banda.

Yes 1976

El retorno de Rick Wakeman: 1977-1979

Luego de terminada la Gira "Solos", Yes estaba listo para grabar su siguiente disco, en 1977, cuando Moraz es empujado a dejar la banda presumiblemente por problemas contractuales y de impuestos con la legislación Británica, o bien con el fin de admitir nuevamente a Rick Wakeman quien había manifestado su interés de volverse a reunir con sus compañeros. De este modo, la banda se retira al Lago Lemán Suiza, en una idílica locación con vista al Lago a los pies de los Alpes. El resultado fue "Going For The One" (1977) un disco con cinco temas, cuatro en formato radial y una pieza conceptual de 15 minutos, más enérgico y accesible en relación a los complejos álbumes anteriores, ya revelado en parte por la inclusión del innovador arte de Hipgnosis (quienes ya había trabajado con artistas como Peter Gabriel, Pink Floyd y Rush), en vez del acostumbrado arte gráfico de Roger Dean, no obstante, sin transar en el particular y complejo estilo instrumental y progresivo ya característico de la banda. Un disco espléndido, brillante y de una espiritualidad sobrecogedora, en donde la voz de Jon Anderson llega a tocar el cielo en temas de corte místico-espiritual como en el melancólico "Turn Of The Century", con una conmovedora interpretación acústica de Steve Howe, imprimiendo un sello de melodiosidad, calidad y emoción. Las guitarras acústicas y eléctricas de Steve Howe alternan en este disco en una variedad de melodías y combinaciones rítmicas casi imposibles de ejecutar, pero a la vez imprimiendo una belleza arrebatadora. La ejecución de Wakeman con una clara orientación clásica (a diferencia del característico sonido de Jazz de Patrick Moraz), incluyen no sólo modernos sintetizadores, sino además pianos, clavicordios, y hasta un órgano de iglesia, llegando a imprimir su sello personal más que en cualquiera de los discos anteriores junto a la banda. La química perfecta de la banda en este álbum parece encarnarse a la perfección en temas como el progresivo y enérgico "Parallels" el cual es escrito íntegramente por el bajista Chris Squire, y llegará a ejecutarse en cada una de las presentaciones de la banda de ahí en adelante hasta 1980, donde el ritmo moderno y enérgico de su bajo más la matemática y estilizada batería de Alan White es matizada por el uso del órgano de iglesia por Rick Wakeman, y el contrapunto de las guitarras eléctricas de Steve Howe le dan a este tema un ambiente casi espacial. El single "Wonderous Stories", llega a ser la punta de lanza para la promoción del álbum en las radio emisoras llegando al #10 en las listas de popularidad. Es así como "Going for The One" llega a convertirse en uno de los mejores álbumes de la banda, un verdadero clásico a la misma altura que Yes Album (1971), Fragile (1972) o Close to the edge (también de 1972).

Esta alineación se mantuvo para grabar en 1978 su siguiente producción, luego de algunos conflictos con respecto a la elección del lugar de grabación, puesto que Jon y Alan deseaban trasladarse a Suiza donde Rick ya residía, intentando revivir la mística del álbum anterior, mientras que Steve y Chris deseaban permanecer en Inglaterra agotados de meses de gira. Finalmente se quedaron en Londres. Si bien la idea inicial era la de un disco conceptual basado en algunos motivos tales como la pre-existencia y la inmortalidad del alma, siguiendo la línea de temas cuasi-místicos como Awaken de 15 minutos de "Going for The One" al mismo tiempo de rescatar la atmósfera e inspiración del film de 1977 de Steven Spielberg: Encuentros Cercanos de Tercer Tipo (Close Encounters of the Third Kind), sin embargo el disco que originalmente debió haberse llamado "Yes-Tor" (a sugerencia de Steve Howe que lo tomó de la mística montaña usada como centro ceremonial desde la pre-historia en las cercanías de Dartmoor, Devon), dio finalmente como resultado un disco opacado por la falta de dirección en la producción y en donde se dejaba entrever la creciente pugna por el protagonismo musical al interior de la banda. Fue así como Tormato es lanzado el 20 de Septiembre de 1978, con la desconcertante imagen del diseño de Hipgnosis con el torso de un mago a quien se le arroja un tomate, (supuestamente lanzado por Rick Wakeman al ver la falta de expresión de las imágenes) como tratando de dar cuenta de la insatisfacción con el resultado final con el álbum. Pese al descontento con el producto acabado, el álbum con un sonido claramente sobrecargado, rápidamente se encaramo en la lista de los más vendidos, llegando al # 10 en los Estados Unidos, y al #40 con singles como "Don't Kill the Whale" el cual intenta hacer un llamado a detener la caza de las ballenas y un rescate a las concepciones míticas del pasado, o "Madrigal", una breve suite en donde una enigmática y nostálgica canción de Jon Anderson es acompañada con el atemporal sonido del clavicordio de Rick Wakeman y en un tercer plano el lejano sonido en contrapunto de una guitarra española por Steve Howe, con una lírica haciendo referencias a viajeros espaciales que siempre estuvieron aquí, vidas anteriores, y relaciones perdidas en el tiempo. Otras temas como Onward, compuesta por Chris Squire, o On the Silent Wing of Freadoms, o los progresivos "Future Time - Rejoice" y "Release, Release", sólo llegarían a ser apreciados con la retrospectiva del tiempo como piezas maestras en el repertorio de la banda, influyendo en el trabajo de nuevos músicos y bandas posteriores a los ochenta, como Magellan, Echardt, entre muchos otros.

Pese a la insatisfacción de la banda con la producción final de Tormato, ya para entonces, el nombre de Yes era una de las más grandes instituciones del Rock Progresivo, con conciertos masivos en estadios a tablero vuelto y llegando a ser elegidos "la mejor banda de 1977" por la revista Melody Makers y cada uno de sus miembros como los mejores músicos en cada una de sus categorías. Pese al auge del Punk, la New Wave y la Música Disco, sus presentaciones seguían generando una gran expectación en la prensa y en el público en general. Cada una de éstas presentaciones era una exhibición del virtuosismo individual de cada uno de sus músicos, reforzado con la afianzada química desarrollada a lo largo de todos esos años componiendo y presentando en vivo álbumes claves para entender el fenómeno de la música rock más experimental y ambiciosa de la década setenta.

Yes 1980

Discografía

En Estudio:

Yes (1969)
Time and a Word (1970)
The Yes Album (1971)
Fragile (1972)
Close to the Edge (1972)
Tales from Topographic Oceans (1973)
Relayer (1974)
Going for the One (1977)
Tormato (1978)
Drama (1980)
90125 (1983)
Big Generator (1987)
Anderson Bruford Wakeman Howe (1989)
Unión (1991)
Talk (1994)
Keys to Studio (1996-1997)
Open Your Eyes (1997)
The Ladder (1999)
Magnification (2001)

Yes (1969)

1. Beyond And Before
2. I See You
3. Yesterday And Today
4. Looking Around
5. Harold Land
6. Every Little Thing
7. Sweetness
8. Survival

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Time and a Word (1970)

1. No Opportunity Necessary, No Experience Needed
2. Then
3. Everydays
4. Sweet Dreams
5. Prophet, The
6. Clear Days
7. Astral Traveller
8. Time And A Word

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Fragile (1971)

1. Roundabout 8:29
2. Cans And Brahms 1:35
3. We Have Heave 1:30
4. South Side Of The Shy 8:04
5. Five Per Cent For Nothingo :35
6. Long Distance Runaround 3:33
7. The Fish (Schindleria Praematurus) 2:35
8. Muud For A Day 2:57
9. Heart Of The Sunrise 10:34

Descargar:

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Close to the Edge (1972)

"Close to the Edge"
"And You and I"
"Siberian Khatru"

Descargar:

"Close to the Edge"

Relayer (1974)

1. “The Gates of Delirium” - 21:50
2. “Sound Chaser” - 9:26
3. “To Be Over” - 9:06

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Going for the One (1977)

1. “Going for the One” (Jon Anderson) – 5:32
2. “Turn of the Century” (Jon Anderson/Steve Howe/Alan White) – 7:56
3. “Parallels” (Chris Squire) – 5:53
4. “Wondrous Stories” (Jon Anderson) – 3:49
5. “Awaken” (Jon Anderson/Steve Howe) – 15:31

Download parte 1.

Download parte 2.

Tormato (1978)

1. Future Times - (A)
2. Rejoice - (B)
3. Don’t Kill The Whale
4. Madrigal
5. Release, Release
6. Arriving U.F.O.
7. Circus Of Heaven
8. Onward
9. On The Silent Wings Of Freedom
10. Abilene
11. Money
12. Picasso - (previously unreleased)
13. Some Are Born - (previously unreleased)
14. You Can Be Saved - (previously unreleased)
15. High - (previously unreleased)
16. Days - (previously unreleased, demo)
17. Countryside - (previously unreleased)
18. Everybody’s Song demo of “Does It Really Happen”

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Drama (1980)

1. Machine Messiah
2. White Car
3. Does It Really Happen
4. Into The Lens
5. Run Through The Light
6. Tempus Fugit
7. Into The Lens (I Am A Camera) - (single version)
8. Run Through The Light - (single version)
9. Have We Really Got To Go Through This - (previously unreleased)
10. Song No. 4 (Satellite) - (previously unreleased)
11. Tempus Fugit - (previously unreleased, tracking session)
12. White Car - (previously unreleased, tracking session)
13. Dancing Through The Light - (previously unreleased)
14. Golden Age - (previously unreleased)
15. In The Tower - (previously unreleased)
16. Friend Of A Friend - (previously unreleased)

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Fleetwood Mac

2009-04-16T18:19:49+01:00

La historia de Fleetwood Mac podría ser una telenovela de 30 años de antiguedad. Es la historia de una banda de blues británica formada en 1966 y que luego se convertiría en una suerte de grupo pop californiano a mediados de los años 70.

A pesar de los cambios, hubo dos miembros que se mantuvieron a través de los años: el baterista Mick Fleetwood y el bajista John McVie, de cuyos apellidos salió el nombre Fleetwood Mac.

Mick Fleetwood John McVie

Aunque muchos seguidores de la música se sienten familiarizados con la formación que integraron Lindsey Buckingham y Stevie Niks (la más larga en la historia del grupo), lo cierto es que la historia de Fleetwood Mac incluye una rica historia por la que pasaron músicos como Peter Green, Jeremy Spencer, Danny Kirwan y Bob Welch.

Lindsey                  Stevie                   Peter



Jeremy                 Danny                    Bob

Fleetwood Mac se formó en 1967 a partir de la unión de Green, Fleetwood y McVie, quienes habían dejado los “Bluesbreakers” de John Mayall, inspirados por el éxito de Cream, los Yardbirds y Jimi Hendrix, que señalaban el camino hacia un blues menos clásico que el que estaban tocando. McVie y Fleetwood habían tocado con Mayall desde 1963 y 1965 respectivamente, en tanto Green entró en 1966 a reemplazar a Eric Clapton que se marchó para Cream.

La formación del cuarteto original la completaba el guitarrista Jeremy Spencer. Más tarde, antes de la salida de su segundo disco, agregaron a Danny Kirwan. El aporte de Specer y Green fue clave para que la banda desarrollara un sonido de blues sicodélico.

El debut de Flletwood Mac fue en el Festival de Blues en agosto de 1966. En ese momento Bob Brunning tocaba el bajo debido a que McVie seguía bajo contrato con la banda de Mayall. El grupo rápidamente fue firmado por el sello Blue Horizon, bajo el cual se lanzaría su primer LP “Fleetwood Mac”, cuyas canciones se mantendrían entre las 10 más importantes del Reino Unido durante casi un año. A pesar de su éxito en Inglaterra, el disco fue ignorado en los Estados Unidos.

Fleetwood Mac 1970

Por el perfil de estos músicos no sorprendió que los primeros dos álbumes de Fleetwood Mac (Fleetwood Mac y Mr. Wonderful ambos de 1967) estuvieran cargados de Blues. En el segundo disco venía “Black Magic Woman”, escrita por Peter Green y que más tarde se convertiría en éxito de la mano de Santana.

Su tercer LP se grabó en los estudios Chess de Inglaterra. En esa sesión participaron músicos emblemáticos del blues como Willie Dixon y Otis Span. El doble álbum fue puesto a la venta en el Reino Unido como “Blues Jam” y en Estados Unidos como “Fleetwood Mac in Chicago”. Este disco se hizo con el sello grabador Imediate Records en Inglaterra y Reprise/Warner Brothers en Estados Unidos. A Partir de 1970, Warner Brothers pondría a la venta la música previamente grabada por el grupo.

También en 1969 Fleetwood Mac empezó a dar señales de cambio, al pasar de un blues tradicional a un blues más progresivo. Ese paso se dio con el lanzamiento de los discos “English Rose” y “Then Play On”. Las composiciones de Green “Man of the World” y “Oh Well” estuvieron en la casilla número dos de las listas inglesas. Al mismo tiempo adoptan el pingüino como logotipo del grupo, empujados por la pasión por los pájaros de McVie.

Fleetwood Mac 1973

Aunque Peter Green era el centro creativo del grupo las cosas empezaron a cambiar cuando su estado mental flaqueaba cada vez más seguido debido al consumo de alucinógenos y en 1970 decidió dejar la formación. Fue reemplazado por Christine Perfect, (más tarde Christine McVie, por su matrimonio con John) una vocalista que tenía sus seguidores en Inglaterra luego de haber cantado para Spencer Davies.

Se dice que hay tres formaciones de Fleetwood Mac. La primera es la de finales de los sesenta que estaba claramente inclinada por el blues y en la que tocaban tres guitarristas apoyados en la sección rítmica formada por Fleetwood y McVie; y cuya obra más importante fue “Then Play On”, un LP que marcó el sentido del rock-blues progresivo.

Después de la salidas de Green a mediados de 1970 y de Spencer en 1971 para integrarse a los “Children of God”, los que quedaron se inclinaron por una música más sencilla y pegada al gusto popular. Aquí nace la segunda formación a la que se integrarían Christine McVie en las teclas y Bob Welch en la guitarra. Welch fue el primer estadounidense en formar parte del grupo y en el motor que condujo al grupo por nuevos rumbos.

De esta nueva combinación de talentos salieron dos clásicos del pop: “Future Games” (1971) y “Bare Trees” (1972). Kirwan, uno de los miembros originales fue despedido en agosto de 1972 debido a problemas personales. Ese año se integraron a Fleetwood Mac Dave Walker como cantante y Bob Weston quienes ayudaron a grabar “Penguin” de 1973 y “Mystery to Me” de 1974. Weston también dejó el grupo y el ahora cuarteto salió con “Heroes Are Hard To Find” a finales de ese año.

Finalmente, la tercera y definitiva versión de Fleetwood Mac se formó en 1975 cuando se integraron Lindsey Buckingham y Stevie Nicks. Ambos formaban un dúo que ya había grabado un disco. Llegaron al grupo luego de que Fleetwood escuchara una cinta que ellas habían grabado en el estudio en que ellos estaban probando técnicos de grabación para su próximo disco. Ambos fueron contratados casi inmediatamente. Sería esta formación la que se quedaría como la más duradera de las tres.

Buckingham y Nicks no solo componían, sino que además trajeron talentos que la banda no tenía. Buckinham era un artesano del pop, capaz de componer música comercial al mismo tiempo que la hacía sonar innovadora. Por su parte Stevie Nicks aportó una voz cascada y sensual, al tiempo que venía acompañada de una apariencia media gitana, media hippie.

Además de haberse solidificado en su base musical, ganaron con la incorporación de tres volcalistas y compositores: Buckinham, Nicks y Christine McVie. En sus siguientes discos (Fleetwood Mac y Rumors) se ofrecían los puntos de vista de los hombres y las mujeres con particular suavidad.

El LP de 1975, “Fleetwood Mac”, revitalizó la popularidad del grupo con pistas como “Over My Head” que sería su primer top 40; “Rhianon” que se convirtió en el sello de Stevie Nicks con la banda; “Say You Love Me” en la que se mostraban las tres partes del grupo en plena armonía; y “Monday Morning” que se convertiría en un fenómeno de programación en las radios.

Aunque Fleetwood Mac había logrado el éxito comercial largamente añorado, el grupo se estaba desarmando detrás de bastidores. Los McVies se divorciaron en 1976, mientras que la relación entre Buckingham y Nicks terminó de seguido.

“Rumours” fue escrito en tercios por las tres relaciones amorosas, dos de las cuales se estaban desmoronando: Buckingham-Niks; los McVies y Fleetwood y señora. El álbum es una suerte de relato de problemas del amor en medio de unos años setenta en que el amor se “liberó”. “Rumours” es probablemente el fenómeno de masas más importante de la historia del rock, del que se extrajo una cosecha de éxitos como "Go Your Own Way," "Dreams," "Don't Stop" y "You Make Loving Fun."

Detrás del disco vino una gira de 7 meses mientras Fleetwood Mac era considerado el mejor grupo del mundo. El LP ha vendido, hasta hoy, más de 18 millones de copias. Como grupo Fleetwood Mac, desde su fundación, ha colocado más de 70 millones de copias de sus discos.

Bajo la guía de Lindsay Buckinham, como productor, Fleetwood Mac produjo el doble álbum “Tusk” en 1979. Si bien es cierto no vendió tanto como el LP anterior, produjo dos sencillos que se colaron entre las diez más calientes: “Sara” y “Tusk”, canciones en las que se notaba como se empezaba a generar un nuevo tipo de música.

Luego de la gira, vino un período de descanso de 3 años en los cuales se empezaron a desarrollar carreras en solitario. La más destacada fue la de Stevie Nicks, que empezó a minar la popularidad de la banda, mientras que Buckingham y Fleetwood apenas y lograron darse a conocer con sus proyectos.

Durante los ochenta Fleetwood Mac lanzó “Mirage” en 1982 y “Tango in the Night” en 1987. “Mirage” fue un éxito rotundo empujado por “Gipsy” y una fuerte pauta en MTV. Sin embargo, sus miembros más importantes estaban concentrados en sus carreras individuales y no estaban interesados en seguir de gira, lo que precipitó la salida de Buckingham, Nicks y Christine McVie. A eso hay que agregarle el uso de drogas y el desarrollo de grandes egos.

Entre ambos discos Stevie Nicks grabó “The Wild Heart” en 1983 y “Rock a Little” en 1985, mietras que Christie McVie entró a las 10 más calientes con “Got a Hold On Me” de 1984. El proyecto de Buckingham “Go Insane” recibió críticas muy favorables, pero no tuvo la misma respuesta del público.

Después de “Tango in the Night” Buckingham dejó el grupo cansado de las limitaciones musicales del grupo. Aunque las salidas de Buckingham, McVie y Nicks fueron seguidas por un reemplazo, lo cierto es que el grupo nunca volvió a ser lo mismo.

En 1997 los integrantes de la tercera formación de Fleetwood Mac hicieron a un lado sus diferencias y se reunieron para celebrar el 30 aniversario del grupo y el vigésimo del disco “Roumours”. Para celebrar tal acontecimiento grabaron un especial con MTV titulado “The Dance”, cuyo disco llegó a lo más alto de la lista de Billboard.

En 1998 Fleetwood Mac fue admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, además de recibir un premio por su aporte musical en los premios Brits de Inglaterra.

En 2002 Nicks, Fleetwood, McVie y Buckingham se volvieron a encontrar en el estudio para grabar “Say You Will”, un disco de madurez y reflexión.

Then Play On (1969)

Coming Your Way
Closing My Eyes
Show-Biz Blues
My Dream
Underway
Oh Well
Although The Sun Is Shining
Rattlesnake Shake
Searching For Madge
Fighting For Madge
When You Say
LIke Crying
Before The Beginning

Pious Bird of Good Omen (1969)

1. Need Your Love So Bad (LP Version)
2. Comin' Home
3. Rambling Pony
4. The Big Boat with Eddy Boyd
5. I Believe My Time Ain't Long
6. The Sun Is Shining
7. Albatross
8. Black Magic Woman (LP Version)
9. Just The Blues
10. Jigsaw Puzzle Blues
11. Looking For Somebody
12. Stop Messin' Roun

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Pass:
rfccbh

English Rose

1. Stop Messin’ Around
2. Jigsaw Puzzle Blues
3. Doctor Brown
4. Something Inside Of Me
5. Evenin’ Boogie
6. Love That Burns
7. Black Magic Woman
8. I’ve Lost My Baby
9. One Sunny Day
10. Without You
11. Coming Home
12. Albatross

Link:
http://lix.in/-298cba

Rumours (1977)

1. Second Hand News (Buckingham) - 2:43
2. Dreams (Nicks) - 4:14
3. Never Going Back Again (Buckingham) - 2:02
4. Don't Stop (McVie) - 3:11
5. Go Your Own Way (Buckingham) - 3:38
6. Songbird (McVie) - 3:20
7. The Chain (Buckingham, Fleetwood, McVie, McVie, Nicks) - 4:28
8. You Make Loving Fun (McVie) - 3:31
9. I Don't Want to Know (Nicks) - 3:11
10. Oh Daddy (McVie) - 3:54
11. Gold Dust Woman (Nicks) - 4:51

DESCARGA

Blues Jam in Chicago Vol.1

1. "Watch Out" (Composed by Peter Green)
2. "Ooh Baby" (Composed by Howlin' Wolf)
3. "South Indiana" – (take 1) (Composed by Walter Horton)
4. "South Indiana" – (take 2)
5. "Last Night" (Composed by Little Walter Jacobs)
6. "Red Hot Jam" – (take 1) (Composed by Peter Green)
7. "Red Hot Jam" – (take 2) Note: Not on the original LP Polydor BH4803
8. "I'm Worried" (Composed by Elmore James)
9. "I Held My Baby Last Night" (Composed by Elmore James)
10. "Madison Blues" (Composed by Elmore James)
11. "I Can't Hold Out" (Composed by Elmore James)
12. "Bobby's Rock" Note: Not on the original LP Polydor BH4803
13. "I Need Your Love" (Composed by Walter Horton)
14. "Horton's Boogie Woogie" Note: Not on the original LP Polydor BH4803
15. "I Got The Blues" (Composed by Walter Horton)

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Fleetwood Mac Trilogy:
Fleetwood Mac + Tango In The Night + Mirage

Fleetwood Mac

1. Monday Morning
2. Warm Ways
3. Blue Letter
4. Rhiannon
5. Over My Head
6. Crystal
7. Say You Love Me
8. Landslide
9. World Turning (1)
10. Sugar Daddy (1)
11. I'm So Afraid

Tango in the Night

1. Big Love
2. Seven Wonders
3. Everywhere
4. Caroline
5. Tango In The Night
6. Mystified
7. Little Lies
8. Family Man
9. Welcome To The Room...Sara
10. Isn't It Midnight
11. When I See You Again
12. You And I

Mirage

1. Love In Store
2. Can't Go Back
3. That's Alright
4. Book Of Love
5. Gypsy
6. Only Over You
7. Empire State
8. Straight Back
9. Hold Me
10. Oh Diane
11. Eyes Of The World
12. Wish You Were Here

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Behind The Mask - 1990

01. Skies The Limit
02. Love Is Dangerous
03. In The Back Of My Mind
04. Do You Know
05. Save Me
06. Affairs Of The Heart
07. When The Sun Goes Down
09. Behind The Mask
10. Hard Feelings
11. Freedom
12. When It Comes To Love
13. The Second Time
14. Stand On The Rock

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Time - 1995

01 - Talkin' To My Heart
02 - Hollywood (Some Other Kind Of Town)
03 - Blow By Blow
04 - Winds Of Change
05 - I Do
06 - Nothing Without You
07 - Dreamin' The Dream
08 - Sooner Or Later
09 - I Wonder Why
10 - Nights In Estoril
11 - I Got It In For You
12 - All Over Again
13 - These Strange Times

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Say You Will - 2003.

1. What's The World Coming To
2. Murrow Turning Over In His Grave
3. Illume
4. Thrown Down
5. Miranda
6. Red Rover
7. Say You Will
8. Peacekeeper
9. Come
10. Smile At You
11. Running Through The Garden
12. Silver Girl
13. Steal Your Heart Away
14. Bleed To Love Her
15. Everybody Finds Out
16. Destiny Rules
17. Say Goodbye
18. Goodbye Baby

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Eagles

2009-04-11T22:48:32+01:00

Eagles es una banda de rock clásico estadounidense que se dio a conocer en origen en Los Ángeles, California a principios de los años 70.

Inicialmente su música era un híbrido entre música country e instrumentación bluegrass injertadas en armonías del surfer rock californiano, y produciendo baladas sensibles y música ligera de aroma country y pop-rock con letras que hablaban de coches, relaciones y vidas sin rumbo. Los inventores de este género fueron cantautores dotados, entre ellos Gram Parsons, Jackson Browne, J.D. Souther, y Warren Zevon. Los Eagles encajaron el espíritu del cantautor en el marco de un grupo, con un marcado énfasis en los arreglos y en la maestría musical, y el sonido inicial del grupo llegó a ser sinónimo del country rock del sur de California. En álbumes posteriores el grupo prescindió de la instrumentación bluegrass y gravitó hacia un sonido claramente más rock.

La historia de Eagles comienza cuando Glenn Frey (cantante, guitarrista y compositor) y su amigo Don Henley (batería y cantante) se unen a la banda que acompañaba a Linda Ronstadt en la grabación de su disco "Silk Purse". Tras dos años de colaborar con dicha banda, ambos deciden abandonarla para crear su propio grupo. Para ello invitan a los músicos Bernie Leadon (cuerda) y Randy Meisner (bajo) a participar en el proyecto. A ellos se les unieron posteriormente Joe Walsh (guitarra y coros), Don Felder (guitarra) y Timothy B. Schmit (bajo).

The Eagles debutaron en 1972, rescatando el sonido sureño, mezclándolo con un exquisito toque de guitarra y un toque de rock un tanto suave, además de pinceladas de country y western. De el primer álbum homónimo de Eagles se desprendió el primer sencillo "Take it easy".

Su segundo álbum fue "Desperado" en 1973 con mucha tendencia western y country. En él se encuentran dos de sus sencillos más famosos: "Desperado" y "Tequila Sunrise". El tercer álbum de Eagles apareció en 1975 bajo el título de "On the Border", en el que destacó la balada "The best of my love", que llegó al número uno en las listas. El siguiente trabajo de la banda fue "One of These Nights", que plasmaba la desilusión de la juventud estadounidense a mediados de la década de los setenta. Tras las presiones para la publicación de este disco, Bernie Leadon abandonó los Eagles, siendo sustituido por Joe Walsh, quien introdujo en la banda un mayor peso del rock.

Después de este último disco, sale al mercado un recopilatorio: "Their greatest hits 1971-75". El disco incluye los éxitos de sus 4 últimos discos. Este álbum es el tercer disco más vendido de la historia de la música con más de 29 millones de copias vendidas, solo detras de "Thriller" de Michael Jackson y "Back in Black" de AC-DC.

En 1976 Eagles publica su mejor álbum y el más vendido. El título era "Hotel California", que terminó de catapultar a los Eagles a la cima de la fama y con el que ganaron un Grammy. En "Hotel California" los Eagles aportan su visión agridulce de la sociedad estadounidense a través de las ventanas de un hotel que representa metafóricamente el mundo de las drogas. "Hotel California" es uno de los discos más vendidos de la historia y su tema estrella y que le da título ha sido reconocida como una de las mejores canciones, y aun hoy en día sigue apareciendo en las listas de las 10 canciones más importantes de la historia de la música. De ese álbum se extrajo una frase que pasó a formar parte del lenguaje popular estadounidense: "vivir en la vía rápida" (Life in the fast lane). Tras la aparición de "Hotel California", Randy Meisner abandonó la banda, siendo sustituido por Timothy Schmidt.

El sexto álbum llevaba el título de "The Long Run", y supuso la ruptura de la formación. El disco resultó un éxito, con temas como "Heartache Tonight", "The Long Run" y "I Can't Tell You Why", pero los miembros de la banda ya habían decidido su futuro. El disco se grabó prácticamente a distancia, con los miembros de la banda a cientos o miles de kilómetros de cada uno. Corría el año 1980. Don Henley, Glenn Frey y Joe Walsh iniciaron carreras en solitario. Por esa época salen al mercado dos álbumes más. El primero es un recopilatorio de temas en directo: "Live". El segundo es la segunda parte del primer recopilatorio, aunando los éxitos a partir de "Hotel California".

En 1994, tras catorce años de separación y después de rechazar ofertas multimillonarias por volver a tocar juntos, los Eagles deciden unirse de nuevo para seguir su carrera. Su primer trabajo de esta nueva época es el álbum "Hell Freezes Over" (El Infierno se congela), con cuatro nuevos temas y 11 éxitos anteriores. El nombre del disco fue dado por Don Henley. Cuando le preguntaban cuándo volverían los Eagles, éste respondía diciendo: "...cuando el infierno se congele...".

En 2003 Eagles publica un doble disco recopilatorio con sus mejores temas. El título es "The complete greatest hits".

Y en 2007 publican "Long Road Out of Eden", séptimo y último álbum de estudio de la banda, del cual se desprende como primer sencillo "How Long"

Miembros del grupo

Fundadores

Glenn Frey - Guitarra/Teclados/Voz,
(nacido el 6 de noviembre de 1948 en Detroit, Michigan) huyó de los fríos inviernos y del mediocre ambiente musical de las fraternidades universitarias y los escenarios de los bares de Míchigan, aportando un patrimonio de rhythm and blues.

Don Henley - Percusión/Voz/Guitarra,
(nacido el 22 de julio de 1947 en Gilmer, Texas) estuvo a punto de licenciarse en la universidad, en la especialidad de Literatura Inglesa.

Bernie Leadon - Guitarra/mandolina/banjo/steel,
(nacido el 19 de julio de 1947 en Minneapolis, Minnesota) excepcional músico cuya pasión por el country y el bluegrass marcó el rumbo inicial del grupo. Dejó el grupo en 1975.

Randy Meisner - Bajo/Voz,
(nacido el 8 de marzo de 1946 en Scottsbluff, Nebraska) era un entusiasta de los coches y las motos que prefería pasar el tiempo con su familia a tocar el bajo en una banda de rock and roll. Abandonó el grupo en 1977.

Miembros posteriores

Don felder - Guitarra/Voz,
(nacido el 21 de septiembre de 1947 en Gainesville, Florida). Llegó al grupo en 1974, le despidieron en 2001. Joe Walsh - Guitarra/Voz, (nacido el 20 de noviembre de 1947 en Wichita, Kansas) sustituyó a Bernie Leadon. (se unió al grupo en 1975)

Timothy B. Schmit.Bajo/Voz,
(nacido el 30 de octubre de 1947 en Oakland, California, criado en Sacramento, California) sustituyó a Randy Meisner. Llegó al grupo en 1977.

Discografía

Álbumes de estudio

1972 The Eagles #22 US (Platinum)

1973 Desperado #41 US (2x Platinum)

1974 On the Border #17 US (2x Platinum)

1975 One of These Nights #1 US (4x Platinum)

1976 Hotel California #1 US (16x Platinum)

1979 The Long Run #1 US (7x Platinum)

2007 Long Road Out of Eden

Eagles (1972)

"Take It Easy" (Jackson Browne, Glenn Frey) – 3:34
Lead vocal by Glenn Frey
"Witchy Woman" (Don Henley, Bernie Leadon) – 4:14
Lead vocal by Don Henley
"Chug All Night" (Frey) – 3:18
Lead vocal by Glenn Frey
"Most of Us Are Sad" (Frey) – 3:38
Lead vocal by Randy Meisner
"Nightingale" (Browne) – 4:08
Lead vocal by Don Henley
"Train Leaves Here This Morning" (Gene Clark, Leadon) – 4:13
Lead vocal by Bernie Leadon
"Take the Devil" (Randy Meisner) – 4:04
Lead vocal by Randy Meisner
"Earlybird" (Leadon, Meisner) – 3:03
Lead vocal by Bernie Leadon
"Peaceful Easy Feeling" (Jack Tempchin) – 4:20
Lead vocal by Glenn Frey
"Tryin'" (Meisner) – 2:54
Lead vocal by Randy Meisner

STAFF:
Glenn Frey – lead guitars, keyboards, lead vocals
Don Henley – drums, guitar, lead vocals
Bernie Leadon – lead guitar, banjo, lead vocals
Randy Meisner – bass guitar, lead vocals

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Desperado (1973)

1. Doolin-dalton
2. Twenty-one
3. Out Of Control
4. Tequila Sunrise
5. Desperado
6. Certain Kind Of Fool
7. Doolin-dalton (Instr.)
8. Outlaw Man
9. Saturday Night
10. Bitter Creek
11. Doolin-dalton/Desperado (Reprise)

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On The Border (1974)

"Already Gone" (Tempchin, Strandlin) – 4:13
Lead vocal by Glenn Frey, guitar solos by Glenn Frey and Don Felder
"You Never Cry Like a Lover" (Souther, Henley) – 4:02
Lead vocal by Don Henley, lead guitar (uncredited ) by Bernie Leadon
"Midnight Flyer" (Paul Craft) – 3:59
Lead vocal by Randy Meisner, slide guitar by Glenn Frey, banjo by Bernie Leadon
"My Man" (Leadon) – 3:31
Lead vocal and pedal steel guitar by Bernie Leadon
"On the Border" (Henley, Leadon, Frey) – 4:28
Lead vocals by Don Henley, Glenn Frey
"James Dean" (Browne, Frey, Souther, Henley) – 3:37
Lead vocal by Glenn Frey, lead guitar: Bernie Leadon and Don Felder
"Ol' 55" (Waits) – 4:22
Lead vocals by Glenn Frey and Don Henley, pedal steel guitar by Al Perkins
"Is It True?" (Meisner) – 3:14
Lead vocal by Randy Meisner, slide guitar by Glenn Frey
"Good Day in Hell" (Henley, Frey) – 4:27
Lead vocals by Glenn Frey and Don Henley, slide guitar by Don Felder
"Best of My Love" (Henley, Frey, Souther) – 4:36
Lead vocal by Don Henley, pedal steel guitar by Bernie Leadon

STAFF:
Glenn Frey - lead vocals, lead guitars, piano
Don Henley - lead vocals, drums, guitar
Bernie Leadon - lead vocals, lead guitars, banjo, steel guitar
Randy Meisner - lead vocals, bass
Don Felder - vocals electric guitar

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One of These Nights (1975)

"One of These Nights" (Henley, Frey) – 4:51
Lead vocals by Don Henley and Randy Meisner
"Too Many Hands" (Meisner, Felder) – 4:43
Lead vocal by Randy Meisner
"Hollywood Waltz" (B. Leadon, Tom Leadon, Henley, Frey) – 4:04
Lead vocal by Don Henley
"Journey of the Sorcerer" (Leadon) – 6:40
instrumental
"Lyin' Eyes" (Henley, Frey) – 6:22
Lead vocal by Glenn Frey
"Take It to the Limit" (Meisner, Henley, Frey) – 4:49
Lead vocal by Randy Meisner
"Visions" (Felder, Henley) – 4:00
Lead vocal by Don Felder
"After the Thrill Is Gone" (Henley, Frey) – 3:58
Lead vocals by Glenn Frey and Don Henley
"I Wish You Peace" (Davis, Leadon) – 3:45
Lead vocal by Bernie Leadon

STAFF:
Don Felder - vocals, guitar, slide guitar, organ
Glenn Frey - vocals, guitar, keyboards, harmonium
Don Henley - vocals, drums, percussion, tablas
Bernie Leadon - vocals, guitar, banjo, mandolin, steel guitar, pedal steel
Randy Meisner - vocals, bass guitar, guitar

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Hotel California (1975)

1.- Hotel California (6:31)
2.- New Kid In Town (5:04)
3.- Life In The Fast Lane (4:46)
4.- Wasted Time (4:55)
5.- Wasted Time (Reprise) (1:23)
6.- Victim Of Love (4:09)
7.- Pretty Maids All In A Row (3:59)
8.- Try And Love Again (5:11)
9.- The Last Resort (7:28)

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Long Road Out Of Eden (2007)

"No More Walks in the Wood" (Don Henley, Steuart Smith, John Hollander) - 2:00
"How Long" (J. D. Souther) - 3:15
"Busy Being Fabulous" (Don Henley, Glenn Frey) - 4:20
"What Do I Do With My Heart" (Glenn Frey, Don Henley) - 3:54
"Guilty of the Crime" (Frankie Miller, Jerry Lynn Williams) - 3:43
"I Don't Want To Hear Any More" (Paul Carrack) - 4:21
"Waiting in the Weeds" (Don Henley, Steuart Smith) - 7:46
"No More Cloudy Days" (Glenn Frey) - 3:50
"Fast Company" (Don Henley, Glenn Frey) - 3:59
"Do Something" (Don Henley, Timothy B. Schmit, Steuart Smith) - 5:09
"You Are Not Alone" (Glenn Frey) - 2:24
"Long Road Out of Eden" (Don Henley, Glenn Frey, Timothy B. Schmit) - 10:17
"I Dreamed There Was No War" (Glenn Frey) - 1:38
"Somebody" (Jack Tempchin, John Brannen) - 4:09
"Frail Grasp on the Big Picture" (Don Henley, Glenn Frey) - 5:46
"Last Good Time in Town" (Joe Walsh) - 7:07
"I Love To Watch a Woman Dance" (Larry John McNally) - 3:16
"Business as Usual" (Don Henley, Steuart Smith) - 5:31
"Center of the Universe" (Don Henley, Glenn Frey, Steuart Smith) - 3:42
"It's Your World Now" (Glenn Frey, Jack Tempchin) - 4:22

STAFF:
Glenn Frey – guitars, keyboard, bass guitar, vocals
Don Henley – drums, percussion, guitar, vocals
Joe Walsh – guitars, keyboard, vocals
Timothy B. Schmit – bass guitar, vocals

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The Complete Greatest Hits (2008)

CD 1

01 (3:30) Take It Easy
02 (4:11) Witchy Woman
03 (4:16) Peacful Easy Feeling
04 (3:33) Desperado
05 (2:52) Tequila Sunrise
06 (3:27) Doolin-Dalton
07 (4:16) Already Gone
08 (4:34) The Best Of My Love
09 (3:3Cool James Dean
10 (4:22) Ol' 55
11 (3:5Cool Midnight Flyer
12 (4:23) On The Border
13 (6:21) Lyin' Eyes
14 (4:50) One Of These Nights
15 (4:47) Take It To The Limit
16 (3:56) After The Thrill Is Gone
17 (6:30) Hotel California

CD 2

01 (4:45) Life In The Fast Lane
02 (4:54) Wasted Time
03 (4:10) Victim Of Love
04 (7:2Cool The Last Resort
05 (5:05) New Kid In Town
06 (2:5Cool Please Come Home For Christmas
07 (4:25) Heartache Tonight
08 (5:33) The Sad Cafe
09 (4:53) I Can't Tell You Why
10 (3:41) The Long Run
11 (3:45) In The City
12 (4:56) Those Shoes
13 (3:04) Seven Bridges Road (Live)
14 (4:02) Love Will Keep Us Alive
15 (3:30) Get Over It
16 (4:19) Hole In The World

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Chicago

2009-04-05T20:44:06+01:00

Chicago es, junto con Blood, Sweat & Tears (BS&T), la banda más representativa de lo que se dio en llamar Jazz Rock. Se fundó en la ciudad de su mismo nombre, en 1967, aunque inicialmente se denominó Chicago Transit Authority, nombre que debieron recortar por problemas jurídicos con el ayuntamiento de la ciudad. El grupo aún permanece en activo en 2009.

El comienzo: 1967-1968

La banda estuvo integrada, inicialmente, por Lee Loughnane (trompeta), James Pankow (trombón), Walter Parazaider (saxos, flauta), Robert Lam (voz, piano, órgano), Terry Kath (guitarra, voz), Peter Cetera (bajo, voz) y Danny Seraphine (batería, percusión). Al contrario que BS&T, Chicago mantuvo esta formación bastante estable, a lo largo de su historia.

El grupo se formó en el invierno de 1967, a partir del núcleo de la banda de Kath, Parazaider y Seraphine, que se llamaba The Missing Links, durante una jam session en la Universidad De Paul, cuando se les unieron en el escenario Pankow y Loughnane. El nuevo grupo se llamó The Big Thing, y se completó poco después con Cetera y Lam. Fue éste quien embarcó a la banda en una gira a Los Ángeles, donde, ya bajo el nombre de Chicago Transit Authority, cosecharon un inesperado éxito.

Ese mismo año, el productor James William Guercio, decidió tutelarlos y, por ello, renunció a producir el primer disco de BS&T, tal como le había pedido Al Kooper. Sí produjo, sin embargo, el segundo, aunque sólo después de que CBS le hubiese dado luz verde a la grabación del primer álbum de "sus chicos".

Chicago 1967

La etapa creativa: 1969-1971

El primer álbum apareció bajo el nombre del propio grupo, Chicago Transit Authority (Columbia, 1969) y se trató de un disco doble. Algunos de los cortes incluidos en este primer álbum doble son esenciales en el sonido del rock americano de finales de esa década: el progresivo y, como se decía entonces, underground I'm a man; la electrizante Free form guitar; temas robustos y sólidos, como Introduction; verdaderas joyas pop como Does anybody really know what time it is? o Beginnings, con su set final de percusión... . El álbum tuvo un impacto mediático enorme y logró índices de venta suficientes en todo el mundo, como para que el grupo realizara una primera gira por Europa, en otoño de 1969.

En España, este primer álbum doble, por razones de cautela comercial de CBS, se publicó como dos álbumes sencillos e independientes entre sí, con varios meses de diferencia: Chicago Transit Authority y I'm a man.

Un año más tarde, la banda publicó su segundo álbum doble, bajo el título de Chicago II (1970). Este nuevo disco contenía varios hits, como 25 or 6 to 4, y algunas de sus obras maestras: La suite Ballet for a girl in Buchanan, en siete partes, o el tema Poem for the people. También incluyó una hermosa composición de música contemporánea, compuesta por Terry Kath y orquestada por Peter Maty, llamada Prelude / Mourning; además de algunos buenos temas pop, como Where do we go from here?.

El tercer disco, también doble, llamado, por supuesto, Chicago III (1971), abundó en la misma línea que el anterior, y tiene también un buen nivel creativo, aunque es inferior a los dos anteriores. Incluyó también tres suites, entre las que destaca la poderosa An hour in the shower, cantada por Kath. No hubo, en este caso, ningún superhit, aunque el disco logró muy buenas ventas.

Chicago 1971

Decadencia creativa, Éxito comercial: 1972-1977

Ese mismo año, la banda rizó el rizo con la publicación de un cuádruple álbum en directo, Chicago IV (1971), que no aportó realmente nada a su discografía. Su época de oro pareció claramente concluida con el disco Chicago V (1972) que, aún cuando contenía algunos buenos temas (Dialogue, A hit by Varese...) y algún hit remarcable (Saturday in the park), carecía ya del nivel creativo de los tres primeros.. Ese mismo año, se publicó otro álbum en directo, Live in Japan (1972).

Los siguientes años vieron cómo el grupo sacaba nuevos discos a un ritmo infernal (6 discos en 5 años). El grupo se había reforzado con un percusionista, Laudir de Oliveira, que ya había colaborado con ellos en algunas giras, y la producción seguía en manos de Guercio, pero su música fue perdiendo fuelle creativo, lo que no obstó para que mantuvieran un considerable éxito comercial, especialmente con su álbum Chicago X (1976), que contenía su más conocido hit: If you leave me now, una hermosa balada, cantada por Cetera, que fue un éxito a nivel mundial y motivó una nueva gira por Europa.

Chicago 1976

La crisis: 1978-1983

En 1978, Guercio abandona definitivamente la producción del grupo, y la banda entra en una profunda crisis. Terry Kath muere de un disparo cuando jugaba a la ruleta rusa, y su puesto lo cubre el guitarrista Donnie Dacus. Los siguientes discos, Hot streets (1978) y XIII (1979), producidos por Phil Ramone, son un relativo fracaso comercial y artístico, igual que el mediocre XIV (1980). Por primera vez desde la aparición del grupo, un nuevo disco de Chicago no entraba en las listas de ventas (Top 50) de Billboard, ni siquiera en los últimos puestos.

Musicalmente, la banda cae en una repetición monótona de esquemas, abusando de los sonidos Soft Rock, y clonando sucesivas baladas cantadas por Cetera, en un intento de reeditar el éxito de 1976. Durante la gira 1982-83, Dacus es sustituido por Bill Champlin, y el disco que se publica ese año, Chicago 16, vuelve a entrar en las listas de ventas.

El primer sencillo de este álbum, "Hard to say i´m sorry", alcanza el número 1 en Billboard y en otros listados de popularidad en el mundo. Así, parece terminarse la crisis.

Chicago 1982

La supervivencia: 1984-2007

El disco Chicago 17 (1984) es el último que graba Peter Cetera, que contiene dos de sus más grandes éxitos de soft rock cosechados en su historia "Hard Habit to break" y "You're the inspiration". Peter Cetera decide abandonar la banda e iniciar una aventura discográfica de manera solitaria. Y el elegido, tras realizar numerosas audiciones, es Jason Scheff, quien se ajustaba a lo que la banda estaba buscando (un buen cantante, con un cierto toque "Cetera" y un gran bajista, hijo del bajista que solía acompañar a Elvis Presley). Algunos cambios más se producen en la década de 1990, año en que Danny Seraphine abandona el grupo y es sustituido por Tris Imboden. Algunos años después (1995), Keith Howland se une al grupo como guitarrista definitivo, al convencer al resto de la banda. Según declaraciones de miembros de la banda, desde la muerte de Terry Kath no habían encontrado el sonido ni el toque de guitarra que buscaban, hasta la aparición de Keith Howland; sonido que no habían encontrado en guitarristas como Donnie Dacus, Chris Pinnick o Dwayne Bailey.

Peter Cetera Jason Scheff

En todo este período, Chicago sigue sacando discos con regularidad y realizando giras por EE.UU.. Los discos de estudio, desde luego, ya no tienen ningún interés musical, refugiados en su cómodo soft-rock, ni tampoco logran grandes ventas. No es el caso de los recopilatorios, que se siguen editando cada cierto tiempo y que logran mejores resultados comerciales.

El grupo sigue en activo en 2008 y con una agenda repleta de conciertos, gracias a sus dos últimos discos de estudio, Chicago XXX, publicado en 2006, un disco con ciertos toques, muy lejanos, del Chicago antiguo y en donde se reflejan esas baladas que son tan características de la banda, y Chicago XXXII.

Chicago Casino de Paris, 29 de Julio de 2008

Discografia

The Chicago Transit Authority. (Abril 1969)

Chicago. (Enero 1970)

Chicago III. (Enero 1971)

Chicago At Carnegie Hall (en vivo). (Octubre 1971)

Chicago V. (Julio 1972)

Chicago VI. (Junio 1973)

Chicago VII. (Marzo 1974)

Chicago VIII. (Marzo 1975)

Chicago IX - Chicago's Greatest Hits (recopilación). (Noviembre 1975)

Chicago X. (Junio 1976)

Chicago XI. (Septiembre 1977)

Hot Streets. (Septiembre 1978)

Chicago 13. (Agosto 1979)

Chicago XIV. (Julio 1980)

Greatest Hits, Volume II (recopilación). (Noviembre 1981)

Chicago 16. (Junio 1982)

Chicago 17. (Mayo 1984)

Chicago 18. (Septiembre 1986)

Chicago 19. (Junio 1988)

Greatest Hits 1982-1989 (recopilación). (Noviembre 1989)

Twenty 1. (Enero 1991)

Night & Day Big Band. (Mayo 1995)

The Heart Of Chicago 1967-1997 (recopilación). (Abril 1997)

The Heart Of Chicago 1967–1998 Volume II (recopilación). (Mayo 1998)

Chicago XXV: The Christmas Album. (Agosto 1998)

Chicago XXVI: Live In Concert (en vivo). (Octubre 1999)

The Very Best Of: Only The Beginning (recopilación). (Julio 2002)

The Box (recopilación). (Julio 2003)

Love Songs (recopilación). (Enero 2005)

Chicago XXX. (Marzo 2006)

The Best Of Chicago: 40th Anniversary Edition (recopilación). (Octubre 2007)

Chicago XXXII: Stone Of Sisyphus. (Junio 2008)

Transit Authority - (1969)

01. Introduction
02. Does Anybody Really Know What Time It Is
03. Beginnings
04. Questions 67 & 68
05. Listen
06. Poem
07. Free Form Guitar
08. South California Purples
09. I'm a Man
10. Prologue, August 29, 1968
11. Someday (August 29, 1968)
12. Liberation

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Chicago - II - (1970)

01. Movin' In
02. The Road
03. Poem For The People
04. In The Country
05. Wake Up Sunshine
06. Make Me Smile
07. So Much To Say, So Much To Give
08. Anxiety's Moment
09. West Virginia Fantasies
10. Colour My World
11. To Be Free
12. Now More Than Ever
13. Fancy Colours
14. 25 Or 6 To 4
15. Prelude
16. A.M. Mourning
17. P.M. Mourning
18. Memories Of Love
19. It Better End Soon 1st Movement
20. It Better End Soon 2nd Movement
21. It Better End Soon 3rd Movement
22. It Better End Soon 4th Movement
23. Where Do We Go From Here

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Chicago - III - (1971)

01. Sing A Mean Tune Kid
02. Loneliness Is Just A Word
03. What Else Can I Say
04. I Don't Want Your Money
05. Flight 602
06. Motorboat To Mars
07. Free
08. Free Country
09. At The Sunrise
10. Happy 'Cause I'm Going Home
11. Mother
12. Lowdown
13. A Hard Risin' Morning Without Breakfast
14. Off To Work
15. Fallin' Out
16. Dreamin' Home
17. Morning Blues Again
18. When All The Laughter Dies In Sorrow
19. Canon
20. Once Upon A Time ...
21. Progress
22. The Approaching Storm
23. Man Vs. Man The End

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Chicago - V - (1972)

01. A Hit By Varese
02. All Is Well
03. Now That You've Gone
04. Dialogue
05. Dialogue
06. While The City Sleeps
07. Saturday In The Park
08. State Of The Union
09. Goodbye
10. Alma Mater

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Chicago - VI - (1973)

01. Critics' Choice
02. Just You 'N' Me
03. Darlin' Dear
04. Jenny
05. What's This World Comin' To
06. Something In This City Changes People
07. Hollywood
08. In Terms Of Two
09. Rediscovery
10. Feelin' Stronger Every Day

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Chicago - IX Chicago Greatest Hits - (1975)

01. 25 Or 6 To 4
02. Does Anybody Really Know What Time It Is
03. Colour My World
04. Just You 'N' Me
05. Saturday In The Park
06. Feelin' Stronger Every Day
07. Make Me Smile
08. Wishing You Were Here
09. Call On Me
10. (I've Been) Searchin' So Long
11. Beginnings

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Chicago - Hot Streets - (1978)

01. Alive Again
02. The Greatest Love On Earth
03. Little Miss Lovin'
04. Hot Streets
05. Take A Chance
06. Gone Long Gone
07. Ain't It Time
08. Love Was New
09. No Tell Lover
10. Show Me The Way

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Chicago - 16 - (1982)

01. What You're Missing
02. Waiting For You To Decide
03. Bad Advice
04. Chains
05. Hard To Say I'm Sorry-Get Away
06. Follow Me
07. Sonny Think Twice
08. What Can I Say
09. Rescue You
10. Love Me Tomorrow

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Chicago - 17 - (1984)

01. Stay The Night
02. We Can Stop The Hurtin'
03. Hard Habit To Break
04. Only You
05. Remember The Feeling
06. Along Comes A Woman
07. You're The Inspiration
08. Please Hold On
09. Prima Donna
10. Once In A Lifetime

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Chicago - 18 - (1986)

01. Niagara Falls
02. Forever
03. If She Would Have Been Faithful...
04. 25 Or 6 To 4
05. Will You Still Love Me
06. Over And Over
07. It's Alright
08. Nothin's Gonna Stop Us Now
09. I Believe
10. One More Day

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Chicago - 19 - (1988)

01. Heart In Pieces
02. I Don't Wanna Live Without Your Love
03. I Stand Up
04. We Can Last Forever
05. Come In From The Night
06. Look Away
07. What Kind Of Man Would I Be
08. Runaround
09. You're Not Alone
10. Victorious

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Chicago - Greatest Hits 1982-1989 - (1989)

01. Hard To Say I'm Sorry-Get Away
02. Look Away
03. Stay The Night
04. Will You Still Love Me
05. Love Me Tomorrow
06. What Kind Of Man Would I Be (Remix)
07. You're The Inspiration
08. I Don't Wanna Live Without Your Love
09. Hard Habit To Break
10. Along Comes A Woman
11. If She Would Have Been Faithful...
12. We Can Last Forever

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Chicago - The Heart Of Chicago - (1989)

01. If You Leave Me Now
02. Baby What A Big Surprise
03. Where Did The Loving Go
04. Take Me Back To Chicago
05. Hard To Say I'm Sorry
06. Love Me Tomorrow
07. Hard Habit To Break
08. Only You
09. You're The Inspiration
10. Along Comes A Woman
11. Remember The Feeling
12. If She Would Have Been Faithful
13. Will You Still Love Me
14. What Kind Of Man Would I Be
15. Look Away

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Chicago - Twenty 1 - (1991)

01. Explain It To My Heart
02. If It Were You
03. You Come To My Senses
04. Somebody, Somewhere
05. What Does It Take
06. One From The Heart
07. Chasin' The Wind
08. God Save The Queen
09. Man To Woman
10. Only Time Can Heal The Wounded
11. Who Do You Love
12. Holdin' On

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Chicago - Night & Day - (1995)

01. Chicago
02. Caravan
03. Dream A Little Dream Of Me
04. Goody Goody
05. Moonlight Serenade
06. Night & Day
07. Blues In The Night
08. Sing, Sing, Sing
09. Sophisticated Lady
10. In The Mood
11. Don't Get Around Much Anymore
12. Take The A Train

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Chicago - 25 The Chrismas Album - (1998)

01. Little Drummer Boy
02. God Rest Ye Merry Gentlemen
03. Have Yourself a Merry Little Christmas
04. Christmas Song
05. O Come All Ye Faithful
06. Child's Prayer
07. Feliz Navidad
08. Santa Claus Is Coming to Town
09. Christmas Time Is Here
10. Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow!
11. What Child Is This
12. White Christmas
13. Silent Night
14. One Little Candle

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The Chicago Story: Complete Greatest Hits - (2002)

CD1

01. If You Leave Me Now
02. Hard to Say I'm Sorry
03. You're the Inspiration
04. Hard Habit to Break
05. Will You Still Love Me
06. Baby, What a Big Surprise
07. Look Away
08. What Kind of Man Would I Be
09. I Don't Wanna Live Without Your Love
10. Love Me Tomorrow
11. Just You 'n' Me
12. Happy Man
13. You're Not Alone
14. Chasin' the Wind
15. Wishing You Were Here
16. No Tell Lover
17. (I've Been) Searchin' So Long
18. Colour My World
19. You Come to My Senses
20. We Can Last Forever

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CD2

01. 25 Or 6 To 4
02. Saturday In The Park
03. Questions 67 & 68
04. I'm A Man
05. Stay The Night
06. Only You
07. Dialogue (Part I & II)
08. Old Days
09. Beginnings
10. Lowdown
11. Another Rainy Day In New York City
12. Call On Me
13. Feelin' Stronger Every Day
14. Take Me Back To Chicago
15. Sing, Sing, Sing
16. Along Comes A Woman
17. Does Anybody Really Know What Time It Is
18. Make Me Smile
19. Street Player

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Chicago - Love Songs - (2005)

01. You're The Inspiration
02. If You Leave Me Now (Live 2004 ft. Philip Bailey)
03. Hard To Say I'm Sorry-Get Away
04. Here In My Heart
05. Call On Me
06. Colour My World
07. Just You 'n' Me
08. After The Love Has Gone
09. Hard Habit To Break
10. Look Away
11. Beginnings
12. Happy Man
13. Will You Still Love Me
14. No Tell Lover
15. I Don't Wanna Live Without Your Love
16. Never Been In Love Before
17. What Kind Of Man Would I Be
18. Wishing You Were Here

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Chicago - XXX - (2006)

01 Feel (Hot Single Mix)
02 King Of Might Have Been
03 Caroline
04 Why Can't We
05 Love Will Come Back
06 Long Lost Friend
07 90 Degrees And Freezing
08 Where Were You
09 Already Gone
10 Come To Me, Do
11 Lovin' Chains
12 Better
13 Feel (With Horns)

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Chicago - Stone Of Sisyphus XXXII - (2008)

01 Stone OF Sisyphus
02 Bigger Than Elvis
03 All The Years
04 Mah-Jong
05 Sleeping In The Middle Of The Bed
06 Let's Take A Lifetime
07 The Pull
08 Here With Me (A Candle For The Dark)
09 Plaid
10 Cry For The Lost
11 The Show Must Go On
12 Love Is Forever (Demo) (Bonus Track)
13 Mah-Jong (Demo) (Bonus Track)
14 Let's Take A Lifetime (Demo) (Bonus Track)
15 Stone OF Sisyphus (No Rhythm Loop)

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Dire Straits

2009-04-03T00:00:40+01:00

Dire Straits fue una banda de rock británica, fundada en 1977 por Mark Knopfler (guitarra y voz), David Knopfler (guitarra), John Illsley (bajo) y Pick Withers (batería), con Ed Bicknell como director. Fue disuelta en 1995.

Comienzos

Mark Knopfler, originario de Escocia, se trasladó a Londres para trabajar. Allí colaboraba para distintos periódicos y trabajaba de profesor. Mark no se lanzaba a tratar de vivir plenamente de su pasión, la música. Tras unas colaboraciones no profesionales con su amigo Steve Phillips, Mark pasó a formar parte del grupo Brewer's Droop; donde conoció al batería Pick Whiters. Tras la grabación del álbum Booze Brothers, la banda se disolvió y Pick volvió a trabajar como batería de estudio para otros músicos. Mark volvió a la rutina viviendo con su hermano. En 1977, durante una fiesta, Mark conoció a John Illsley, que tocaba el bajo. Fue entonces cuando decidieron formar un grupo: Mark, su hermano David, John y el antiguo batería de "Brewer's Broop", Pick Whiters. En un comienzo, el nombre de la banda fue "Cafe Racers"; ya que Mark pedía a gerentes de los pubs que los dejasen actuar, de forma que la música sonase de fondo, permitiendo a la gente hablar. Este hecho de interpretar su repertorio, principalmente compuesto por Mark aunque con canciones de David y versiones de otros músicos, en los pubs de Londres los unía a otras muchas bandas británicas del momento (este tipo de banda con sonido precario y de entretenimiento es lo que pasaría a denominarse pub-band). Finalmente, fue Pick el que propuso cambiar el nombre a Dire Straits (que en inglés viene a significar "malos momentos") debido a la penosa situación económica que vivían en aquellos días. En una etapa en que se produjo la eclosión del punk rock, ellos tenían un sonido distinto, casi rock and roll a la antigua usanza.

Dire Straits grabó y realizó su primer álbum homónimo en 1978 con poca aceptación hasta que cinco meses después se lanzó un sencillo, "Sultans of Swing", que se convertiría en uno de los himnos de la banda, gracias a este sencillo el disco se convirtió finalmente en uno de los más vendidos. El segundo álbum, "Communiqué" se lanzó poco después; estos dos primeros trabajos configuraron el sonido de la banda y en ellos se encuentran algunos de los temas más emblemáticos como el ya mencionado "Sultans of Swing", en el disco "Dire Straits" o "Once upon a time in the West" y "Portobello Belle", en "Communiqué".

Hacia una mayor complejidad

El tercer álbum, "Making Movies" con la colaboración a los teclados de Roy Bittan (de la E Street Band de Bruce Springsteen) marcó un cambio hacia unos arreglos y una producción más elaborados, tendencia que se mantendría a lo largo de la carrera de la banda. Este disco es una auténtica obra maestra y en él se incluyen temas como "Tunnel of Love" y "Romeo and Juliet", que toma el título de la obra de Shakespeare y trata de un amor imposible. También están otros grandes éxitos como "Expresso Love" y "Solid Rock". El álbum marcaría además la partida del grupo de David Knopfler que sería sustituido a mitad de la grabación por Sid McGinnis (aunque ninguno de los dos aparecerían en los créditos del álbum).

Para cubrir el hueco dejado por David, la banda contrató a Hal Lindes y además, incorporó un teclista a la formación, Alan Clark. Con el nuevo personal, el siguiente álbum fue publicado en 1982 bajo el título "Love Over Gold", con sólo cinco canciones aunque todas ellas de larga duración. Tras su grabación, el baterista Pick Whiters abandonaría la banda; siendo sustituido por Terry Williams de la banda de Dave Edmunds, Rockpile. Este cambio hizo volver a sus orígenes de pub-band británica (al igual que lo era Rockpile); con un sonido más sencillo y desenfadado, frente al rock complejo de sus últimos trabajos. El resultado fue un EP con tres canciones bailables, titulado "Extended Dance", que incluiría los conocidos temas "Twisting By The Pool" y "Two Young Lovers".

El siguiente disco de larga duración en salir al mercado fue el directo "Alchemy" en 1984, en el que se recogen casi todos los mejores temas de la banda y el inolvidable "Going Home" de la película "Local Hero", cuya banda sonora fue publicada como trabajo en solitario de Mark Knopfler. También firmaría en solitarío en estos años las bandas sonoras de "Comfort & Joy" y "Cal", donde conocería al teclista Guy Fletcher.

Éxito masivo

Los cambios continuaron en la alineación de la banda: salió Hal Lindes y entró Jack Sonni para sustituirlo. Además, la banda contrata a Guy Fletcher como un segundo teclista. En 1985 se lanza a la venta Brothers In Arms que fue un gigantesco éxito internacional, del que salieron varios singles, incluyendo el que fue número uno "Money for Nothing". En el álbum participaba también Sting entre otros. La portada de este disco, con una de las guitarras de Mark Knopfler en ella, es una de las más famosas de la historia de la música contemporánea. En este disco se encuentran, además del ya mencionado "Money for Nothing", temas como "So far away", "Walk of Life" o "Brothers in Arms", canción que trata del horror de la guerra con un fondo musical que hace la letra aún más estremecedora, si cabe.

La gira mundial que siguió al álbum en 1985-86 fue un auténtico éxito, incluyendo una aparición en Live Aid el 13 de Julio de 1985, con Sting como vocalista invitado. La gira finalizó en el Entertainment Centre de Sydney, Australia, donde Dire Straits todavía mantiene el récord de apariciones consecutivas (21 noches), la última de las cuales es conocida por su versión calypso de "So Far Away" y una improvisación de la canción folk australiana "Waltzing Matilda". En un período de dos años, Dire Straits tocó 247 conciertos en más de 100 ciudades diferentes.

Ayudó al gran éxito de este disco, Brothers in Arms, el hecho de que fue uno de los primeros trabajos grabado digitalmente en su totalidad y que estuvo disponible en el novedoso (en aquel momento) formato Compact Disc. Esto tuvo el efecto colateral de hacerlo uno de los álbumes más vendidos entre los consumidores partidarios de esta nueva tecnología. Asimismo, el nuevo formato era un excelente escaparate para una meticulosa producción de Knopfler de sus primeros álbumes, lo que llevó a muchos seguidores a volver a comprar los anteriores trabajos. En parte como resultado de esto Dire Straits fue la banda con mayores ventas en el mundo a mediados de los años 80.

Últimos años

En los siguientes seis años tuvieron un largo periodo de inactividad, donde los distintos miembros de la banda continuaron con sus trabajos en solitario. Tan sólo rompieron el silencio con la publicación del recopilatorio Money for Nothing (1988) y con la exitosa aparición en el concierto de celebración del 70 aniversario de Nelson Mandela junto a Eric Clapton (Wembley Stadium, Londres, 18 de junio de 1988). Su último álbum de estudio, On Every Street, se lanzó en 1991. En él participaba el personal de Brothers In Arms junto a un conjunto de músicos de estudio. El álbum fue recibido con división de opiniones y un éxito moderado. La gira de 1991-92 (inicialmente planificada para 300 conciertos hasta bien entrado el 93) que siguió a On Every Street no tuvo tanto éxito como la anterior de 1985-86. El último concierto de Dire Straits tuvo lugar el 9 de octubre de 1992 ante unas 40.000 personas en el Estadio de la Romareda de Zaragoza, España. Más adelante, publicarían los directos On The Night (de la gira 1991-92) y Live at the BBC (con temas en directo grabados en la emisora pública inglesa en los primeros años de actividad de la banda) en los años 1993 y 1995, respectivamente. La banda volvió al silencio.

Finalmente, en 1995, la banda anunció su disolución. Mark Knopfler se concentraría en proyectos en solitario y bandas sonoras para películas; muchas de ellas, en colaboración con el teclista de Dire Straits, Guy Fletcher. El bajista John Illsley, el único miembro junto a Mark Knopfler que se había mantenido desde los inicios, pasó a dedicarse por completo a la pintura. Otros antiguos miembros continuaron sus carreras musicales, como David Knopfler o el batería Pick Whiters, que pasó a trabajar en bandas de jazz.

Dire Straits (1978)

01. Down To The Waterline
02. Water Of Love
03. Setting Me Up
04. Six Blade Knife
05. Southbound Again
06. Sultans Of Swing
07. In The Gallery
08. Wild West End
09. Lions
10. Eastbound Train
11. Real Girl

Communiqué (1979)

01. Once Upon A Time In The West
02. News
03. Where Do You Think You’re Going?
04. Communiqué
05. Lady Writer
06. Angel Of Mercy
07. Portobello Belle
08. Single Handed Sailor
09. Follow Me Home

Making Movies (1980)

01. Tunnel of Love
02. Romeo and Juliet
03. Skateaway
04. Expresso Love
05. Hand in Hand
06. Solid Rock
07. Les Boys

Love Over Gold (1982)

01. Telegraph Road
02. Private Investigations
03. Industrial Disease
04. Love Over Gold
05. It Never Rains

Alchemy (1984)

CD 1
01. Once upon a Time in the West
02. Expresso Love
03. Romeo and Juliet
04. Love Over Gold
05. Private Investigations
06. Sultans of Swing

CD 2
01. Two Young Lovers Intro: The Carousel Waltz
02. Tunnel of Love
03. Telegraph Road
04. Solid Rock
05. Going Home: Theme of the Local Hero

Brothers In Arms (1985)

01. So Far Away
02. Money For Nothing
03. Walk Of Life
04. Your Latest Trick
05. Why Worry
06. Ride Across The River
07. The Man’s Too Strong
08. One World
09. Brothers In Arms

Money For Nothing (1988)

01. Sultans Of Swing
02. Down To The Waterline
03. Portobello Belle
04. Twisting By The Pool
05. Romeo And Juliet
06. Where Do You Think You’re Going
07. Walk Of Life
08. Private Investigations
09. Telegraph Road
10. Money For Nothing
11. Tunnel Of Love
12. Brothers In Arms

On Every Street (1991)

01. Calling Elvis
02. On Every Street
03. When It Comes To You
04. Fade To Black
05. The Bug
06. You and Your Friend
07. Heavy Fuel
08. Iron Hand
09. Ticket To Heaven
10. My Parties
11. Planet Of New Orleans
12. How Long

On The Night (1993)

01. Calling Elvis
02. Walk of Life
03. Heavy Fuel
04. Romeo and Juliet
05. Private Investigations
06. Your Latest Trick
07. On Every Street
08. You and Your Friend
09. Money for Nothing
10. Brothers in Arms

Live At The BBC (1995)

01. Down to the Waterline
02. Six Blade Knife
03. Water of Love
04. Wild West End
05. Sultans of Swing
06. Lions
07. What’s the Matter Baby?
08. Tunnel of Love

Sultans Of Swing:
The Very Best Of Dire Straits (1998)

CD 1

01. Sultans of Swing
02. Lady Writer
03. Romeo and Juliet
04. Tunnel of Love
05. Private Investigations
06. Twisting by the Pool
07. Love Over Gold
08. So Far Away
09. Money for Nothing
10. Brothers in Arms
11. Walk of Life
12. Calling Elvis
13. Heavy Fuel
14. On Every Street
15. Your Latest Trick (Live)
16. Local Hero / Wild Theme (Live)

CD 2
01. Calling Elvis (Live)
02. Walk of Life (Live)
03. Last Exit to Brooklyn (Live)
04. Romeo and Juliet (Live)
05. Sultans of Swing (Live)
06. Brothers in Arms (Live)

El PASS para todos los archivos es :

jvbosch

Electric Light Orchestra

2009-03-29T23:11:08+01:00

Electric Light Orchestra, comúnmente abreviado como E.L.O., fue un grupo de rock sinfónico natural de Birmingham, Inglaterra, liderado por Jeff Lynne y con una trayectoria que se trasladó principalmente desde 1971 hasta 1986, con un breve retorno entre 2000 y 2001.

A mediados de los años setenta, la Electric Light Orchestra se convirtió en una de las bandas con mayores ventas en la industria de la música. De 1972 a 1986, la ELO acumuló veintiseis sencillos de éxito en el Reino Unido y veinte en los Estados Unidos. El grupo también mantiene el récord de éxitos en el Top 40 de la historia de Billboard sin haber cosechado un número uno. Por otra parte, la Electric Light Orchestra ha obtenido 21 premios de la RIAA, 38 de la BPI y ha vendido más de 100 millones de álbumes a nivel global.

1970-1974: Origen del grupo

A finales de los años sesenta, Roy Wood, guitarrista, vocalista y compositor en The Move, ideó la creación de un nuevo grupo que utilizara cellos, violines y secciones de viento y de cuerda para dar a su música un sonido clásico con el fin de "tomar el relevo dejado por The Beatles" con canciones prototipo como "Strawberry Fields Forever" e "I Am The Walrus". Jeff Lynne, líder del grupo The Idle Race, se vio interesado en la idea. En enero de 1970, cuando Carl Wayne abandonó The Move, Lynne aceptó la invitación de Wood para unirse al grupo.

El 12 de julio de 1970, cuando Wood añadió varios violonchelos a una canción de Lynne, el concepto original surgió efecto, creando "10538 Overture", el primer tema de la Electric Light Orchestra. Para financiar la incipiente banda, Wood publicó bajo el nombre de The Move dos nuevos álbumes durante las largas grabaciones con la Electric Light Orchestra. El álbum debut, The Electric Light Orchestra, fue finalmente publicado en 1971 (1972 en los Estados Unidos bajo el título de No Answer), mientras que el sencillo "10538 Overture" entró en los diez primeros puestos de las listas británicas.

Sin embargo, pronto surgieron tensiones entre Wood y Lynne en base a problemas de representación. En medio de las sesiones de grabación del segundo trabajo del grupo, Wood abandonó la formación, llevándose al cellista Hugh McDowell y a Bill Hunt consigo para formar el grupo Wizzard. A pesar de las prediciones de la prensa en las que no auguraban un futuro para el grupo sin Roy Wood, quien había sido la fuerza impulsora detrás de la creación de la ELO, Lynne pasó a liderar la banda acompañado de Bev Bevan en la batería, Richard Tandy en los sintetizadores, Mike de Albuquerque en el bajo, Mike Edwards y Colin Walker como cellistas y Wilfred Gibson como violinista.

En 1973, tras participar en la edición de 1972 del Reading Festival, el grupo publicó su segundo álbum, ELO 2, el cual incluyó una versión del tema de Chuck Berry "Roll Over Beethoven" que produjo el primer gran éxito del grupo en Estados Unidos.

Durante la grabación del tercer álbum del grupo, Gibson y Walker abandonaron la formación, siendo sustituidos por Mik Kaminski como violinista y por el retorno de McDowell desde el grupo Wizzard. El resultado, On the Third Day, fue publicado a finales de 1973, incluyendo en su versión estadounidense la canción "Showdown".

ELO 1973
Electric Light Orchestra film US TV show in London's Trafalgar Square

1974-1981: Éxito global

Para el cuarto álbum de estudio del grupo, Eldorado, A Symphony, Lynne deshechó la idea de sobreproducir las grabaciones y contrató una orquesta y un coro. El primer sencillo extraido del álbum, "Can't Get It Out of My Head", entró en los diez primeros puestos de las listas estadounidenses, mientras que el álbum fue certificado como disco de oro. Tras la publicación de Eldorado, A Symphony, el bajista y vocalista Kelly Groucutt y el cellista Melvyn Gale se unieron al grupo, reemplazando a Albuquerque y a Edwards respectivamente.

En 1975, fue publicado Face the Music, del cual se extrajeron los sencillos "Evil Woman" y "Strange Magic". La canción instrumental "Fire On High", que mezclaba guitarras acústicas con una sección de cuerda, fue promocionada como música de fondo en montajes de CBS Sports Spectacular, si bien muchos de los espectadores no conocían el origen de la canción.

ELO 1975
Jeff Lynne and Bev Bevan on Supersonic

Por entonces, la ELO había obtenido un importante éxito en los Estados Unidos, alcanzando el estátus de estrellas en el circuito del rock también gracias a su aparición en la serie televisiva The Midnight Special. Sin embargo, su popularidad seguiría siendo aún baja en su país de origen, el Reino Unido, hasta la publicación en 1976 de A New World Record, que entró entre los diez primeros puestos de las listas de álbumes del Reino Unido.

A New World Record fue seguido por el álbum doble Out of the Blue, en 1977. El nuevo álbum produjo sencillos de éxito como "Turn to Stone", "Sweet Talkin' Woman" y "Mr. Blue Sky", cada uno de ellos alcanzando los primeros puestos en el Reino Unido. A continuación, la Electric Light Orchestra se embarcó en una gira mundial de 92 conciertos durante nueve meses, ambientados con una decoración que incluía luces láser y máquinas de niebla sobre un escenario que imitaba una nave espacial, en relación al logotipo del grupo. En los Estados Unidos, los conciertos fueron etiquetados como "The Big Night" (en español: "La gran noche") y se convirtieron en los mayores conciertos del grupo hasta la fecha, alcanzando la cifra de 80.000 personas en el concierto ofrecido en el Cleveland Stadium. El grupo también tocó en el Wembley Arena durante ocho noches seguidas, con el cartel colgado de "entradas agotadas", lo cual supuso un récord durante la época. El primero de los conciertos ofrecidos en el Wembley Arena fue grabado y televisado, así como publicado posteriormente en CD y DVD.

E.L.O - Wembley '81

En 1979, el grupo publicó el álbum Discovery, posteriormente certificado como disco de platino en los Estados Unidos. Aunque su mayor éxito fue la canción "Don't Bring Me Down", con un corte cercano al rock, Discovery incluía una notable influencia de la música disco en temas como "Shine a Little Love", "Last Train to London", "Confusion" y "The Diary of Horace Wimp". A pesar de no ser seguida por una gira de promoción, el grupo grabó Discovery en formato de video musical, convirtiéndose en la última aparición pública de la formación clásica de la Electric Light Orchestra: al poco tiempo, el violinista Mik Kaminski y los dos cellistas, Hugh McDowell y Melvyn Gale, fueron expulsados del grupo.

En 1980, Jeff Lynne fue solicitado para componer la banda sonora del musical Xanadu junto a John Farrar, produciendo ambas mitades del álbum. Aunque el largometraje obtuvo escaso éxito, la banda sonora, interpretada por la Electric Light Orchestra y por Olivia Newton-John, alcanzó el estatus de doble disco de platino. El tema que da título al álbum, "Xanadu", interpretado tanto por Olivia Newton-John como por la ELO, se convirtió en la única canción del grupo en alcanzar el primer puesto en el Reino Unido.

En 1981, Jeff Lynne cambió el sonido habitual del grupo para la publicación del álbum conceptual Time, pasando a un rock progresivo más cercano al de trabajos como Eldorado. Time alcanzó el primer puesto de las listas británicas de álbumes y supuso el último trabajo de la ELO en ser certificado como disco de platino en su pais de origen. Como medio de promoción, el grupo se embarcó en su última gira mundial y en la primera en no incorporar a cellistas, si bien Mik Kaminski volvió para interpretar varias piezas. La formación se vio completada por Louis Clark y por Dave Morgan interpretando las secciones de cuerda a través de sintetizadores.

1981-1986: Decadencia y separación

Jeff Lynne quiso dar continuidad a Time con un doble álbum que fue rechazado por la CBS, argumentando que sería demasiado caro. Aún así, el resultado, Secret Messages, alcanzó el cuarto puesto en el Reino Unido. La publicación del álbum fue seguida por una serie de malas noticias para el grupo, debido a que no se produjo ninguna gira de promoción y al abandono del bajista Kelly Groucutt, así como a la marcha de Bevan para tocar con Black Sabbath. Los rumores de la separación del grupo fueron desmentidos públicamente por Bevan, aunque el deterioro en las relaciones personales entre Lynne y el resto de los componentes se hizo patente durante los años anteriores.

Así, en 1983 Bevan expresó su deseo de unirse a Black Sabbath de forma permanente, dando pie a que Lynne y Tandy grabaran en solitario y bajo el nombre del primero varias canciones para la banda sonora de Electric Dreams. A pesar de la marcha de Groucutt y de la separación formal de la Electric Light Orchestra, Lynne se vio obligado a producir un nuevo álbum del grupo por obligaciones de contrato.

En 1985, Lynne, Bevan y Tandy, junto al saxofonista Christian Schneider, volvieron al estudio de grabación para grabar el último álbum del grupo, Balance of Power, publicado a comienzos de 1986. Aunque el sencillo "Calling America" alcanzó el puesto 28 en el Reino Unido, los siguientes singles extraídos del álbum no entraron en las listas de éxitos. El álbum estuvo marcado por la ausencia de una sección de cuerdas y por el reemplazo de sintetizadores, esta vez interpretados por Tandy.

Con la última formación del grupo, integrada por siete músicos, Lynne llevó a cabo varios conciertos con la ELO en recintos pequeños durante 1986, incluyendo países como Inglaterra y Alemania. El 15 de marzo de 1986, Bevan organizó un concierto benéfico bajo el nombre de "Heartbeat 86" en Birmingham, lugar de origen del grupo, al que se unió el ex-Beatle George Harrison en la parte final para interpretar "Johnny B. Goode". El último concierto del grupo tuvo lugar el 13 de julio de 1986 en Stuttgart, Alemania.

A pesar de no firmar un anuncio oficial, la Electric Light Orchestra rompió tras finalizar la gira de promoción de Balance of Power. Durante los siguientes años, Lynne establecería una fuerte relación de amistad y profesional con George Harrison, produciendo su álbum de 1987 Cloud Nine y formando parte del supergrupo Traveling Wilburys junto a Bob Dylan, Roy Orbison, Tom Petty y el propio Harrison, bajo el cual publicó los álbumes Traveling Wilburys Vol. 1 y Traveling Wilburys Vol. 3. Aunque Bevan se mostró interesado en reunir a la Electric Light Orchestra para un nuevo álbum, Lynne se desinteresó del proyecto y anunció el fin del grupo.

1991-2000: ELO Part II

Bajo un acuerdo comercial que le hacía copropietario del nombre del grupo, Bevan continuó el proyecto en 1989 bajo el nombre de ELO Part II, inicialmente sin otros miembros de la original ELO a excepción de Clark. ELO Part II publicó su álbum debut, Electric Light Orchestra Part Two, en 1991. Mik Kaminski, Kelly Groucutt y Hugh McDowell se unieron a la formación para la posterior gira de promoción en 1991. Tras la salida de McDowell, Bevan, Groucutt, Kaminski y Clark grabaron un segundo álbum, Moment of Truth, en 1994 y programaron una extensa gira hasta 1999. El mismo año, Bevan se retiró de la formación y vendió su parte del nombre a Jeff Lynne en 2000. El resto de los miembros del grupo continúan en la actualidad bajo el nombre de The Orchestra.

Jeff Lynne Bev Bevan

2000-2001: Reformación

Jeff Lynne reformó la Electric Light Orchestra en 2000 con la publicación de Flashback, un box set de tres CD con temas remasterizados y trabajos inéditos o inacabados.

Un año después, en 2001, Lynne publicó el álbum Zoom. Aunque el álbum está acreditado a la Electric Light Orchestra, el único miembro de la formación original que volvió a trabajar con Lynne fue Richard Tandy en un único tema. A diferencia de otros trabajos anteriores, Zoom presenta un sonido más orgánico con un menor énfasis en los efectos electrónicos y en las secciones de cuerda. Entre los músicos invitados a las grabaciones estuvieron los ex-Beatles Ringo Starr y George Harrison en la que supuso una de las últimas colaboraciones del segundo antes de su muerte el 29 de noviembre de 2001 a causa de un cáncer.

Lynne encabezó una nueva versión de la Electric Light Orchestra para producir una gira de promoción de Zoom, integrada por nuevos músicos y por Richard Tandy durante un breve espacio de tiempo para dos conciertos televisados: Storytellers, en VH1, y un programa emitido en la CBS titulado Zoom Tour Live posteriormente publicado en DVD. A pesar de la reunión, la gira fue cancelada.

ELO live at CBS studios, Los Angeles May 2001

Marca del grupo

La marca oficial del grupo fue diseñada por el artista Kosh en 1976 y publicada por primera vez en el álbum A New World Record. El diseño está basado en una jukebox Wurlitzer de 1946 del modelo 4008. Fue incluido en la portada de varios álbumes del grupo en distintas formas. Así, para la portada de Out of the Blue, la marca fue convertida en una estación espacial, en una imagen que se consolidaría como seña de identidad del grupo. Por otra parte, en Discovery, fue transformado en un artefacto pequeño a modo de tesoro descubierto. Además, Bev Bevan lo usó en la parte frontal de su batería.

Pass para todos los liks:

www.chilewarez.org

1971
No Answer

01. 10538 Overture
02. Look at Me Now
03. Nellie Takes Her Bow
04. The Battle of Marston Moor (July 2nd 1644)
05. First Movement (Jumping Biz)
06. Mr. Radio
07. Manhattan Rumble (49th Street Massacre)
08. Queen of the Hours
09. Whisper in The Night

Download.

1973
ELO II

01. In Old England Town (Boogie No 2)
02. Mama
03. Roll Over Beethoven
04. From the Sun to the World (Boogie No 1)
05. Kuiama

Download.

1973
On The Third Day

01. Ocean Breakup/King of the Universe
02. Bluebird Is Dead
03. Oh No Not Susan
04. New World Rising/Ocean Breakup (reprise)
05. Showdown
06. Daybreaker
07. Ma-Ma-Ma Belle
08. Dreaming Of 4000
09. In the Hall of the Mountain King

Download.

1974
Eldorado

01. Eldorado Overture
02. Can’t Get It Out of My Head
03. Boy Blue
04. Laredo Tornado
05. Poor Boy (The Greenwood)
06. Mister Kingdom
07. Nobody’s Child
08. Illusions in G Major
09. Eldorado
10. Eldorado Finale

Download.

1975
Face the music

01. Fire On High
02. Waterfall
03. Evil Woman
04. Nightrider
05. Poker
06. Strange Magic
07. Down Home Town
08. One Summer Dream

Download.

1976
A New World Record

01. Tightrope
02. Telephone Line
03. Rockaria!
04. Mission (A World Record)
05. So Fine
06. Livin’ Thing
07. Above the Clouds
08. Do Ya
09. Shangri-La

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1977
Out of the Blue

01. Turn to Stone
02. It’s Over
03. Sweet Talkin’ Woman
04. Across the Border
05. Night in the City
06. Starlight
07. Jungle
08. Believe Me Now
09. Steppin’ Out
10. Standin’ in the Rain
11. Big Wheels
12. Summer and Lightning
13. Mr. Blue Sky
14. Sweet Is the Night
15. The Whale
16. Birmingham Blues
17. Wild West Hero

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1979
Discovery

01. Shine a Little Love
02. Confusion
03. Need Her Love
04. The Diary of Horace Wimp
05. Last Train to London
06. Midnight Blue
07. On the Run
08. Wishing
09. Don’t Bring Me Down

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1980
Xanadu (con Olivia Newton John)

01. Magic
02. Suddenly
03. Dancin’
04. Suspended in Time
05. Whenever You’re Away From Me
06. I’m Alive
07. The Fall
08. Don’t Walk Away
09. All Over the World
10. Xanadu

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